3300
Арт-канал историка искусства Анастасии Борминцевой @Mussoori. Пишу и рассказываю про искусство, коротко и понятно. Без рекламы 😘
Однажды Тернер попросил привязать себя на капитанском мостике корабля на 4 часа во время шторма, чтобы лучше передать стихию на полотне. Тернер мастерски владел техникой акварели и постоянно совершенствовал свое мастерство. Он любил изображать воду и солнце.
В начале карьеры публика и критики очень тепло встречали его работы. Его сравнивали с Рембрандтом. Король Франции подарил ему золотую табакерку. На родине его, сына цирюльника, хотели произвести в рыцари. Но королева Виктория отказала.
К концу жизни новаторские идеи Тернера стали слишком прогрессивными для его времени. Изображаемые предметы на его картинах практически полностью теряли узнаваемые очертания. На полотне не оставалось ничего, кроме эмоций. Это было слишком для его современников. Тернера попросту стали считать выжившим из ума. Значение творчества Тернера огромно. Он не только предтеча импрессионистов, но и в какой-то мере абстракционизма. Тернер стремился показывать настроение, движение воды, вырисовка деталей уходила на второй план.
Картина находится в галерее Тейт в Лондоне.
Один из немногих художников, который был признан современниками и получал за свои работы очень большие деньги. Несмотря на то, что Маковский большую часть жизни творил в России, его картины практически отсутствуют в наших музеях. На самом деле, все просто. Его картины стоили слишком дорого. Например, Маковский просил у Третьякова за свой "Боярский свадебный пир в XVII веке" 20 000 рублей. Третьякову это было не по карману, и "Пир" купил американский ювелир Шуман за 60 000.
Маковский начинал с передвижниками, которые фанатели от реализма и считали, что должны показывать несчастных крестьян. Маковский быстро отошел от этих идей. Его стали увлекать сочетания цветов, эмоциональность. Особенно его привлекали исторические костюмы Руси и исторические сюжеты. Передвижники сочли его предателем.
Маковский написал очень много боярыней. Это одна из их. Молодая женщина в роскошном наряде, расшитом жемчугом и камнями. В ее взгляде есть загадка, нежность. В пору написания этой картины Маковский был под влиянием романтизма.
Картина находится в частной коллекции, так что наслаждаемся ей на картинке 😁
Классик стиля рококо, Фрагонар обучался живописи у известнейших художников Франции – Буше, Ван Лоо, Шардена. Картины Фрагонара поражают прекрасно выписанными деталями, но главное в его творчестве – это настроение. Настроение рококо – легкость, ирония, эротика, наивность, страсть, веселье. На его картинах все красивы, наивно-беззаботны. Его героев всегда окутывает какая-то тайна, но не философски глубокая. Тайна любовных романов, страстных и мимолетных, совсем не серьезных 💕.
Картина «Качели» или «Счастливые случайности качелей» одна из самых знаменитых его работ. Написана по заказу одного высокопоставленного придворного. Герои картины – сам придворный и его любовница. Он попросил художника изобразить его в наиболее удачном месте для созерцания ножек его возлюбленной. По первоначальной задумке качели должен был раскачивать епископ, но Фрагонар на такое не осмелился. Кто знает, кто этот пожилой человек: слуга, садовник, муж героини. Одно точно известно, он не в курсе, что кто-то притаился в кустиках 😊 Амур приложил пальчик к губам в знак молчания. Это веселое свидание – тайна 💋 .
Рассмотреть эту картину вживую Вы можете в Собрании Уоллеса в Лондоне.
Картины Мунка невозможно забыть. Познакомившись с его творчеством даже поверхностно, Вы не сможете перепутать его работы с работами других художников. Вопреки критике современников, он всегда творил в собственном стиле. Поначалу критики совершенно не приняли его манеру и считали его работы незавершенными этюдами. Сегодня же Мунк один из самых дорогих художников-экспрессионистов.
Для картины «Мадонна» ему позировала Дагни Юль. Эта женщина покоряла и пленяла и мужчин, и женщин. Ее писали многие художники и со многими у нее были романы, несмотря на то, что у нее был муж. Их семья вела богемную жизнь, и муж тоже имел много любовниц и детей на стороне.
Мадонна Мунка совсем далека от классического образа Девы Марии. Мунк изобразил женщину в момент зачатия. Он считал, что это священный момент, в котором сосредоточены жизнь, смерть, прошлое настоящее и будущее.
Всего Мунк написал 5 версий этой картины. Две из них находятся в частных коллекциях. Другие Вы можете увидеть в Осло в Музее Мунка и в Национальном музее искусства, а также в Гамбурге, в Кунстхалле.
Самый дорогой художник-современник. Герхард Рихтер за свою долгую жизнь пробовал себя в разных стилях живописи. Рихтер внес полноценный вклад в развитие абстракционизма. Он создал серию картин «Серое», это монохромные плоские серые прямоугольники. Для Рихтера серый цвет – любимый. «Серый. Он не делает никаких заявлений; не пробуждает ни чувств, ни ассоциаций; он невидим и не невидим. Его неприметность дарит ему способность быть посредником, проявлять нечто, как фотография. Он может, как никакой другой цвет, сделать видимым «ничто». Для меня серый — единственный эквивалент беспристрастности, безоружности, беспечности, отсутствия формы».
Когда мы видим картины в стиле абстракционизма, невольно возникает вопрос, умеет ли это художник вообще рисовать. Про Герхарда Рихера так подумать нельзя. Ведь он один из наиболее значимых художников фотореализма. Его картины настолько реалистичны, что напоминают фотографии. Но при этом они всегда немного смазаны, присутствует дымка, создающая атмосферу, которую не может передать фотоаппарат. Одна из таких работ – портрет дочери художника Бетти. Картина выставляется в Музее Людвига в Кёльне.
До 5 февраля в Еврейском музее в Москве проходит выставка работ Герхарда Рихтера «Абстракция и образ». Поспешите!
Дорога Куинджи к славе и признанию это настоящая история о том, что никогда не нужно сдаваться и продолжать дело, к которому чувствуешь призвание. Куинджи родился в Мариуполе в семье бедного грека-сапожника, родители умерли рано, мальчика воспитывал дядя. Архип рос в бедности и с малых лет работал где придется: то пас гусей, то считал кирпичи на стройке. Когда его талант заметили, ему посоветовали ехать в Феодосию в ученики к Айвазовскому. Архип поехал, но в Феодосии ему было поручено толочь краски и красить забор. Затем он долго работал ретушером и хотел открыть свой салон фотографии, но не удалось.
В 24 года Куинджи все же отправился в Петербург, поступать в Академию художеств. Это ему удалось только с 3 попытки. После этого он получил звание художника и начал выставлять свои картины на выставках.
Куинджи при жизни получил признание не только в России, он получал премии на международных выставках, и французские и английские критики оставляли о нем лестные отзывы.
В 1880 году Куинджи его выставка стала сенсацией. Она состояла из 1 картины - «Лунная ночь на Днепре». Чтобы увидеть ее люди стояли в многометровой очереди, и многие посещали выставку не один раз. Эта картина поразила современников своими красками. Многие заглядывали за холст, чтобы проверить, нет ли там лампочки.
Увидеть картину «Лунная ночь на Днепре» Вы можете в Третьяковской галерее.
Франческо Хайес – итальянский художник середины 19 века. Хайес прожил долгую жизнь и написал очень много картин. Хотя точно установить количество его работ затруднительно, так как он почти никогда не подписывал свои работы и не ставил даты. Хайес писал в стиле романтизма, его привлекали сюжеты, в которых присутствуют сильные эмоции, если это касалось политики и истории, а его изображения женщин всегда очень чувственны. Даже изображая религиозных праведниц, Хайес придавал им, возможно, слишком много сексуальности 👄 , как например, на этой картине.
История Руфи это пример обретения единого Бога, принятия веры и отказа от язычества. Руфь вышла замуж за израильтянина и приняла его веру у себя на родине в Моаве. Через какое-то время ее муж и его отец умерли и свекровь Руфи захотела вернуться в Израиль. Руфь твердо решила последовать за ней и стать ей опорой вместо ушедших мужа и сына. Женщины поселились в городе Вифлееме. Вначале они питались колосьями, которые Руфь подбирала на сжатых полях. Поэтому живописцы изображают ее с колосьями пшеницы. В Вифлееме Руфь вышла замуж еще раз и родила сына Овида, в роду которого затем родится царь Давид, а спустя еще тысячу лет Иисус Христос.
Картина хранится в Городском собрании предметов искусства в Болонье.
Веронезе – один из наиболее значимых художников-венецианцев эпохи Возрождения. Из его прозвища мы можем понять, что родился он в Вероне, городе Ромео и Джульетты💋. Примечательно, что многие художники, творившие в Италии, вошли в историю искусства не под своими именами, а под прозвищами, указывающими место их рождения: Эль Греко, Караваджо, Венето, Веронезе и многие другие.
Карьера Веронезе уверенно шла вверх, один за другим на него сыпались значимые заказы по росписи. Именно он создал фрески во дворце Дожей в Венеции. Один раз он дал осечку, слишком увлекся при создании фрески на тему Тайной вечери и угодил на суд инквизиции. Протокол его допроса вы можете найти на просторах интернета.
Веронезе писал в основном евангельские и религиозные сюжеты.
На этой картине мы видим Святую Елену 👸, которой в начале 4 века было видение о том, что она должна найти Крест Господень. Елена организовала раскопки в Иерусалиме и, действительно, нашла Крест, 4 гвоздя, и табличку INRI, которую Понтий Пилат повесил на крест Иисуса. INRI - аббревиатура латинской фразы «Иисус Назарянин, Царь Иудейский». Картина хранится в Музеях Ватикана, но до 19 февраля 2017 года у Вас есть возможность увидеть ее в Третьяковской галерее на выставке «ROMA AETERNA. Шедевры Пинакотеки Ватикана».
Магритт один из наиболее известных сюрреалистов. Даже те из нас, кто совсем мало знаком с живописью, видели навсегда запоминающиеся образы, созданные этим художником.
Магритт начал свою карьеру художником плакатов и рекламы, по-нашему, дизайнером. Это отразилось на его уникальном стиле. После своей первой выставки Магритт с женой Жоржеттой уехал в Париж, где примкнул к кружку сюрреалистов и познакомился с основоположником этого направления – Андре Бретоном. Но Рене Магритт не принял один из основных принципов сюрреализма – психоанализ Фрейда. В отличии от образов Сальвадора Дали образы Магритта это всегда существующие предметы в своей обычной форме, но их сочетание удивляет и заставляет задуматься. В основе картин Магритта всегда лежит филосовско-поэтическая мысль.
Магритт всегда с удовольствием давал комментарии по поводу трактовки своих работ, однако не о картине «Влюбленные». Самая простая трактовка – «любовь слепа». Влюбленные не видят друг друга, себя, окружающих.
Еще существует трактовка, связанная со смертью матери художника 😢, которая утопилась в реке и когда ее достали, ее сорочка обмоталась вокруг головы. Предположим, что на головах наших влюбленных «смертная сорочка», которая означает, что все смертны. Получается, что они тянутся друг к другу в поцелуе, но на самом деле, у каждого своя жизнь, каждого ждет свой финал, и в масштабе вечности каждый сам по себе.
Темой творчества Васнецова стали русские былинные сюжеты. Все мы с детства знаем картины "Богатыри", "Алёнушка", "Витязь на распутье". Творчество Васнецова это сказки, грёзы полные русским духом. Герои его картин прекрасны, но всегда мы предчувствуем злую судьбу, их ждет что-то трагичное.
Картина "Снегурочка" написана под влиянием сказки Островского и оперы Римского-Корсакова. Девушка-красавица, дочь Мороза и Весны выходит из леса, готовая сделать шаг навстречу людям. Ей страшно, лес провожает ее страшными гримасами, кототрые мы видим в очертаниях деревьев. Не похоже, что огни деревни радостно встретят Снегурочку. Кажется, что она сейчас заплачет, но Снегурочка не может этого сделать. Ее зовет любовь, и ради нее она жертвует всем. Мы можем предугадать и финал - Снегурочка растает. Любовь для нее невозможна, но и оставаться в лесу она больше не может.
Васнецов входил в мамонтовский кружок, как и многие передвижники. Мамонтовский кружок существовал под покровительством мецената Саввы Мамонтова в его усадьбе Абрамцево. Серов, Васнецов, Репин, Врубель и другие художники жили вместе, творили, устраивали концерты, пробовали себя в гончарном искусстве, скульптуре, лепке. В усадьбе царило творчество, и их творчество было неразрывно связано с русской культурой.
Картину "Снегурочка" вы можете увидеть в Третьяковской галерее.
Выражение «кустодиевская красавица» прочно вошло в наш язык. Перед вами именно она. В своем творчестве Кустодиев воспевал русскую простонародную красоту. В его картинах заметно влияние лубочной живописи, традиционных росписей дымковской игрушки – всё до предела русское. Возможно, именно это спасло художника после революции. Он был любим советской властью и смог спокойно дожить несколько лет своей жизни уже будучи прикованным к инвалидному креслу из-за опухолей спинного мозга.
Вернёмся к нашей красавице. В ее образе мы видим и эротику, и любование, и злую иронию. Эта мягко-розовая, пышная купчиха не только идеал женщины. Кустодиев как раз предпочитал более хрупких дам, однако признавался, что «худые женщины на творчество не вдохновляют». Это символ России, счастливой, сытой и уютной, «безвкусной» с кричащими обоями, губками-вишенками👄, но такой тепло-приятной. Хочется залезть к не под пуховое одеяло, есть варенье и греться 😊
Для кого-то она всерьёз идеал женской красоты. Говорят, один митрополит признавался: «Видимо, диавол водил дерзкой рукой художника, когда он писал свою «Красавицу», ибо смутил он навек покой мой. Узрел я ее прелесть и ласковость и забыл посты и бдения. Иду в монастырь, где и буду замаливать грехи свои».
Вы тоже можете «узреть ласковость» красавицы в Третьяковской галерее.
Перед вами самый необычный натюрморт конца 16 века. Мы видим не традиционную картину по евангельскому или античному сюжету, где у всех героев на лице отражены глубокие чувства. Караваджо запечатлел мгновенную реакцию героя: на его лице отразилась боль от внезапного укуса. Именно этим значима эта картина в истории живописи.
В образе мальчика Караваджо изобразил своего друга Марио Миннити. Некоторые приписывают им отношения более близкие, чем просто дружба. Однако, вряд ли это так. Конечно, бросается в глаза излишняя женственность мальчика. Марио позировал Караваджо для нескольких работ, но только в этой женственность зашкаливает. Всему виной сюжет картины. Сцена укуса ящерицей восходит к мифу об укусе ядовитой саламандрой Аполлона. А как мы помним, Аполлон -самый красивый. Видимо, пытаясь придать мальчику неземную красоту, Караваджо нарисовал почти девочку 🎀
Караваджо самый темпераментный из художников, попросту хулиган. С молодых лет он пристрастился к кабакам и борделям. Практически каждую ночь он напивался и отчаянно дрался. Жизнь Караваджо полна невероятных событий: драки, гулянки, убийство, приговор, бегство, камера смертников, кровавая вендетта, исчезновение и помилование. Он был истинным страстным итальянцем, но об этом в следующих постах … 😉
Меж рассыпанных в мире привычных красот
Всякий выбор, мой друг, представляется спорным.
Но Лолá - драгоценность, где розовый с черным
В неожиданной прелести нам предстает
Так писал Бодлер о своей музе - испанской актрисе Лоле из Валенсии. Впрочем, ее красота довольно спорна. Некоторые даже искали непристойный смысл в строках про розово-черное.
Мане был поражен яркостью традиционного андалузского наряда и самой Лолы. На фоне малахольных богемных француженок и серости Парижа Лола, как и вся испанская труппа, произвела на Мане сильное впечатление.
Мане один из родоначальников импрессионизма. Он не вырисовывал детали, не стремился придать реалистичность изображению. Главное, передать впечатление – impression. Путь Мане и в творчестве, и в жизни был не легок. Его стремление стать художником абсолютно не разделял его отец. Он родился в аристократической семье. Шведский король Карл XIII был крёстным отцом матери Мане. Его избранница, Сюзанна Леенхоф, так же не устраивала его семью. Мане женился на ней только спустя год после смерти отца, когда их сыну было 12 лет. Хотя по слухам Сюзанна не пришлась ко двору, так как была любовницей его отца. Картины Мане подвергались суровой критике за "неправильные" композицию, перспективу, пропорции, светотень итд. Только в возрасте 46 лет его картины наконец стали покупать.
Картина «Лола из Валенсии» хранится в музее Орсе, в Париже.
Живопись Врубеля немного опередила своё время. В начале творчества критики не щадили художника, называя его картины ужасными, снимая их с выставок, как недостойные к показу. Но все-таки Врубель дожил до признания современниками и даже до лестных статей критиков, которые публично забирали свои негативные отзывы обратно. Яркие краски, размашистые мазки, причудливые формы, отсутствие четкого фона–Врубель предчувствовал импрессионизм.
Опережать время удел гениев, а гении, как известно, несколько не в себе. Сумасшествие не просто коснулось Врубеля, а в полной мере завладело им. Буйные припадки, мании величия и уничижения, потеря рассудка… Не раз Врубель разрывал всю свою одежду на мелкие полоски.
«Жемчужная раковина» - картина, написанная в недолгие периоды затишья болезни. Врубель пытался разгадать загадку цвета перламутра. Он создал множество эскизов, чтобы точь-в-точь передать переливы цвета. Когда он стал писать картину красками в раковину приплыли морские царевны и так и остались внутри нее. Некоторые называют их «жеманными» и не достойными такого прекрасного фона… Самому Врубелю они стали казаться слишком вульгарными, но не вульгарна ли сама раковина? Яркая, переливающаяся, подобна новогодней мишуре. И совсем не всегда внутри нее находится прекрасная жемчужина.
Увидеть эту картину Вы можете в Третьяковской галерее.
У Ван Гога есть несколько картин с изображением ирисов. В картине заметно влияние японских гравюр: четкие контуры, легкие, воздушные цвета, на картине присутствуют четко-прорисованные области и узоры, залитые краской без прорисовки.
Черты японского искусства прекрасно сочетаются с техникой импрессионизма: широкими мазками, которыми написана почва внизу картины.
Сам художник называл живопись громоотводом для своей болезни. С детства Ван Гог был впечатлительным нервным мальчиком, который неизменно тянулся к счастью и гармонии. В юношестве он хотел стать священником как его отец, работал волонтером-учителем, миссионером и искренне пытался изменить жизнь к лучшему. Однако, жизнь снова и снова сталкивала его с реальностью. Свое детство Ван Гог описывал как мрачное, холодное и пустое. Создать семью ему не удалось. Желание создать «Мастерскую Юга» —братство художников-единомышленников, работающих для будущих поколений, закончилось знаменитым отрезанным ухом и ссорой с Гогеном, после которой он и угодил в психушку.
Можно смело сказать, что Ван Гог был образцовым неудачником. Он тяжело переживал свои неудачи, это были настоящие нервные потрясения. Ситуацию ухудшало пристрастие к абсенту. Закономерный финал наступил в возрасте 37 лет. Ван Гог отправился рисовать на пленэр, где выстрелил себе в сердце. Неудачно. Пуля прошла ниже, и еще сутки художник страдал, истекая кровью.
Эти "Ирисы" вы можете увидеть в музее Гетти в Лос-Анджелесе.
Константин Маковский «Боярышня», 1880-е
Читать полностью…
Жан Оноре Фрагонар «Счастливые случайности качелей», 1767
Читать полностью…
Архип Куинджи «Лунная ночь на Днепре», 1880
Читать полностью…
Паоло Веронезе, «Видение Св. Елены», 1580
Читать полностью…
Микеланджело да Караваджо «Мальчик, укушенный ящерицей», 1596
Читать полностью…
М.А. Врубель «Жемчужная раковина», 1904
Читать полностью…
Винсент Ван Гог «Ирисы», 1889. Описание выше :)
Читать полностью…