144
Делюсь всякой музыкой и своим мнением. Новые посты (почти) каждый будний день в 10:00 Автор: @JeremyF
🇨🇦 Trevor Morris – Dragon Age Inquisition (2014)
#classical #neoclassic #ambient
Тревор Моррис – безусловно великий композитор. Один из лучших в своём стиле. А стиль у него, прямо скажем, эпический. Его саундтреки к Викингам и Столпам Земли – это что-то с чем-то. Но по сериалам я не эксперт, больше по играм. И, несмотря на опыт в создании музыки для Need for Speed: Carbon и SimCity, по-настоящему его талант можно услышать именно в саундтреке к Dragon Age. Тревор уже зарекомендовал себя для Electronic Arts как хороший кадр, но BioWare, разработчики Dragon Age, привлекали для первых двух частей Инона Цура. И лишь к третьей решили изменить подход к звучанию франшизы. Майкл Кент, саунд-директор, говорил в интервью, что команда хотела немного сместить направление и разогнать масштабы происходящего, подчеркнув это музыкальным сопровождением. Несмотря на то, что сюжетно первая часть масштабнее и эпичнее третьей, всё же она вышла достаточно камерной ввиду ограниченности технологий. Зато третья часть, получившая подзаголовок Inquisition, показала нам очень красивое приключение, в котором игрок брал на себя роль главы Инквизиции и закрывал разрывы в небесах, откуда прут демоны.
Я смело могу назвать себя пусть и не большим, но фанатом франшизы. Каждая часть (кроме последней) была мной пройдена, некоторые даже неоднократно. И, несмотря на то, что Инквизиция имеет кучу геймплейных огрехов, она мне всё равно очень нравится. Там хорошее повествование, харизматичные персонажи, крепкий сюжет. Я помню, как создал себе воина-танка, сделал его чернокожим и назвал то ли Кендрик, то Кливленд. И прошёл им всю игру, романся Кассандру, к которой успел привязаться из-за того, что она твой первый компаньон. И я уверен, что на мою любовь к игре во многом повлиял саундтрек Морриса. Особенно Journey to Skyhold . Помню как скачал её на плеер и ходил под неё в институт. Тревор сделал то, что умеет лучше всего – собрал оркестр и нагнал пафосного пафоса, чтобы ты каждую секунду чувствовал, что мир в опасности, и только главный герой может его спасти. Это не единственный саундтрек подобного формата, который мне нравится. Рядом с ним я бы поставил ещё музыку из Divinity: Original Sin, причём обоих частей, как за авторством Кирилла Покровского, так и Борислава Славова. Да и Electronic Arts стоит похвалить за грамотный выбор композиторов для своих проектов. Музыкой из Battlefield и Mass Effect я тоже заслушиваюсь с удовольствием. Почему решил сделать пост именно про Инквизицию – не знаю, настроение такое. Про другие саундтреки мы тоже когда-нибудь поговорим. А если пропустили, я уже однажды рассказывал про музыкальное сопровождение игры GNOG.
Слушать на доступных площадках
🇦🇺 Gang of Youths – Go Farther in Lightness (2017)
#heartland_rock #indie_rock #chamber_pop
Вы знали, что у Брюса Спрингстина есть верные последователи из Австралии? И обложка, и первые же треки наверняка сразу напомнят вам Born to Run. И ничего удивительного, Gang of Youths – это и правда отличные представители современного хартленд-рока, причём довольно каноничного, со стадионным звучанием, долей big music и песнями о простом житейском. Не помню как я на них наткнулся, но меня удивили положительные оценки альбома Go Farther in Lightness от коллег и критиков, особенно учитывая нишевость жанра. О нём мы поговорим позже, а пока пара общих слов. Группа образовалась в 2012 году в Сиднейской школе. Первым концертом стал разогрев у более известных Tigertown, и вот барабанщик Tigertown так впечатлился творчеством Gang of Youths, что ушёл из своей группы, чтобы стать их менеджером. Дальше получилось подписаться на лейбл Mosy, пошли первые синглы, тур с инди-рокерами Cloud Control и, конечно же, запись дебютника The Positions, который неплохо выстрелил. Без негативных последствий также не обошлось: фронтмен коллектива, по имени Дэвид, признавался, что был после всего этого в большом эмоциональном упадке и испытывал творческий кризис. Несмотря на это, в 2017 году Gang of Youth объявили, что новый альбом находится в разработке. Также к тому моменту группа переехала из Сиднея в Лондон, это было сделано по просьбе их ритмача/клавишника Чон Кима, но точной причины я не знаю.
То, что Go Farther in Lightness вдохновлён Спрингстином, не скрывал никто. Дэвид сам признавался, что открывающий трек Fear and Trembling – это буквально трибьют легендарной Thunder Road. Помимо хартленд-рока, Дэвид включил в альбом много оркестровой музыки, потому что, по его словам, рос на Вивальди и Моцарте, так что было решено разнообразить звучание скрипками, виолончелями, трубами и тромбонами. Отсюда жанр чамбер-поп в тегах. На текстовую же составляющую оказали большое влияние отношения Дэвида с отцом, а также ощущение одиночества и тревожности. Но сам альбом отнюдь не мрачный. Как и весь хартленд-рок, это очень светлая и тёплая музыка, которая вызывает желание жить и двигаться дальше. Go Farther in Lightness приняли крайне хорошо, и даже Rolling Stone поставили ему 5 из 5, отметив поэтичность и человечность работы. И действительно, человечность – одна из самых сильных сторон релиза. Это очень вдохновляющая рок-музыка, скрашенная, где это требуется, оркестровыми аранжировками, а где не требуется – просто камерная акустика или пианино. Из минусов я бы только отметил, что треклист как будто слегка затянут. Учитывая, что песни тут эмоциональные и заставляют тебя вовлекаться, к концу чувствуешь себя выжатым как лимон, а вас ждёт целых 16 композиций. Но они того точно стоят, особенно если вы в упадническом настроении и хотите сказать "да" этой жизни, о чём как раз поётся в самом конце.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Demi Lovato – Don't Forget (2008) / Here We Go Again (2009)
#pop_rock #powerpop #soft_rock
Мне очень нравилась тенденция подростковой поп-музыки конца 00-х уходить в рок. Тогда реально было очень много поп-рок и поп-панк альбомов и вовсю гремела Ханна Монтана. А я у вас всё же больше роцкер, так что меня таким зацепить очень легко. И вот Деми Ловато не обошла стороной судьба девочки-рокерши, которой, кстати, в то время пророчили стать заменой Аврил Лавин. Вообще, как и у многих коллег Деми по цеху, её карьера началась с Диснея, а именно с шоу As the Bell Rings, который шёл с 2008 по 2009 год и длился два сезона. Внутри Диснея Деми прошла прослушивание на Camp Rock и там завоевала любовь зрителей (хотя Jonas Brothers по популярности ей обойти не удалось). Продюсеры быстро выкупили, что из Ловато пора делать не просто актрису, а именно певицу, и на Hollywood Records закипела работа над дебютником. Собственно, вышедший в 2008 Don't Forget до сих пор многими считается лучшим альбомом Деми Ловато. Над текстами и музыкой работали кантри-певица Кара Диогуарди и фронтмен Rooney – Роберт Шварцман. Также и самих Jonas Brothers пригласили на фит трека On the Line – очевидно ради промоушена.
На выходе альбом получил сдержанные отзывы, всё-таки сложно написать шедевр в жанре подростковой рок-музыки, однако поругать альбом также не за что. Некоторые критики даже говорили, что Ловато – это Кэти Перри на минималках (что справедливо, учитывая, что та тоже начинала с поп-панка). Несмотря на критику, альбом попал на 2 строчку Billboard 200, продался больше полумиллиона раз и получил золотую сертификацию. Этого было достаточно, чтобы понять, что авантюра удалась, и через год выходит второй лонгплей с ироничным названием Here We Go Again. Он звучит менее тяжело, более разнообразно и интересно в музыкальном плане. Спасибо Джону Мейеру, который помогал с созданием пластинки. Я вам советую оба первых альбома, чтобы окунуться в атмосферу подростковой поп-музыки конца 00-х, ведь уже на третьем альбоме 2011 года Деми Ловато окончательно уйдёт от роли рокерши и станет обычной скучной электропоп певицей, которой остаётся и по сей день.
P.S. В первом абзаце я упомянул группу Rooney и понял, что до сих пор не сделал про них пост, а это просто преступление. Ждите рассказ про них завтра, потому что дебютник Rooney – один из моих любимейших поп-рок альбомов.
Слушать Don't Forget на доступных площадках
Слушать Here We Go Again на доступных площадках
🇺🇸 Stormtroopers of Death – Speak English or Die (1985)
#thrash_metal
Сегодня поговорим о таком направлении как кроссовер треш. Он является альтернативным восточно-побережным взглядом на треш-метал, который в свою очередь зародился в Калифорнии. Дело в том, что калифорнийцы угарали по рок-н-роллу, и пытались сделать его тяжелее. А на противоположном берегу США, в Нью-Йорке, люди увлекались подпольным политически ориентированным хардкор-панком, и нашлись те, кто решил его звучание утяжелить. В итоге и у первых, и у вторых получился более-менее одинаковый треш-метал, однако, когда слушаешь кроссовер, то очень хорошо чувствуешь как упор делался в первую очередь на панковые барабаны, драйв и скорость, а не мелодичные риффы и проигрыши. Также от панка новоизобретённый жанр унаследовал политически или социально-ориентрованные тексты. Я уже публиковал тут классику калифорнийского треша: дебютник Whiplash, очень советую его к ознакомлению. Сегодня же мы взглянем на классику уже кроссовер-треша, которая будет представлена дебютным альбомом группы Stormtroopers of Death.
Коллектив образовался в Нью-Йорке в 1985 году. Основали его участники Anthrax: Скотт Йен, Чарли Бенанте и Дэн Лилкер. Никто из них не умел петь, так что в качестве вокалиста был приглашен басист группы Psychos, Билли Милано. Парни на чистом энтузиазме записали аж 63 песни и отправили их на лейбл Megaforce Records, который отсеял часть и собрал из этого альбом Speak English or Die, его мы сегодня и слушаем. С этим альбомом Stormtroopers of Death поехали в тур поддерживать Motörhead – кумиров всех тогдашних трешеров. А вот до записи второго альбома дело так и не дошло, участники Anthrax вернулись к работе в Anthrax, а Билли Милано основал сайд-проект Method of Destruction, в основу дебютной пластинки которой и лёг материал, написанный ещё для Stormtroopers. Впрочем, расстраиваться не надо, в 1992 году реюнион всё же случился, за ним последовали новый тур, лайв в Будокане и даже новая запись под названием Bigger Than the Devil (1999), однако там уже нет ничего интересного. Зато Speak English or Die оставил после себя ощутимое наследие: музыка отсюда использовалась для шоу на MTV, а Anthrax до сих пор играют какие-то песни Stormtroopers на своих концертах. Журнал Ultimate Guitar в 2009 году признал Speak English or Die самым влиятельным кроссовер-треш альбомом в истории, а фронтмен индастриал-метал группы Ministry вообще называл данную пластинку лучшим альбомом человечества. По словам Скотта Йена, на одной из вечеринок к нему подошёл вокалист Pearl Jam, Эдди Веддер, и 25 минут рассказывал как сильно обожает Speak English or Die, но тут придётся только поверить на слово. Ещё некоторые музыканты полагают, что Speak English of Die – первый музыкальный альбом, на котором используется барабанная техника бластбит! Но в этом я не эксперт, не мог подтвердить или опровергнуть.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Carcass – Swansong (1996)
#groove_metal #death_metal #heavy_metal
Наконец-то мы добрались до моей любимой дэт-метал группы. Да, я выбрал самый попсовый и лёгкий альбом Carcass, но что вы мне сделаете? Дэт-н-ролл это тоже круто. Группа Carcass – прямо олды жанра. Они образовались в 1985 году под названием Disattack и начали играть метал, когда были ещё школьниками. Их дебютник Reek of Putrefaction оказался настолько мясным и грязным, что был причислен к горграйнду. Причём не столько из-за самого материала, сколько из-за того, как именно он был записан. Это самый лоуфайный лоуфай, который только можно представить, там даже ноты едва можно разобрать. Каждый последующий релиз всё дальше уходил от грайнда в сторону дэт-метала, а ещё позже – мелодик дэт-метала. Этому во многом поспособствовало подписание контракта с лейблом Columbia. Именно на нём выходит самый спорный альбом коллектива – Heartwork (1993). Он одновременно и мясной, и очень фактурный, с кучей красивых качающих риффов. Для многих фанатов пластинка стала ножом в спину, однако при этом Heartwork оказал влияние на целое поколение металистов, ему признавались в любви At the Gates и In Flames. И это действительно отличный альбом, но местами он для меня всё же слишком дэтовый.
Зато вот мой бесспорно любимый альбом у группы – это Swansong. Буквально Heartwork, из которого выкинули всё лишнее, оставив только грув и хеви-метал. От дэта здесь, пожалуй, только злейший вокал. Такой жанр принято называть дэт-н-ролл, некая помесь дэт-метала с рок-н-роллом. И это, кстати, отличное описание того, как звучит Swansong. Альбом выпускался уже не на Columbia, а на Earache Records, и задумывался как альбом, олицетворяющий Carcass максимально полно. Ребята собрали здесь всё, что их характеризует: чёрный юмор в текстах, грязный вокал, крутые риффы и соло-партии. Однако фанаты хотели от них более агрессивного мелодик дэта, а ещё лучше старого доброго грайнда, поэтому в плане продаж Swansong получился полностью провальным. Однако сейчас можно прочитать множество хвалебных отзывов от слушателей. Люди признают, что альбом спорный, но заходит отлично, звучит уникально и также оставил свой след в истории. И я действительно согласен, мало у кого получалось сделать метал таким же рок-н-ролльным в эпоху пост-нью-вейв-оф-бритиш-хеви-метал так сказать. Я в своё время подходил к творчеству Carcass с чистым сердцем, не будучи фанатом дэта, поэтому слушал их дискографию с конца, и Swansong как зацепила меня с первого раза, так и до сих пор остаётся одним из любимых метал-альбомов вообще. Я даже до сих пор помню наизусть как играются песни Tomorrow Belongs to Nobody и Black Star. Кстати, чтобы дальше пилить подобное музло, парни создали сайд-проект, который так и назвали – Blackstar, и выпустили под этим именем шикарнейший альбом Barbed Wire Soul (1997), на котором вы сможете услышать даже дэт-н-ролл с саксофоном. Отдельный пост про него делать не буду, но категорически советую к прослушиванию. Также специальный тег дэт-н-ролл ради одного альбома вводить не буду, описал звучание более общими.
Слушать на доступных площадках
🇯🇵 菊池ひみこ – Flying Beagle (1987)
#jazz_fusion #funk #city_pop
После вчерашнего недоразумения захотелось выложить какой-то по-настоящему достойный джаз, а данный альбом мог бы смело находиться в моей подборке золотой коллекции. Ставить японский фьюжн-джаз как эталон – это уже моветон, хотя невозможно не признать, что японцы в этом одни из лучших. Так что для золотой коллекции я приберёг западную пластинку, а сегодня делюсь летающим биглем – самой известной работой японской пианистки Химико Кикучи. Она родилась в городе Сэндай, в 1953 году, училась играть на фортепиано с 7 лет в музыкальной школе, а в 12 взяла второе место в соревновании Yamaha Electone Competition. Это дало старт карьере в мире большой музыки. Далее её взяли к себе на обучение уже известные пианисты, и в 1979 она вступила в Inner Galaxy Orchestra. Но нам, конечно, интереснее послушать сольные работы Химико. Дебютник у неё вышел в 1980-м на лейбле Continental, но не возымел большого успеха. Далее было аж 5 альбомов, Химико клепала их каждый год, но ничего не выстреливало. Пока в 1987 она не сменила лейбл на CBS/Sony, и не выпустила Flying Beagle, который вырвался за пределы Японии, и очень хорошо продался по миру.
В чём же успех бигля? Да я понятия не имею, ранние альбомы Химико ничуть ни хуже, они тоже потрясающие. Видимо просто благодаря лейблу получилось продвинуть артистку на западную аудиторию, где о ней узнало больше людей. Касательно музыки: стоит ли вообще что-то комментировать? Это японский фьюжн-джаз во всей своей красе. Фанковые гитары, sloppy бас, духовые инструменты, и, конечно, непревзойдённая игра Химико на клавишах. Эта женщина творит настоящую магию на инструменте, треки Sand Storm и Ducky Ducky каждый раз выдавливают из меня слезинку удовольствия. И это говорю я, фанат именно гитарной музыки. Но, несмотря на парочку очень средненьких соляков, всё внимание в композициях уделяется, разумеется, синтезатору. При этом слушается творчество Химико крайне легко, не надо быть фанатом сложного джаза, чтобы поймать кайф. Достаточно любить японский сити-поп 80-х, и вы без труда получите удовольствие от Flying Beagle, как и от любого релиза Химико, впрочем. Увы, после бигля у неё вышло только 2 альбома, последний концерт Химико Кикучи дала в 2007, и сейчас на заслуженной пенсии. Пожелаем бабушке счастливой старости. А биглю я даю свои 10 из 10 без каких-либо сомнений.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 The Fray – How to Save a Life (2005)
#post_britpop #alternative_rock #pop_rock
Заметили как в этом году я разогнался с пост-бритпопом? Классный жанр, ну ничего не могу поделать. Сегодняшняя группа из США, но это не мешает ей делать типичный пост-бритпоп с фортепиано и грустными гитарками. Раньше я боялся вписывать жанр бритпоп таким группам как The Killers или Orson, но в этот раз возьму на себя смелость подчеркнуть, что корни Великобритании в музыке The Fray слишком очевидны, чтобы их отрицать. Группа образовалась в 2002 году в Денвере. Создали её одноклассники Айзек Слейд и Джо Кинг. В качестве источников вдохновения сами парни называют Coldplay и Keane, что только подтверждает мои догадки о жанре. К слову, влияние Keane слышится особенно хорошо, ведь в базе почти каждой композиции The Fray лежит именно фортепиано, поверх которого уже придумываются партии гитары и барабанов. Писать музыку The Fray начали почти сразу после основания коллектива, и выпустили два мини-альбома без лейбла. Все видели их потенциал, но создавать полноценный лонгплей самостоятельно было не по карману. Пришлось рассылать свои песни по разным компаниям, и вот трек Cable Car дошёл до радиостанции KTCL, которую слушали редакторы журнала Westwood, и те назвали The Fray лучшей новой группой 2004 года. Это привлекло внимание Epic Records, и заветный контракт был подписан.
Альбом How to Save a Life записывался в течение 6 недель в Echo Park Studios, в Индиане, в качестве продюсеров выступили Аарон Джонсон и Майк Флинн. Прямо перед началом записи группу покинул басист, но на его место пришёл Джейк Смит, фронтмен The Mysteries of Life, и взял партии на себя. Большинство композиций написано основателями группы, Айзеком и Джо, Айзек также поёт и играет на бубне (прямо как Лиам Галлахер). Когда пластинка вышла в свет, её мало кто оценил. Американская публика не была готова к рок-музыке на пианино, а журнал Entertainment даже поставили ему 1/5. Впрочем, это не помешало How to Save a Life стать к сегодняшнему дню пятикратно платиновым, а также выиграть три награды Billboard Music Awards: альбом года, артист года и новый артист года. Несмотря на то, что в рецензиях альбом ругают за отсутствие драйва, для меня это как раз плюс. Альбом прекрасно чувствует себя как продолжение того направления рок-музыки, которое задали Snow Patrol, Travis и Keane. Если вы любите меланхоличный рок с фортепиано и гитарами, то смело включайте, особенно одноимённую песню. Это до сих пор лучшая композиция во всей дискографии коллектива, которая запросто пробирает до мурашек.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Electric Wizard – Electric Wizard (1994)
#doom_metal #stoner
Я уже неоднократно упоминал, что стоунер был создан для лютого раскумара, но ещё ни разу не выкладывал реально кумарную классику. Сегодня я это исправлю, и выложу один из самых кумарных альбомов на свете – дебютный полноформатник Electric Wizard. Прекрасно понимаю людей, которые захотят его скипнуть и сразу окунуться в Dopethrone 2000 года, однако я всё же настаиваю на том, что погружаться в дискографию этой чудесной группы надо плавно. Да и сегодняшняя пластинка мне нравится даже больше остальных. Корни самого коллектива растут оттуда же, откуда у всего стоунера и дума – из Black Sabbath. Вдохновившись легендами тяжелой музыки, Джас Оборн из графства Уимборн в 1988 году основывает группу Lord of Putrefaction, которая после нескольких демо-записей, смен составов и названий, наконец превращается в Electric Wizard. Оборн не скрывал, что позаимствовал нейминг из песен Саббатов: Electric Funeral и The Wizard. В 1995 году на лейбле Rise Above Records пацанам наконец удаётся выпустить дебютник. Состав к тому времени насчитывал троих участников: помимо Джаса, который играл на гитаре, в Electric Wizard присуствовали басист Тим и барабанщик Марк. И это абсолютно идеальный состав, потому что затяжному кумарному стоунеру не нужны ни соло-гитары, ни клавиши, ни отдельный вокалист, бегающий по сцене с микрофоном.
О том, как звучит Electric Wizard, можно писать целые эссе, а можно просто молча включить любой трек. Это медленные, но при этом не скучные фуззовые риффы, давящий глухой бас и барабаны с упором на тарелки. Несмотря на то, что дебютник не считается такой же классикой, как некоторые другие работы коллектива, мне он нравится за блюзовость и психоделичность. Это буквально Samsara Blues Experiment, но с огромным влиянием традиционного дума. Последней точкой, сделавшей данную пластинку моей любимой, стал одноимённый трек. Да, тут мы имеем ситуацию, когда песня с названием Electric Wizard была записана группой Electric Wizard и выпущена на альбоме Electric Wizard. Она создавалась под большим впечатлением от Holy Mountain за авторством Sleep, и повествует о лютом психотрипе под руководством того самого электроволшебника, который прилетел на драконе и позвал с собой:
Colors swirling, sounds are drifting, thinking we were dead.
The wizard turned and spoke to us and, this is what he said...
Хотите узнать что сказал волшебник? А вот включите песню. Приятного путешествия.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 YUNG BAE – BA3 (2016) / B4E (2017)
#futurefunk #funk #disco
После череды депрессивных осенних альбомов, предлагаю ненадолго вернуться в жаркое лето и послушать практически классику современного фьючерфанка – Yung Bae. Однажды доберёмся до ещё более классической классики в лице Saint Pepsi и Macross 82-99. Но сегодня я решил так глубоко не копать и дать вам насладиться альбомами, которые очень люблю сам, а именно серией релизов под общим названием "Bae". Но сначала про артиста: его зовут Даллас Майкл Коттон, родился в 1994 году в Орегоне, поступил на инженера, но уже через 4 месяца бросил учёбу ради музыки. Сочинять и продюсировать учился по видео на ютубе, а увлечение аниме определило вектор будущего творчества. По словам Далласа, он рос на Сейлор Мун, Самурае Чамплу и Евангелионе, а сити-поп музыкой увлёкся в школе, когда ютуб ему подкинул Марию Такеучи в рекомендации. Проект Yung Bae задумывался как что-то, что привнесёт новое звучание в классику. То есть цель была не в том, чтобы присваивать себе эстетику 80-х и 90-х, а в том, чтобы посмотреть на неё с новой стороны, и это у Yung Bae получается очень достойно.
Свою серию "Bae" артист начал в 2014 с одноимённого альбома, и вот сейчас их уже 6 частей. Я с удовольствием оставляю ссылки на каждый из них: Bae, BAE 2, BA3, B4E, Bae 5, 6AE. Для поста выбрал свои любимые, третью и четвёртую. Первые два мне кажутся слегка сырыми, а последние два, наоборот, overproduced. Там артист даже отходит немного в сторону почти клубной музыки, но это всё равно замечательные работы. Известность Yung Bae уже давно вышла за пределы фьючерфанк-комьюнити, и Даллас успел записать фиты с Найлом Роджерсом из Chic, рэпером Method Man, Майком (не Владимиром) Познером и AWOLNATION. А совместных треков с коллегами по фьючерфанк-цеху у него выше крыши. Если вы забыли, то я уже выкладывал на этом канале ещё одного похожего артиста – Артёма Desired. Так вот, совместная композиция с ним тоже имеется! Yung Bae звучит как ностальгический поп из параллельной вселенной, где 80-е никогда не заканчивались. Он старается не зацикливаться на аниме-тематике, и многие его треки звучат вполне как западный диско и фанк. Что-то состоит целиком из сэмплов, а что-то (в основном на поздних альбомах) написано с нуля. В общем очень классная, яркая и позитивная музыка, обязательно ещё вернёмся к этому жанру в будущем
Слушать BA3 на доступных площадках
Слушать B4E на доступных площадках
🇮🇪 Van Morrison – Days Like This (1995)
#blues #rhythm_n_blues #folk_rock
В первом посте про Вана Моррисона я упомянаю один из своих любимых альбомов артиста – Days Like This. Данная пластинка для меня особенно дорога, ведь трек You Don't Know Me отсюда стал моим первым знакомством с творчеством Айвана. А когда я послушал пластинку целиком, то влюбился сразу. Помню как побежал скачивать дискографию с торрентов (это было настолько давно), и, увидев 60+ только студийных релизов, меня пробил холодный пот. Спустя 12 лет я так и не послушал все, но осилил точно большинство. И скажу, что Days Like This до сих пор входит в топ-5 любимейших. Треклист тут довольно разнообразный, есть вполне себе весёлые композиции, хотя даже они пропитаны какой-то меланхолией. Но прелесть альбома как раз в его неспешных балладах, из которых релиз состоит почти целиком. Вершиной всего этого пиршества меланхолии я могу без сомнения назвать песню Ancient Highway. Сука, как же она меня пробивает до сих пор, до мурашек каждый раз. Помню как слушал Days Like This, когда шёл на работу по осеннему Таврическому Саду, и, подминая ногами желтые листья, рассуждал что в моей жизни не так.
Альбом стал 23 по счёту студийником. Предыдущий опус Вана Моррисона под названием Too Long in Exile (1993) большинство критиков назвали слишком "терапевтическим", и многие считают, что Моррисон находился в некоем творческом кризисе. Тогда он вернулся в родную Ирландию, и в Windmill Lane Recording записал этот шедевр, посвящённый самоанализу. Как и на Too Long in Exile, здесь очень много рефлексии. Песни о чувстве потери, грусти, внутренней борьбе. В треке Songwriter Моррисон буквально говорит о своей профессии, и том, как она трудна, ведь тексты песен не посылает тебе кто-то сверху. А центральная композиция Days Like This, на самом деле, повествует про вполне себе хорошие дни, когда всё встаёт на места. Так что, несмотря на всю меланхоличность и местами даже депрессивность, альбом носит, скорее, позитивный характер, а нам всем это очень необходимо. Музыкально Моррисон возвращается в мои любимые 70-е с обилием духовых инструментов, которые теперь имеют более тёплую "подложку" в виде электро орга́на. И я, разумеется, не могу не обмолвиться про вокал. Ван Моррисон рычит как лев, кое-где превращая слова в набор звуков, через которые мы и чувствуем его боль и уязвимость. Именно манера пения в Ancient Highway и заставила меня так увлечься творчеством Вана Моррисона. Потрясающий альбом, абсолютная золотая коллекция и классика вне времени.
Слушать на доступных площадках
🇷🇺 ДДТ – Мир номер ноль (1999)
#hard_rock #industrial_rock
Какой же разговор про осень без ДДТ. И нет, это не тот альбом, откуда Что такое осень. Данный шлягер находится на Актрисе весне, которая, несмотря на свой тяжелейший бэкграунд в виде смерти жены Шевчука, очень лёгкая и тёплая. А вот "Мир номер ноль", наоборот, максимально тяжёлый и безжизненный. Он даже больше зимний, чем осенний, но я слишком давно хочу поговорить про ДДТ, чтобы оттягивать. Для начала скажу, что являюсь большим поклонником творчества Юрия Юлиановича. Не всего, конечно, слишком уж оно разнообразное, но "Мир номер ноль" точно входит в мою золотую коллекцию. Это плотный экспериментальный индастриал с обилием компьютерных технологий, сэмплов и электронных шумов. Во время записи коллектив покинул гитарист Андрей Васильев, не приняв новый вектор развития. Зато на его место пришёл клавишник Константин Шумайлов, привнёсший мрачную эстетику, похожую на Nine Inch Nails. Творческий поворот был поистине резким, ведь до этого ДДТ делали чаще всего ритм-н-блюз. Местами остросоциальный или юморной, но в центре всегда стояли гитарные аккорды, что соответствует тому, каким был весь русский рок тех лет. Но "Мир номер ноль" встречает слушателя совсем другим: механические барабаны Игоря Доценко и бас Павла Борисова режут на корню всю мелодичность, а электрогитара хоть и осталась, но была сильно искажена постобработкой. Вадим Курылёв выдаёт пауэр-аккорды на слегка расстроенных струнах, а соло-партии звучат нарочито фальшиво, как будто инструменты были найдены где-то на свалке. Изначально Шевчук хотел сделать альбом, состоящей целиком из "мёртвой музыки" (так он называл всё, что написано на компьютере), но в процессе записи живые инструменты решили оставить.
Лирика тоже претерпела изменения. Шевчук исследует человека на сломе эпох. Он говорил, что "Мир номер ноль" – это история о человеке, который приходит в мир, становится частью МЫ, примеряет различные социальные одежды, ищет любви, рассуждает о русской идее и ищет выход. Ключевой мотив – трансформация одиночества. Лирический герой почти сразу предстаёт перед нами частью некой машины или механизма (отсюда индустриальные мотивы), а к концу обретает долгожданную свободу. Это важный момент, потому что у пластинки две концовки. На студийной версии вас встретит песня Герой – растворение в бытовой рутине, грустный итог, который отлично перекликается с общей мрачностью нарратива. А вот на концертах последней песней всегда была Свобода, в которой герой умирает, но зато перестаёт быть винтиком системы. Шевчук говорил, что хотел дать людям надежду, поэтому при живом исполнении менял финал. Как бы вы ни относились к ДДТ, я крайне советую послушать "Мир номер ноль". Мрачное, тяжёлое и концептуальное произведение, актуальное по сей день.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Gentle Giant – Gentle Giant (1970)
#progressive_rock #symphonic_rock
Группа Gentle Giant всегда была очень спорной в прог-рок-комьюнити. Кто-то называет их недооцененными алмазами, а кто-то, наоборот, считает самой скучной группой из мейнстримных. Конечно "мейнстримных" очень условно, это не уровень известности Pink Floyd или King Crimson. Но учитывая, как много в 70-х было прогеров, а особенно в Британии, Gentle Giant точно получили свою долю популярности, правда в основном уже после распада. Группу собрали братья Шульманы: Фил, Дерек и Рэй, все они были евреями и родились в Шотландии. Их отец, в период службы в армии, играл на трубе, и поэтому обучил детей основам джаза и ритм-н-блюза. Таким образом в 1966 году появилась группа Howling Wolves, они же Road Runners, они же Shulmans' Band. Фил, который взял на себя трубу и саксофон, кстати, успел повыступать с Элтоном Джоном. Рэй играл на гитаре и скрипке, Дерек пел. Начинали парни с поп-соула, пока не услышали The Beatles и Pink Floyd. Тогда, в 1970 году, группа сменила название на очень классное Gentle Giant, и села за написание одномённого дебютника, который мы сегодня и будем слушать.
Продюсировать "Gentle Giant" взялся Тони Висконти, человек, ответственный за лучшие альбомы T.Rex и раннего Дэвида Боуи. Позже он спродюсирует ещё сотню шикарных пластинок в соврешенно разных жанрах, но к 1970 году его послужной список был не так велик. В основу пластинки легла та же музыка, что и у коллег по жанру, то есть блюз и психоделический рок, однако отличительной чертой Gentle Giant было использование духовых инструментов, а также большое влияние соула и классической музыки. Лучше всего это слышно в песне Alucard, мне очень нравится её интро, сочетающее в себе практически хард-рок, с такими чисто вампирскими синтами и джазовым саксофоном. Вообще кайф. Из минусов же могу отметить, что альбом не имеет не то что общего сюжета, а даже хоть какой-то концепции, а это большая редкость для прога тех лет. Впрочем, это парни исправят уже достаточно скоро, на моём любимом Three Friends (1972). Да, несмотря на то, что у меня есть более любимые пластинки Gentle Giant, я считаю, что их стоит начинать слушать именно с дебютника, так как он демонстрирует тот необычный фьюжн инструментов, за который группу полюбят и назовут чуть ли ни первым в истории симфопрогом. Но это случится сильно позже, а в самом 1970 году альбом остался незамеченным, не попал ни в один чарт и не получил ни одну награду. Впрочем, даже сейчас можно встретить мнение, что "Gentle Giant" – это набор бессвязных атональных зарисовок, и группа не может понять кем хочет быть, но я так не считаю. Да, не шедевр на все времена, но точно заслуживает внимания всех фанатов прога, и является отличной точкой входа в творчество коллектива.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Radiohead – The Bends (1995)
#alternative_rock #post_britpop #grunge
Сегодня у нас необычный пост! Мы давно общаемся с автором канала Закопайте кавербенд поглубже, и советуем друг другу хорошую музыку. И спасибо Анатолию за то, что наконец открыл мне вселенную Radiohead, ведь до этого я слушал только Pablo Honey, и боялся браться за другие альбомы, учитывая их легендарность. Однако The Bends, второй релиз Radiohead, оказался отличной смесью бритпопа и гранжа, и не даёт заскучать с первой до последней песни. Материал создавался в спешке, потому что лейбл NME дал парням всего 6 месяцев, или контракт будет разорван. Том Йорк записал несколько демок и показал их Джону Леки, очень уважаемому продюсеру, который ранее работал с The Stone Roses и The Verve. Джону совсем не нравился Pablo Honey, зато новые демки его заинтересовали, и они решили вместе их развивать. Как и предыдущую пластинку, эту записывали в три гитары, чтобы создать плотную стену звука, но партии разделили. Благодаря этому гитары на The Bends звучат слегка психоделично и космически, что отлично работает на атмосферу. А агрессивные гранжевые песни это сделало только более гаражными и тяжёлыми. Сама запись проходила в студии Abbey Road в Лондоне, а сводил всё сам Джон Леки.
В итоге у группы получилась пластинка, которая вошла в историю как один из самых экспериментальных бритпоп альбомов. А всё потому что Том Йорк не держал себя в жанровых рамках, и вместе с другими участниками написал 12 потрясающих, ни на что не похожих песен. Мне даже сложно выбрать любимую, к The Bends хочется возвращаться целиком, особенно, когда настроение слегка мрачное или мечтательное. А сейчас я передаю слово Анатолию, который также расскажет за что любит The Bends:
Чем дальше я иду по тропе радиоголового фанбойства, тем больше понимаю, насколько крут альбом The Bends как песенно, так и идейно. Сейчас особенно нравится выслушивать, как Радиохэд взламывают актуальные в девяностых гитарные жанры: гранж проверяют на прочность нагромождением аккордов, а брит-поп доводят до клинической депрессии. Что получилось в итоге? Первый лонгплей в жанре Radiohead) Скромная (на фоне каталога RH, конечно) классика рока, которая отвоёвывает заслуженную долю славы у Компьютера и Радуги.
Вот такие дела. А о ком написал Анатолий на своём канале, читайте по ссылке. Вас ждёт достаточно интересный рассказ про одного из моих любимых поэтов-песенников, и к нему я также оставил свой многозначительный комментарий.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Noah Kahan – The Great Divide (2026)
#folk_rock #heartland_rock
После поста про It It Anita, я решил побольше времени уделить альбомам 2026 года. И свежак от Ноа Каана я ждал с нетерпением. Несмотря на достаточно сухую, хоть и хвалебную рецензию на его прошлый лонгплей, на самом деле за последний год я очень проникся данным артистом. Ноа Каан начал вызывать у меня какую-то тоску по деревням и сёлам, по простым людям, по школьной любви. Его темы простые и понятные, и запросто вас коснуться даже если вы не живете в Соединенных Штатах Америки, духом которых был пропитан Stick Season. И это приводит нас к логическому жанровому развитию: из инди-фолк артиста Каан превратился в хартлэнд-рокера. Больше электрогитар, меньше акустики, песни о чём-то добром с отсылками к родным местам музыканта. Идеальная формула. И сам Ноа Каан чувствует себя в таком амплуа предельно комфортно, поэтому у меня нет никаких претензий к тому, что The Great Divide зазвучал местами как Брюс Спрингстин. Продюсировал пластинку Аарон Деснер – гитарист The National. Кстати, в этом же году он спродюсировал новый альбом Mumford & Sons, но те, что иронично, наоборот, вернулись в фолк-звучание.
Оценки у релиза на данный момент в основном положительные, Spill Magazine даже поставили ему 10/10, и The Great Divide успел стать дважды платиновым в Канаде. Канадцы, если вы вдруг не знали, огромные фанаты всякого бро-кантри и фолк-рока. Самая сильная сторона новой пластинки, как и предыдущей – тексты. Они очень честные, искренние и откровенные. Ноа рассказывает о своих друзьях, о близких, о том как слава повлияла на него и окружающих. Ну и о важных для него географических локациях тоже, без этого в хартлэнд-роке никак. Единственное, за что я готов поругать The Great Divide (и тут со мной все согласятся) – это его неприличная длительность. 17 треков в обычной версии и 21 трек в делюксе. И это не какой-то концептуальный прог, где каждая композиция – кирпичик в общей картине и его ни в коем случае нельзя убирать. Нет, это буквально 21 трек под гитарку о приблизительно одном и том же. Так что хронометраж можно было смело делить пополам, или выкладывать как две части, а ещё лучше просто избавиться от некоторых проходных композиций. Для меня, увы, The Great Divide не стал альбомом года, и даже не затмил собой Stick Season, который я до сих пор переслушиваю с огромным удовольствием. Тот лонгплей, кстати, страдал от той же проблемы – огромная длительность, но каждая композиция мне уже стала как родная. А здесь тронули только парочка. Посмотрим в какую сторону унесёт Каана дальше, ведь до фолк-периода он был вообще инди-поп певцом под электронные биты.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Cory Wong – Motivational Music for the Syncopated Soul (2019) / Elevator Music for an Elevated Mood (2020)
#funk #jazz_fusion
Начну с хот-тейка. Кори Вонг – один из лучших ритм-гитаристов в истории. В джазе и фанке уж точно. Его трудно назвать новатором, но технику строука он отточил до какого-то непревзойденного мастерства. Кори рассказывал, что просто максимально расслабляет кисть и даёт ей трястись как пуддингу. Звучит легко, но вы попробуйте при этом сохранять идеальный джазовый ритм и правильно чередовать нижние удары с верхними. В этом Кори Вонгу нет равных, и звук его сочного звонкого стратокастера узнаётся с первых секунд каждой песни. Fender даже выпустили его сигнатурную гитару, которая точно заслуживает вашего внимания, если вы хотите добиться такого же саунда. Сам Кори Вонг родился в Нью-Йорке, а вырос в Миннесоте, по происхождению он наполовину китаец. Отец познакомил Кори с классическим роком и джазом, а уже в 9 лет отправил на уроки фортепиано. Первыми музыкальным ориентирами будущего гитариста стали Red Hot Chili Peppers и Primus, из-за чего Кори увлёкся фанком и ему купили Фендер джазз бас. На этом увлечения музыкой не закончились, Кори Вонг закончил музыкальный колледж, и уже к началу 2010-х стал завсегдатаем джазовых клубов, где выступал с группами Even Uneven и Quartet/Quintet. Хорошим бустом стало знакомство с коллективом Vulfpeck, я вам о них уже рассказывал. Vulfpeck не только звали Вонга на свои джэм-сессии, но и помогали в раскрутке, что дало старт сольной карьере артиста. К слову, Кори Вонг, благодаря своей манере игры, и благодаря роли ритмача, вписывается идеально вообще в любой коллектив. Он играл и с Dirty Loops, и с Марком Летьери, и с Ларри Карлтоном, и с Эваном Марьеном. Это я сейчас перечислил только тех, про кого у меня были посты. Да я сам узнал про Кори Вонга благодаря его коллаборации с Тимом Хенсоном из Polyphia и Plini. К слову, про Plini я узнал оттуда же.
Помимо виртуозной игры на гитаре, у Кори Вонга есть ещё одна узнаваемая черта – он невероятно позитивный человек. На каждом концерте, на каждой фотке или видео он всегда улыбается в 32 зуба, рассказывает о чём-то хорошем и никогда не унывает. Даже когда хейтеры называют его творчество elevator music – то есть музыка, которая играет в лифтах, тупо чтобы заполнить тишину. На это Кори отвечает – elevator music for an elevated mood (то есть для поднятия настроения, надеюсь вы поняли игру слов). Именно этот альбом, вместе с соседним Motivational Music for the Syncopated Soul, мы и будем слушать. Не могу сказать, что это лучшие пластинки Вонга, но это отличная точка входа в его творчество. Большинство композиций тут инструментальные, и вы сможете без проблем насладиться гитарным звучанием. А вообще я не могу выбрать ни любимый, ни лучший альбом Кори Вонга. На каждом он показывает себя как невероятно крутой гитарист и композитор. А его лайвы – это вообще нечто. Советую всю дискографию без исключения.
Слушать Motivational Music for the Syncopated Soul на доступных площадках
Слушать Elevator Music for an Elevated Mood на доступных площадках
🇧🇪 Gnome – Vestiges of Verumex Visidrome (2024)
#stoner #heavy_metal #progressive_rock
Cпасибо моему хорошему другу Даньку за совет послушать Гномов. Сначала я их не выкупил из-за крошечной плотности текстов на альбом, но когда научился слушать фоном и погружаться в атмосферу – стало намного лучше. Дело в том, что у Gnome упор сделан не на тексты (их тут кот наплакал), а на мощный риффрайтинг. Их гитарист, Рутгер Вербист, явно наслушался Black Sabbath, Led Zeppelin, High Tide и всякой прочей прото-метал-музыки, потому что в своём проекте он выдаёт такие классные риффаки, что заслушаешься. Вообще Гномов всего трое: Рутгер, Эгон и Джеффри, все они из Бельгии. И известны они в первую очередь своим юморным отношением к творчеству. Парни носят остроконечные красные шляпы, поют обо всякой смешной дичи, и всё это на фоне достаточно тяжелого стоунер-метала. Ах да, клипы! Посмотрите их клипы, например на песни The Ogre или Golden Fool – это что-то с чем-то. Так вот, всё началось с такого самого Рутгера, который ещё в детстве писал простенькие песни на гитаре "смеха ради". И в один момент ему стало так всё нравиться то, что пришла идея всё-таки оформить это в полноценный коллектив. Первым делом был приглашен барабанщик, чтобы выступать дуэтом, а потом подтянулся басист. Назвались сначала Sleepless Titan, а позже Gnome.
Дебютник вышел в 2018 году без лейбла, его можно было просто приобрести на онлайн-площадках. Позже пацанов возьмут к себе Polderrecords, и последующие пластинки будут на выходить на нём. Первый альбом мне, если честно, не понравился. Действительно шикарные риффы просто скучно слушать без какого-либо контекста. Второй альбом, King, уже намного интереснее: это довольно тяжёлый прог, посвящённый войне между вымышленным королём Венцеславом (спасибо что не Венгржановским) и, собственно, гномами. Но тот альбом слегка проседает в динамике, могу только посоветовать вам глянуть клип на Kraken Wanker – именно с него я познакомился с группой. А вот Vestiges of Verumex Visidrome я как раз хочу вам сегодня выложить. Это не очень замудрёная смесь прогрессив-рока и стоунер-метала, приправленная фирменным юмором коллектива. Наконец-то текстов стало много и они представляют из себя даже не совсем набор случайных слов. Вообще всё творчество Гномов можно спокойно крутить фоном, если хочется посидеть под что-то тяжёлое, но не давящее. В конце я ещё раз посоветую вам глянуть клипы пацанов, меня с каждого из них выносит.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Rooney – Calling the World (2007)
#pop_rock #alternative_rock #powerpop #britpop
Вы не представляете как сильно я себя ругаю за то, что не рассказал вам про Rooney раньше! Не понимаю каким образом эта потрясающая группа выпала из моей головы. Впрочем, может оно к лучшему, сейчас пост про них увидит 200 человек, а не 5, которые были со мной на старте канала. Сейчас выскажу противоречивый тейк, так что заранее прошу отнестись с пониманием. Главное, что вы должны знать о Rooney, это то, что они – абсолютно британско-ориентированная группа. То есть как Orson, The Strokes, The Fray или ранние The Killers. Вроде американцы, но играют чистейший бритпоп, лучше продаются в Британии и ездят в туры с английскими командами, а не американскими. И это не мои додумки, и критики, и слушатели сравнивают Rooney с Keane, Travis и The Kooks. В их музыке есть и гаражный рок 90-х, и синтезаторы, отсылающие к прогрессиву, и просто лёгкая поп-музыка. А баллады тут обязательно на фортепиано, всё по заветам Oasis. Сейчас я уже достаточно смелый, чтобы оставить в посте соответствующий тег, так что говните меня в комментариях, если хотите, но я своего мнения по этомувопросу не поменяю. Rooney, а в особенности альбом, который мы сегодня слушаем – это чистейший бритпоп.
Коллектив сформировался в 1999 года и назывался тогда Ed Rooney. Почему – не знаю, человека с фамилией Руни там никогда не было, а фронтменом был и остаётся Роберт Шварцман, который на европейской версии обложки гордо идёт с переделанным флагом Калифорнии, отсылающим на их дебютник. Оригинальная же обложка, которую я прикрепляю к посту, является отсылкой то ли на The Doors, то ли на The Beatles, поэтому айдентика прослеживается легко. В 2004 году группой заинтересовался фронтмен The Cars Рик Окасек, и помог парням с выпуском первого альбома. Успех нельзя было назвать оглушительным, но своих фанатов Rooney нашли. Второй альбом, как раз Calling the World, мне кажется намного сильнее. Лид сингл Where Did Your Heart Go Missing? отсюда стал большим хитом, появлялся в сериалах Beauty and the Geek и "Сплетница". Как я уже упоминал выше, намного больше внимания релиз привлёк именно в Британии, однако ни в одной, ни в другой стране пластинка не получила даже золотой сертификации. Мне сложно объяснить за что я люблю этот альбом. Это просто 14 очень классно написанных песен, которые представляют из себя достаточно лёгкий, но при этом очень цепляющий рок. Та самая Where Did Your Heart Go Missing? у меня стоит открывающей в личном плейлисте с бритпопом (не бейте), и оттого ещё удивтельнее, как так вышло, что я до сих пор не сделал ни одного поста про Rooney. Теперь сделал, аж легче стало.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Black Stone Cherry – Black Stone Cherry (2006)
#hard_rock #southern_rock #post_grunge
Недавно появилось желание послушать что-то, похожее на новый альбом Crobot – южное, хард-роковое и слегка хеви-метальное. И спасибо моему дорогому другу, что разблокировал мне воспоминание о Black Stone Cherry, которые буквально всё это в себе сочетают. Да, иногда их тянет в более попсовый пост-гранж, но в остальном это отличные представители современного рока/метала. Хотя не такие уж они современные, коллектив был основан в 2001 году, в Кентукки, сыном ритм-гитариста другой группы, The Kentucky Headhunters. Отец позволял сынишке репетировать в студии его группы, которую тот использовал ещё с конца 60-х. Как раз благодаря такой благотворной среде, Black Stone Cherry не спешили с записью материала и занимались в основном репетициями, на которые ушло долгих 3 года. Только в 2003 они выпустили свой первый CD под названием Rock N' Roll Tape, но он был издан лишь в физическом варианте и ограниченным тиражом. Благодаря большому количеству концертов, гигов и фестивалей, группа стала известна в родном штате, и как раз пришло время для создания полноценного дебютника.
Одноимённый альбом записывался в той же студии, которую я упоминаю выше, парни назвали её Black Stone Cherry Records. В качестве лейбла выбор пал на Roadrunner. Не знаю, помогли связи отца фронтмена или лейблу действительно зашёл музон Black Stone Cherry. Фурора релиз не произвёл, однако через 2 года после выпуска, по данным General Press Release, было продано 110 тысяч копий. Критики отзывались сдержанно, ставили оценки чуть выше среднего. В основу сонграйтинга лёг чистейший южный рок, сразу видны корни Кентукки. На всё это наложен перегруз, который делает из южного рока хард, а местами вполне себе хеви-метал. Однако из-за попсовых мотивов это больше похоже на тот метал, что выдают Creed или Silverchair. Но эта попсовость сыграла группе только на руку, всё же на дворе была середина 00-х, настоящий хард-рок был давно в прошлом, а группы думали только о том как бы попасть на MTV. Black Stone Cherry это удалось, и их песню Lonely Train взяли в саундтрек к рэстлерскому шоу The Great American Bash. Но мне кажется, что такая музыка чудесно вписалась бы в саундтрек к FlatOut 2 или какой-нибудь игре про Тони Хоука. "Black Stone Cherry" до сих пор остаётся самым успешным альбомом группы, несмотря на то, что музыку они всё ещё пишут. Советую сегодняшнюю запись всем любителям драйвового рока 00-х, остальные релизы слушайте только если этот прям очень понравится. А ещё на альбоме есть песня Shapes of Things – это кавер на The Yardbirds, дань уважения классике рок-музыки.
Слушать на доступных площадках
🇰🇷 AOA – Short Hair (2014) / Like a Cat (2014)
#kpop #dance_pop #rnb
И снова кейпоп, и снова две EP вместо полноценного альбома. Причина такая же, как и всегда: за целых 7 лет существования группа выпустила только один лонгплей, который вы всё равно не сможете послушать, так как его нет на стримингах. Поэтому лучшим вариантом знакомства с АОА я считаю прослушивание EP и синглов, а в особенности тех, что вышли до 2018 года. Я ставлю такую границу потому что именно старые песни AOA являют собой почти эталонный пример танцевального попа, вдохновлённого клубной музыкой США 00-х, что означает, что наши сегодняшние гостьи исполняют кейпоп именно второго поколения, хотя тогда уже зарождалось третье. И несмотря на то, что в те времена музыкальный вектор кейпопа начинал меняться, а в том же 2013 году уже появились BTS, которые перевернули игру, АОА до последнего держались за дэнс-поп корни, которые в своё время посадили f(x) и 2NE1.
Теперь немного истории. AOA расшифровывается как Ace of Angels, они дебютировали в 2012 году через FNC Entertainment. За первые два года группа ничего не смогла предложить слушателям, кроме пары треков, и то те треки были слиты в сеть до официального релиза. Тогда FNC пошли на отчаянные меры и решили брать сексом. В 2014 выходит самая известная и успешная песня АОА под названием "миниюбка", и с ней девочки одерживают победу на телепрограмме Inkigayo, а клип на данную композицию становится одним из самых просматриваемых в мире на тот месяц. Продюсеры поняли, чего хочет аудитория, и стали лепить из AOA каких-то проституток. Ну вы просто посмотрите ещё раз на обложки, которые я прикрепил, и, думаю, у вас не останется вопросов. Также группа активно работала на японский рынок, почти у половины треков есть версия на японском языке. Ещё АОА стали послами доброй воли на Олимпийских играх в 2018 году.
Однако после взлётов неизбежно следуют падения. Из группы одна за другой стали уходить девушки, оставшиеся участницы участвовали в шоу Queendom, но вылетели. В 2020 вообще вскрылось, что девушки в группе друг друга абьюзили, а одну чуть не довели до суицида. Собственно, с тех пор АОА существуют только на бумаге. Но музыкальное наследие девушки всё же оставили: во время их прайм эры у АОА вышло несколько очень неплохих EP, на которых вы можете услышать неплохую пародию на западный дэнс-поп. Даже слышны элементы диско, но лишь как часть R&B музыки. Местами складывается стойкое ощущение, что АОА продюсировал какой-нибудь условный Тимбаланд. Увы, группа не смогла адаптироваться под современные музыкальные реалии, а выезжать на миниюбках и сексуальных позах в клипах долго не получится, так что конец АОА был предрешен ещё давно.
Слушать Short Hair на доступных площадках
Слушать Like a Cat на доступных площадках
🇺🇸 RX Bandits – ...And the Battle Begun (2006)
#progressive_rock #math_rock #ska
Однажды мы с вами уже говорили про прогрессив-эмо. А как насчёт прогрессив-поп-панка? По крайней мере именно с такой формулировкой когда-то давно мой друг посоветовал мне RX Bandits, скинув клип на песню Hope Is A Butterfly, No Net Its Captor (The Virus Of Silence). Мне такая музыка показалась совсем не панковой, и достаточно перегруженной, напомнив ранние прог-альбомы Muse. Однако, спустя годы, я вспомнил об RX Bandits, и дал группе второй шанс, послушав их лучшую работу ...And The Battle Begun. Вот тогда-то я понял всю крутость происходящего, а заодно выяснил, что корни у группы растут не из поп-панка, а из ска-панка. Всё началось ещё в 1995 году, когда в Калифорнии образовалась группа The Pharmaceutical Bandits, и они были типичными представителями ска-ревайвал, вместе с Sublime и теми же The Mighty Mighty Bosstones, про которых я неоднократно рассказывал. Под старым названием у Бандитов вышел только один альбом, который успеха не снискал. Зато вот второй альбом, Halfway Between Here and There, выпущенный уже от имени RX Bandits, сделал парней знаменитыми, а свою узнаваемость они подкрепили турами с Bloodhound Gang, Goldfinger и даже New Found Glory. Именно в тот момент их подписали к себе Drive-Thru Records, на которых парни релизнули ещё два альбома: Progress (2001) и The Resignation (2003). Это достаточно типичный ска-панк, где если и встречаются элементы прога, то скорее как баг, а не фича. Хотя даже там слышно, что музыкантам нравится создавать что-то нетревиальное.
Всё изменилось в 2006 году, когда группу взял к себе лейбл MDB Records. Именно на нём выходит альбом, окончательно положивший конец ска-эпохе RX Bandits, и открывший миру новую прог-рок группу. Теперь уже можно смело сказать, что как раз ска-элементы тут баг, а не фича, ведь коллектив с головой окунулся в концептуализм, мат-рок и эксперименты. ...And the Battle Begun – первый альбом, вышедший на MDB Records. Название отсылает к стихам Джорджа Байрона, и в целом альбом не лишён смысловой составляющей: тут критикуется капитализм и говорится о поиске смысла жизни. Обложка – аллюзия на богиню Кали из индуизма, но глубинного смысла в таком выборе я не вижу, не нашёл никаких конкретных параллелей. Однако в будущем группа ещё не раз будет обращаться к мифологии: их следующий альбом будет называться Mandala, а последний на данный момент – Gemini, Her Majesty. Но начать своё знакомство с артистами я советую с ...And the Battle Begun. Это действительно удивительный альбом на грани замудрёного прогрессив-рока и ска-панка, где вы услышите крышесносные мат-рок риффы вперемешку с духовыми инструментами. Если вам больше понравится прог-составляющая, слушайте поздние альбомы, а если ска – то ранние.
Слушать на доступных площадках
🇧🇷 Mateus Asato – ASATO (2026)
#jazz_fusion #blues_rock #soft_rock
Это. Разочарование. Года. Я в полном шоке от того, насколько провальным оказался первый сольник Матеуса Асато. Я ждал его три года и возлагал на пластинку огромные надежды, а получил... Я даже не знаю какими словами это описать. Бэкграунд саундскейп? Самый скучный на свете гитарный... рок? Джаз? Блюз? Я чёрт его знает, честно. Поймите, в музыке "для фона" нет ничего плохого, я вот вам про музыку из лифта Кори Вонга рассказывал и про целый жанр лаунджа задвигал. Но тут трагедия заключается в том, что вообще-то Матеус – потрясающий гитарист, один из лучших в своём деле. Давайте я, наверное, дам немного контекста. Матеус Асато наполовину японец, но родился в Бразилии. С детства любил гитару, начал записывать простенькие композиции и каверы, которые постил в инстаграме, набирая популярность. В 2013 поступил в музыкальный институт Лос-Аджелеса, который без проблем закончил. Журнал Guitar Magazine назвал его одним из самых многообещающих гитаристов, Suhr Guitars сделали ему сигнатурку, а ещё у него есть несколько неплохих наград, он выиграл Duoble Visiom Guitar Contest и Outstanding Guitar Player в рамках музыкального института. Если вы думаете, что это всё пустой трёп, и парень просто инфоцыганит, то вы ошибаетесь. Сейчас он зарабатывает на том, что является концертным гитаристом у Тори Келли, Джесси Джей, Бруно Марса и очень много кого ещё. Ну и вишенка на торте: Джон Мейер назвал Асато одним из лучших современных музыкантов.
Чтобы играть на бэках у Бруно Марса много скила не надо, поэтому всю крутость Асато как гитариста можно заценить на его страничке в инстаграме или тиктоке. Как раз там я его и встретил, и влюбился мгновенно. Этот человек нашёл идеальный баланс звука между блюзом, джазом и рок-музыкой, он играет фингерстайлом, много импровизирует и выдаёт потрясающие техничные соляки, которые совсем не похожи на мат-метал дроч, которым славятся современные тикток-гитаристы. Но вот, когда дело дошло до сочинительства музыки, оказалось, что Асато абсолютно нечего предложить слушателю. Это настолько унылые композиции, что меня аж трясёт от осознания разницы между талантом этого человека как музыканта и бездарности как композитора. Помните на ютубе в 2011-м был популярен корейский мальчик, играющий на акустике всякие каверы? Вот Асато застрял на том же уровне. Он как будто поимпровизировал над простенькими мотивами в студии пару часов и выпустил это в виде альбома на 15 треков. И этого я ждал столько времени?? У меня нет слов. Мне было бы стыдно подобное выпускать в релиз. Даже трек с названием HENDRIX он умудрился запороть. Это просто позор. Извините, очень хотел выплеснуть эмоции.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Judas Priest – Turbo (1986)
#glam_rock #heavy_metal
Сегодня захотелось рассказать про самый противоречивый альбом Пристов, в котором ярче всего чувствуется попытка музыкантов влиться в мейнстрим. Причиной этому было развитие MTV, каждый артист хотел попасть на телевидение и залететь в общепризнанную ротацию. Посмотрев на колоссальный успех Mötley Crüe и Poison, Присты захотели урвать свой кусок пирога. Масла в огонь подливала Jump Ван Халена, в которой активно использовался синтезатор. И вот в конце 84-го гитаристы Гленн Типтон и К.К. Даунинг покупают гитарные синтезаторы Hamer A7 Phantom и Roland GR-700, с головой погружаясь в изучение их футуристических возможностей. Происходило это в Испании, когда группа взяла отпуск. Во время экспериментов Типтон наступил на педаль, издав ревущий звук. Хэлфорд услышал его и подметил, что он звучит как рёв турбо двигателя – так и родился рифф для Turbo Lover. Материала было написано очень много, планировалось сделать пластинку в двух частях под названием Twin Turbos, с отсылкой к модели Porsche 911 Turbo, но позже от лишних треков отказались.
Продюсеры, работавшие с группой, рассказывали, что Присты больше развлекались, чем работали, а Хэлфорд тогда вообще лёг в реабилитационную клинику из-за проблем с алкоголем и кокаином. В итоге сводили материал и дописывали детали уже в Лос-Анджелесе. Релиз состоялся в апреле 1986 на Columbia Records, и, несмотря на такое спорное звучание, Turbo оказался в целом коммерчески успешным. Но, несмотря на платиновый статус, музыканты были расстроены, потому что ожидали, что сейчас станут самой успешной группой в мире, а в реальности продажи едва дотягивали до прошлых релизов, зато вот фанаты оказались ужасно разочарованы. После Turbo группа уже не запишет ни одного платинового альбома... В данном вопросе я встану на сторону фанатов и признаю эксперимент неудачным. Turbo попросту скучный. Свою изюминку Judas Priest тут потеряли, а до уровня глэм-звёзд тех лет не дотягивали очень сильно. Сейчас принято хвалить Turbo за смелость, к тому же в 2017 он получил 30-летние переиздание, но по сравнению с другими работами Пристов (как предшествующих, так и последующих) этот альбом можно считать абсолютно проходным и не тратить на него время. Но это лишь моё мнение, может вам и зайдёт.
Слушать на доступных площадках
🇮🇪 U2 – The Unforgettable Fire (1984)
#art_rock #alternative_rock #post_punk #ambient
The Unforgettable Fire – один из моих самых любимых альбомов U2. На самом деле, любимых альбомов U2 у меня много, потому что я большой фанат группы в целом, но если вы ничего о них не знаете, и хотите начать погружение, то лично я всегда первым делом советую The Joshua Tree, про который уже писал, а потом The Unforgettable Fire. Совет исходит из того, что пластинки достаточно похожи. Сегодняшний альбом вышел на 3 года раньше Joshua Tree и является пробой пера в новом направлении. Новое оно по той причине, что ребята решили уйти от прямолинейного пост-панка в сторону чего-то более артистичного. И у них получилась чудесная работа как раз на границе арт-рока и пост-панка, с большим влиянием эмбиента. За это стоит сказать спасибо отцу эмбиента, Брайану Ино, который помог Эджу раскрыть себя не как гитариста, а как звукового инжинера. Именно на данном альбоме Эдж научился накладывать миллион слоёв реверба на гитары и создавать песни из одного аккорда, грамотно играясь с эффектами.
Что же побудило участников группы отойти от классической панковой формулы? Я бы сказал, что это как раз их... панковость. Они, как настоящие бунтари, не хотели делать то, чего все от них ждут, хотя критики уже называли U2 новыми The Who. Смена направления не была сюрпризом, Боно заранее предупреждал об этом фанатов, даже шутил, что они распадутся и соберутся как новая группа. Как Эдж переосмыслил написание музыки, так сам Боно переосмыслил свой подход к текстам, прочитав много литературы, и выбрал путь образов и недосказанности вместо чётких и понятных декламаций. Основным музыкальным референсом участники выбрали Talking Heads, с которыми у Брайана Ино уже был опыт работы. И по итогу у группы получился настоящий арт-рок. Экспериментально написанный, необычно звучащий, при этом сохранивший остросоциальность текстов и панковую подачу материала. Да, Боно всё также орёт в микрофон, а Ларри бьёт по барабанам как раньше, но атмосфера у всего этого стала намного более серьёзной, а местами волшебной. История показала, что The Joshua Tree, вышедший 3 годами позднее, получился всё же более качественным, и откровенных хитов там больше, но без Unforgettable Fire не было бы Joshua Tree, так что альбом всё же очень классный и точно заслуживает внимания.
P.S. мне тут доложили, что в ноябре у U2 новинка. Даже не верится. Не уверен, что найду в себе смелость послушать его на релизе, но очень интересно что там получится.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Zakk Wylde – Book of Shadows (1996) / Book of Shadows II (2016)
#southern_rock #folk_rock #soft_rock
Ну и на десерт я оставил, наверное, самый осенний альбом в своей жизни. Речь про вторую часть Book of Shadows Закка Уайлда. Это стопроцентное попадание, я узнал о его релизе осенью, впервые послушал осенью, на обложке замерзающее дерево, а открывающий трек буквально называется Autumn Changes. Но рассказ всё же начну с первой части. Идея для Book of Shadows родилась в 1995 году, во время работы Уайлда над Ozzmosis, обзор которого доступен по ссылке. После записи тяжёлого хеви-метала, уставший Закк ежедневно шёл в бар Brew's, где слушал Нила Янга, Боба Сигера и Eagles. Именно тогда он почувствовал непреодолимое желание поделиться с публикой чем-то личным и открыть свою душу. А душа у него действительно очень ранимая и чуткая: Уайлд пишет много музыки на фортепиано, часто поёт о любви и переживаниях, любит котиков и растит дочку. Почти все инструменты Закк записывал самостоятельно, а их тут не много, чаще всего это клавишные и акустическая гитара. Разумеется, временами врубается электруха, но лишь чтобы подчеркнуть какие-то особенно эмоциональные моменты. Творческий процесс проходил в Ocean Studios в Калифорнии, лейблом выступил Geffen Records, а позже был ещё перевыпуск от Spitfire Records c тремя бонус-треками. Отдельного внимания здесь заслуживает Throwin' It All Away, она посвящена памяти Шеннона Хуна, вокалиста группы Blind Melon, который трагически погиб в возрасте 28 лет. Поистине душераздирающий трек, соло-партию из которого Закк на концертах может растягивать до 10 минут, вкладывая в свою гитарную игру всю боль утраты.
Я уже не ждал никакого продолжения, ведь казалось, что Уайлд сказал всё, что хотел сказать. Но вот спустя целых 20 лет, как снег на голову, на нас падает Book of Shadows II. Сказать, что я был в шоке – ничего не сказать. Это ощущалось как настоящее чудо как ответ на мои внутренние мольбы, ведь я был и остаюсь большим поклонником творчества этого бородача. Запись длилась почти год и проходила в личной студии Закка The Black Vatican. Всего было накидано порядка 40 композиций, но в альбом вошло 15, включая Sleeping Dogs, на которой спел Кори Тейлор из Slipknot. Мужики дружат аж с 2001 года, и давно хотели поработать вместе. По качеству Book of Shadows II не только не уступает первой части, но и превосходит её. Шикарный, современный дорогой продакшн, идеальное качество записи, выверенный баланс между акустической и электрогитарой. Весь материал, опять же, придуман и записан самим Закком Уайлдом. А материал всё такой же душевный и трогательный. Соло-партия из Darkest Hour – это пиковый peace of art и вершина мастерства артиста. Я хорошо помню, как в ноябре 2016 вышел утром в институт, впервые включил Book of Shadows II и был так заворожён, что просто не мог идти дальше. Я присел на замерзшую скамейку ближайшей детской площадки, смотрел на серое осеннее небо и просто наслаждался каждым звуком, пока по телу пробегал холод, и одновременно разливалось тепло от чудесных песен Уайлда. Если не хотите слушать обе части, то зацените хотя бы вторую. Критики также сходятся во мнении, что она во всём лучше первой. А вам желаю хорошей осени, позже постараюсь написать и про зимние альбомы.
Слушать Book of Shadows на доступных площадках
Слушать Book of Shadows II на доступных площадках
🇬🇧 Coldplay – X&Y (2005)
#pop_rock #alternative_rock #post_britpop
Сюда, возможно, лучше подошёл бы дебютный альбом, однако у меня нет связки между ним и осенью. А X&Y, помимо того, что я его много слушал осенью 2017-го, ещё и содержит в себе более холодную атмосферу. Во многом это вызвано обилием электроники, которая всегда немного "холодит" рок-музыку, как раз как во вчерашнем примере. Здесь же Coldplay впервые обращаются к сэмплерам, синтам и драм-машине. В своём обзоре на Keane я ошибочно сказал, что на X&Y группа раскрыла свой фортепианный потенциал, но это было немного делулу. Parachutes (2000) и A Rush of Blood to the Head (2002) содержат, конечно, намного больше чистого фортепиано. Хотя этот инструмент всё равно является центром творчества Coldplay, как и почти любой пост-бритпоп группы. После успеха A Rush of Blood to the Head было решено немного сдвинуть музыкальные приоритеты в сторону стадионного звучания, и отойти от камерного. В качестве источников вдохновения на этом этапе послужили U2, New Order и Брайан Ино. Продакшн тоже стал более прилизанным, менее сырым и интимным, но у меня язык не повернётся назвать X&Y overproduced. Пластинке очень идёт выбранная айдентика, а умение Криса Мартина писать красивейшие треки никуда не делась.
Продюсировать альбом должен был Кен Нельсон, работавший с Coldplay и до этого, но почти всё, созданное в соавторстве с ним, в итоге забраковали. Поэтому продюсером считается Дантон Саппл, ранее являвшийся звукорежиссёром группы. Процесс записи был трудным и длился 16 месяцев, в течение которых парни до конца не могли понять над чем именно работают. Но итог точно того стоил. X&Y положил начало концертной деятельности Coldplay в том виде, какой мы знаем её сегодня. Лайвы Coldplay, наряду с Muse, считаются одними из самых ярких, громких и красивых в индустрии. В будущем лишь на Ghost Stories (2014) они вернутся в камерность, а на всех остальных альбомах будут делать песни с оглядкой на концерты. Музыкально тут всё вообще без нареканий. Фьюжн гитар с синтезаторами ощущается потрясающе, участники нашли идеальный баланс между этими звучаниями. Тут всё работает на усиление эмоций и чувств, которых на альбоме предостаточно. Несмотря на "космическое" звучание, тексты остались очень личными. Fix You до сих пор уничтожает моё сердце в клочья, и мне бы очень хотелось спеть её хором на стадионе, но Coldplay ни разу не были в России. Самой же осенней я бы назвал акустическую Til Kingdom Come. Она была написана для Джонни Кэша при содействии Рика Рубина, однако Джонни умер всего за неделю до даты записи. Иронично, что сама песня посвящена как раз ожиданию дорогого человека из мира "по ту сторону". А вообще, X&Y сыграл большую роль в формировании моей любви к Coldplay. Именно Speed of Sound и Fix You позволили мне открыть дверцу в раннее творчество коллектива, ведь раньше я слушал только A Head Full of Dreams (2015). Причём слушал так много, что написал на него аж два обзора: этот и этот.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Matt Pond PA – Emblems (2004)
#indie_rock #alternative_rock #chamber_pop #country
По аналогии с летними альбомами, решил я сделать серию и про осенние. Выкладываю именно сейчас, в самую середину сезона, потому что делать что-то осеннее в начале сентября, когда ещё листья зелёные и на улице жарко, я не вижу смысла. Зато сейчас самое то! И начну я с очень необычного поста. Точнее рассказ об артисте будет обычный, только вот написал я его 30 сентября 2024, а выпускаю лишь сейчас, спустя 2 года. Не знаю как так получилось, всё откладывал и откладывал, ждал чего-то. Но при мысли об осени вспомнил, как крепко у меня с ней ассоциируется Мэтт Понд. Про то почему я его полюбил, расскажу в другой раз, а сейчас держите текст, написанный очень давно, мальчиком, который слушал Matt Pond PA в то время, от силы, месяц. Ну и надеюсь вся серия вас тоже не разочарует!
Matt Pond PA, как и AWOLNATION, это группа одного человека, его так и зовут – Мэтью Понд, он является единственным постоянным участником коллектива. На данный момент, кстати, в группе вообще осталось всего два человека – сам Мэтт и Крис Хансен, который также играет на гитаре и поёт. Зато википедия насчитывает аж почти 30 бывших музыкантов, игравших когда то в проекте. Нужен ли там такой состав? Ну вообще нет, ведь музыка у коллектива очень камерная, да и сама группа достаточно локальная, их любят и ценят в родной Филадельфии, но не то что бы знают за пределами штата. Сейчас они уже базируются в Нью-Йорке, но среднестатистический слушатель скорее всего ничего о них не слышал. Как хорошо, что у вас есть я, который всё расскажет и покажет.
Мэтт Понд начал свою карьеру в конце 90-х и очень удачно вышел на корпорацию CDnow, которая активно пыталась популяризировать музыку через, как вы уже догадались, CD-диски. Тогда было не так важно что именно выпускать, поэтому Понд попал в эту волну CD-релизов и людям, которым достался диск с его музыкой, она сразу понравилась. Дальше Мэтт экспериментировал с жанрами, но не глубоко, оставаясь в рамках полуакустического инди и альтернативного рока с нотками симфонических инструментов. Я выбрал альбом Emblems, в основном, из-за обложки, увидел её в игре про угадывание музыки. Меня сразу зацепил этот милый олень и приятный околокантри мотив трека New Hampshire. Слушая Emblems, чувствуешь себя тем мужиком, который живёт в огромной смотровой вышке посреди леса-заповедника в Северной Америке. Тебе так одиноко, и одновременно уютно, а вокруг шикарная осенняя природа.
Слушать на доступных площадках
🇧🇷 Laurindo Almeida – Classical Current (1969)
#lounge #jazz #smooth_jazz
А вы задумывались о том, что вообще такое лаундж? Я упоминал этот жанр лишь однажды, в обзоре на For Lovers группы Lamp. Возможно кто-то мог подумать, что это такая лёгкая фоновая музыка для лифтов и чилл-зон, но на самом деле это целое джазовое направление. Появилось оно в США, в конце 1950-х, как ответ на агрессивный бибоп и пост-боп. Лаундж-музыканты взяли всё лучшее из свинга и латины, убрали яркие танцевальные ритмы, но оставили красивые оркестровые проигрыши. В качестве ведущих инструментов в лаундже обычно используются ксилофоны, органы и фортепиано. У этого жанра, на самом деле, больше общего с босса новой и сёрфом, чем с джазом в его классическом понимании. Почти все знаковые пластинки этого направления были выпущены в 60-х, а потом жанр потихоньку перетёк в чамбер-поп, который добавил к музыке вокал. Да, забыл упомянуть, что настоящий лаундж – исключительно инструментальный. Поэтому его и включали как фоновую музыку в отелях, ресторанах и залах ожидания, благодаря чему жанр и получил своё название. Сейчас лаундж несправедливо забыт, его место занял лоу-фай и прочая лёгкая электроника, которую может генерировать даже нейросеть. Я думаю, что ещё выложу тут какой-нибудь другой лаундж-альбомчик, но сегодня будем слушать бразильского композитора Лауриндо Альмейду.
Лауриндо родился в 1917-м, в штате Сан-Паулу, с самого детства учился классический испанской гитаре. Уже в 19 лет он играл в оркестре, который сопровождал круизные европейские лайнеры. В Париже он познакомился в другим классическим гитаристом, Джанго Рейнхардтом, который стал его вдохновением на всю жизнь. В 40-е Лауриндо узнаёт, что такое американский джаз, и начинает писать музыку, сочетающую в себе джаз и латинские мотивы. В итоге, шаг за шагом, Лауриндо становится одной из икон бразильской музыки в США. Он был номинирован на 16 Грэмми, 5 из которых заслуженно забрал, а умер в 77 лет от лейкемии, в Калифорнии. Архивы с его записями хранятся в государственном университете Нортриджа, а это более 1000 произведений, фрагменты из которых до сих пор учат в консерваториях по всему миру. Диджеи также с удовольствием сэмплируют его музыку, укрепляя имя Лауриндо Альмеды как одного из величайших композиторов современности. Слушать мы будем альбом Classical Current, выпущенный в 1969 году на Warner Bros. Это потрясающей красоты латинский джаз с испанской гитарой, трубой и виолончелями. Он немного грустный и мечтательный, и звучит как саундтрек к какому-то чёрно-белому фильму о любви. При всём моём желании послушать его фоном, у меня не получается отвлечься от того, с каким мастерством и страстью музыканты исполняют свои партии. Сlassical Current – бесспорно один из лучших лаундж-альбомов в истории человечества.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Explosions in the Sky – The Earth Is Not a Cold Dead Place (2003)
#post_rock
В постах про This Will Destroy You и M83 я использовал такое понятие как "кинематографичная музыка". Сегодня я хотел бы поговорить о том, насколько это вообще положительная характеристика, и дать вам послушать один из самых кинематографичных альбомов (не считая тех, что были написаны как саундтреки к фильмам). Для меня уровень кинематографичности в музыке определяется её способностью будоражить воображение, рисовать перед тобой какие-то картины и сцены, вызывать эмоции через образы. С одной стороны звучит круто, но с другой, как будто бы музыка – не лучший проводник для такого опыта. Чтобы вызвать эмоцию, необходимо с чего-то начать, создать вступление, развить его до катарсиса, и потом всё это красиво закончить. Отсюда можно сделать вывод, что жанры, которые лучше всего для этой цели подходят, это дроун, неоклассика и пост-рок. И вот как раз последнее мне среди прочих ближе всего. Однако, будем честны, нам не всегда хочется или можется сидеть и залипать на 40-минутные опусы, которые пытаются выдавить слезу или улыбку. Иногда, по дороге с работы домой в многолюдном метро, хочется просто потрясти головой под любимые риффы хард-рока или послушать простую поп-балладу о любви. Поэтому крайне советую слушать сегодняшний альбом только в подходящем настроении, иначе он вам покажется гиперскучным.
А послушать я вам предлагаю самый известный и по праву признанный лучшим релиз американской пост-рок группы Explosions in the Sky. Название The Earth Is Not a Cold Dead Place говорит само за себя. Пластинка пропитана чем-то светлым и добрым, это выражается в основном в ярких гитарах и мажорных мотивах. Хотя у меня пост-рок всё равно обычно вызывает какую-то грусть, иногда светлую, иногда нет. Трек Six Days at the Bottom of the Ocean был вдохновлён историей о гибели подводной лодки Курск, остальные композиции посвящены борьбе общества или отдельной личности с кризисами. И, по ужасному совпадению, незадолго перед выходом альбома произошёл теракт 11 сентября. Несмотря на то, что эти события никак не повлияли на музыкантов, очень многие слушатели нашли отдушину и спокойстве после этой трагедии как раз в музыке Explosions in the Sky, ведь Земля – и вправду не холодное и мёртвое место, что бы на ней ни происходило. На выходе релиз получил очень высокие (а для своего жанра вообще потрясающие) отзывы, журналы Paste, Kerrang! и Fact включили пластинку в списки величайших пост-рок альбомов, а некоторые композиции, что закономерно, попали в кинофильмы и телепередачи. Я долго боялся слушать The Earth Is Not a Cold Dead Place, ведь у меня есть собственное понимание хорошего пост-рока, однако после нескольких прослушиваний в разные периоды я остался доволен. Главное, как я говорил выше, найдите правильное место и время. Каждый трек тут длится около 10 минут, а проматывать не вариант, ведь тогда рухнет вся магия. Если у вас есть свободное время, и вы не боитесь испытывать эмоции, то сегодняшний альбом точно для вас.
Слушать на доступных площадках
Дорогие Дурковещатель и Оливердед передали мне эстафету – рассказать про 9 альбомов, которые сформировали мою личность. Я почитал посты коллег на ту же тему, и очень обрадовался, что многие не стали делать из этого просто топ-9 любимых, а рассказали именно про те релизы, которые оказались важны в определённый период жизни. Сегодня и я таким поделюсь, дав небольшие комментарии. На некоторые альбомы уже есть полноценные обзоры, они будут доступны по ссылке в названии. На некоторые ещё нет, но всё впереди!
Lana Del Rey – Unreleased
Помог перестать стесняться своих вкусов. Когда я был ещё школьником-рокером, именно этот сборник невышедших записей певицы открыл для меня мир поп-музыки, который я ранее категорически отрицал. До сих пор не знаю почему именно Лана ещё до борнтудаевской эпохи меня так зацепила, но имеем что имеем.
blink-182 – Buddha
Помог полюбить сырой и грязный звук. Даже когда я активно слушал панк, мне всё равно нравилось идеальное студийное звучание. Но услышав Будду, я окунулся в мир хаоса, где молодые ребята не попадают в ноты, а записывалось всё на самую дешёвую аппаратуру. И я впервые смог проникнуться такой атмосферой.
Daft Punk – Discovery
Помог открыть мир электронной музыки. Опять же, возвращаясь во времена своего рокерства, я считал, что электроника – это стереотипный клубняк из ночных клубов. Но работа с сэмплами на Дискавери меня покорила, и, поняв как устроена электроника, я познакомился с хаусом, электросвингом, нейрофанком и другими жанрами, которые теперь люблю.
Childish Gambino – Because the Internet
Показал, что написать сложный концептуальный музыкальный альбом можно не только в жанре прогрессив-рока. Я всегда очень любил классику прога 70-х, и считал, что вот там была настоящая глубина, а рэп – он про тёлок и тачки. Но то, сколько философии и идей вложил Гамбино в своё творение, вызывает уважение до сих пор. Если бы не он, я бы не открыл для себя Кендрика Ламара, МФ Дума и весь умный хип-хоп.
The Divine Comedy – Absent Friends
Показал, что симфоническая музыка может быть очень камерной и личной. Раньше я думал, что все вот эти помпезные оркестровки существуют только в классике или, на худой конец, неоклассике, и обходил подобное стороной. Но Нил Хэннон создал самый душераздирающий чамбер-поп альбом на свете, который открыл мне глаза на то, как хорошо оркестр может подчёркивать эмоции автора.
Elton John – Blue Moves
Показал, что рок-музыка и поп-музыка на фортепиано, может быть не мене захватывающей и красивой, чем гитарная. У меня есть целых 4 поста про Элтона Джона, однако о данном альбоме я пока не писал. А тем временем именно Blue Moves я услышал в свои рокерские годы, и понял, что пианино – это не какой-то фоновый инструмент из консерватории, и на нём можно писать целые шедевры.
The Devin Townsend Band – Accelerated Evolution
Показал, что метал – это не всегда долбёжка пауэр-аккордов. До знакомства с творчеством Таунсенда, весь метал в моей библиотеке состоял из хеви, треша и грува, то есть классический дроч риффов. Но, услышав фирменную стену звука Дэвина, которую он наслаивает, перемежая гитары и синты, я понял, что метал может быть обволакивающим, и под него не обязательно трясти башкой.
Modern Baseball – Sports
Показал, что у всех подростков на планете, на самом деле, одни и те же проблемы. И русские, и американцы одинаково переживают первую любовь, школьные будни, конфликты с родителями. Та честность и искренность, с которой Брендан Лукас всё это рассказывает, стёрло в моей голове барьер между нашими странами, поэтому зарубежное эмо отзывается в моём сердце не хуже отечественного.
Spanish Love Songs – Brave Faces Everyone
Показал, что у всех взрослых на планете, на самом деле, тоже одни и те же проблемы. Да, всё как в истории со Sports, но услышал я BFE когда мне было уже почти 30. И песни про то, сколько всего ожидает от тебя общество, а ты не можешь этому соответствовать, очень хорошо в меня попали. К тому же это была моя первая виниловая пластинка, её на новый год подарила девушка. Так что BFE повлиял на меня сразу в двух аспектах, положив старт коллекции.
🏴 CHVRCHES – Love is Dead (2018)
#synthpop #electropop #indie_pop
У меня в своё время было какое-то предвзятое мнение о группе CHVRCHES. Почему-то думал, что это унылый вичхаус для тамблер-гёрлз из 2010-х. Про тамблер я, в целом, оказался прав, а вот жанрово CHVRCHES, на самом деле, представляют из себя практически первоклассный синти-поп. По крайней мере именно таким я хочу видеть данный жанр в сегодняшние дни. Чтобы он не скатывался в ретровейв, но при этом и не был аккомпанементом для условной Тейлор Свифт. Так вот, CHVRCHES основал Мартин Доэрти, сессионный музыкант группы The Twilight Sad, вместе с одногруппником из института, Йеном Куком, и барабанщицей Blue Sky Archives, Лорен Мейберри, которая встала за микрофон. Доэрти с самого начала собирался вдохновляться эстетикой 80-х, однако в процессе записи первых же песен троица очень хорошо сработалась и нащупала практически уникальный стиль, который ощущается вполне современно. Несмотря на это, никто из музыкантов до конца не верил в серьёзность данного проекта, и группа даже не рассчитывала хоть когда-либо давать концерты. Однако первая же песня Lies порвала все чарты и попала в ротацию радиостанций. Такой оглушительный успех сподвиг Мартина, Йена всё-таки сесть за написание полноценного альбома.
Дебютник группы называется The Bones of What You Believe и мне он, если честно, не очень нравится. В целом всё раннее творчество CHVRCHES мне кажется немного перегруженным и немелодичным, хотя от критиков оно получало хорошие отзывы. Своим же любимым альбомом могу смело назвать Love is Dead – самый низкооцененный у слушателей во всей дискографии. Ругают его обычно за попсовость, но для меня это вообще не минус. Пластинку помогали записывать два ветерана индустрии: Мэтт Бернингер из The National и Дэйв Стюарт из Eurythmics. С сыном последнего, кстати, Лорен сейчас состоит в отношениях. Несмотря на то, что все участники родом из Шотландии, музыку они записывали в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Тот факт, что Love is Dead будет более попсовее, чем прошлые работы, никто не скрывал. В интервью для радио BBC Лорен признавалась, что они пытались сделать поп более ярким и агрессивным, потому что им хотелось отойти от старого стиля, а также оживить концерты. С последним у CHVRCHES точно всё в порядке, их лайвы представляют из себя очень яркие и красочные шоу, а наряды и макияж Лорен каждый раз заставляют моё сердце биться чаще. Вообще организацией визуала концертов у них занимается специальный человек, Луис Оливер, и он мастер своего дела. В итоге Love is Dead попал на 7 строчку UK Albums Chart и на 11 в Billboard 200, но по продажам получил только серебряную сертификацию. Несмотря на то, что на каждом альбоме CHVRCHES есть треки, которые меня трогают, на Love is Dead их всё-таки больше всего. Очень советую всем любителям мощной электронной поп-музыки.
Слушать на доступных площадках
