218886
Красивое. По рекламе и делам: @LouisWWain Написать автору: @artseduBot Создатель: @kuleb Рассказываем историю живописи, картин и искусства Реклама через биржу: https://telega.in/c/artsedu
«Распятие»
Тинторетто, 1565
Скуола Сан-Рокко, Венеция
Пиковый этап творчества Тинторетто — роспись Скуола Гранде ди Сан-Рокко, здания братства святого Роха. Скуолы занимались благотворительностью, собирали средства на определённые нужды — что-то вроде нынешних волонтёрских центров.
В Венеции очень высокая влажность, поэтому там в оформлении зданий используют не фрески, а лакированные картины на холстах. Для скуолы Сан-Рокко Тинторетто написал 54 картины. Самая масштабная из них — «Распятие».
Огромное полотно (5,3×12,2 м) занимает всю торцевую стену зала Альберго. С двух боков на него падает свет из окон. И в течение дня с движением солнца фигуры освещаются под разными углами и будто движутся.
Персонажи разбиты на композиционные группы. Сподвижники Христа в отчаянии, зеваки наблюдают за казнью с мрачным удовлетворением, а палачи деловито исполняют свою жуткую работу. А распятый Иисус парит над всеми, словно обнимая мир — со всеми его грехами, страданиями и надеждами.
@artsedu | #разбор
В нашем мире, где религиозные образы теряют смысл, где наши обычаи становятся все более светскими, мы теряем чувство вечного. Я думаю, что это потеря, которая нанесла большой ущерб современному искусству. Живопись – это возвращение к истокам.
Антони Тапиес. «Чтение» (1998)
@ArtGallery | #цитата
«Рассвет»
Максфилд Пэрриш, 1922
Частная коллекция
В 1920-м Максфилд Пэрриш был востребованным иллюстратором. Он был завален заказами, но всё же принял ещё один. Заказчики были терпеливыми, и спустя 2 года, в 1922-м, художник приступил к работе.
Моделью для лежащей девушки стала Кейти Спенс, внучка политика Уильяма Брайана. Для фигуры девочки, стоящей над ней, позировала дочь художника Джейн.
В палитре Пэрриша было лишь 4 основных цвета: синий, фиолетовый, жёлтый и чёрный (почти типографская цветовая схема CMYK). Смешивая их, он добивался нужных оттенков.
Ещё одно ноу-хау Пэрриша — лакировка промежуточных слоёв. Лак придавал краске под ним желтоватый оттенок, а также скрывал мазки.
Работу анонимно (и дорого) купил тот самый Брайан. Политику, борющемуся за права бедных, не к лицу было бравировать такой покупкой.
Ну а копии «Рассвета», по словам современника, в 1925-м висели в каждой четвёртой гостиной США. Больше репродукций было только у работ Сезанна и Ван Гога.
@ArtGallery | #разбор
Я больше мужчина, чем женщина. Только потребность радовать и сострадание превращают меня в женщину. Я не мужчина, я не женщина, я — это я.
Марианна Верёвкина (Марианна фон Верёфкин). «Автопортрет» (1910)
@ArtGallery | #цитата
«Мальчик в голубом»
Томас Гейнсборо, 1770
Библиотека Хантингтона, Сан-Марино (США)
В оригинале картина Гейнсборо называется «Голубой мальчик» — из-за доминирующего цвета. Но чтобы избежать двусмысленности, по-русски его часто называют «Мальчиком в голубом».
Это портрет молодого Джонатана Баттелла. В то время в Британии была мода позировать в костюмах прошлого (XVII) века, как на портретах мэтров Рубенса и Ван Дейка.
Голубой атласный костюм и полная достоинства поза словно говорят об аристократизме. Но Баттелл был не дворянином, а сыном купца. Для либерала Гейнсборо благородство было связано не с происхождением, а с личностью человека.
Есть версия, что портрет был ответом президенту Королевской академии Джошуа Рейнольдсу. Тот утверждал, что на гармоничной картине свет и освещённые объекты должны передаваться тёплыми цветами, желтоватыми и красноватыми оттенками. А сине-зелёные тона нужно оставить для объектов в тени. «Голубой мальчик» бросает вызов этому постулату.
@ArtGallery | #разбор
Я как хирург в больнице. Все эти [этюды, эскизы, акварели], лежащие вокруг меня, — мои пациенты. И, прогуливаясь среди них, я замечаю наиболее нуждающихся во врачевании. Я выбираю какой-нибудь болезненно выглядящий экземпляр и говорю себе: «Подожди минутку, и я найду для тебя какое-нибудь снадобье». Некоторые нуждаются в большом количестве лекарств, а некоторым даже требуется тяжелая операция, чтобы прийти в себя. Посмотрите на вон тот, в углу. Я думаю, что он страдает от желтухи — но несомненно я найду для него лекарство.
Иохан Вейсенбрух. «Вид на берег моря с экипажем» (1891)
@ArtGallery | #цитата
«Орфей у гробницы Эвридики»
Гюстав Моро, 1890
Музей Гюстава Моро, Париж
Парижанин Гюстав Моро до самой смерти остался холостяком. Но женщин он всё же не сторонился. В 1859-м он познакомился с Аделаидой-Александрин Дюре. Художник называл Александрин своим единственным и лучшим другом.
Моро оплачивал жильё Дюре в нескольких кварталах от родительского дома, где жил сам. А мать художника упомянула девушку в своём завещании.
В 1890-м Александрин умерла. Так и не женившийся на ней Моро был раздавлен этой утратой. Он сжёг всю переписку с Дюре, сам спроектировал её надгробие на кладбище Монмартра. И в том же году написал сегодняшнюю картину.
Потеряв Эвридику во второй раз (и уже навсегда) безутешный Орфей дни и ночи тосковал у гробницы возлюбленной. Его горе (как и горе Моро) выражены в агрессивном, тёмном пейзаже, залитом мертвенным лунным светом. Синий хитон Орфея рифмуется с глубокой синевой ночного неба, словно сам певец теперь — лишь одна из печальных ночных теней.
@ArtGallery | #разбор
Цвет — моя каждодневная одержимость и мое мучение. До такой степени, что однажды, оказавшись у смертного одра женщины, которая была и остается очень дорогой для меня, я поймал себя на том, что присматриваюсь к ее вискам и автоматически анализирую сочетание красок, которые смерть наложила на ее неподвижное лицо.
Клод Моне. «Камилла на смертном одре» (1879)
@ArtGallery | #цитата
В 1870-м началась франко-прусская война. У Камиля Писарро было только гражданство Датского королевства, и он не мог вступить во французскую армию и защищать дом. Потому он с семьёй уехал в Англию.
В 1872-м, по возвращении, его ожидал жестокий удар. Из полутора тысяч картин, которые Писарро оставил в своей мастерской, уцелело всего около 40!
Остальные были уничтожены или повреждены. В их доме квартировали немецкие солдаты. Они использовали работы Писарро как коврики для ботинок.
Картина: «Пасмурный день на берегу Уазы близ Понтуаза» (1878). Музей д’Орсе, Париж.
@ArtGallery | #факт
Меня интересует искусство как средство прожить жизнь, а не как средство заработать на неё.
Роберт Генри. «Мальчик в зелёной кепке (Чико)» (1922)
@ArtGallery | #цитата
Присылайте свои работы сюда: @aiarts. ЛУЧШИЕ награждаются до 10 💎 TON!
Читать полностью…
Автор этой фрески «Наказание восставших Левитов» (1482) из Сикстинской капеллы —легендарный флорентиец Сандро Боттичелли. Когда в 1494 году во Флоренции к власти пришёл фанатик Джироламо Савонарола, художник принял его проповеди и стал его последователем.
По легенде, Боттичелли присутствовал на сожжении своих картин на так называемом «костре тщеславия», и даже сам бросил в огонь несколько работ. Каких именно — не уточняется
В целом история выглядит довольно спорной. Но после воцарения Савонаролы Сандро перестал писать обнажённое тело, а сюжеты его картин стали строго соответствовать догматам церкви.
@ArtGallery | #факт
«Муки творчества» (1892). Леонид Пастернак. Частная коллекция.
Примерно так выглядит наш автор, когда ищет тему для очередного поста😅
@ArtGallery
Автор этого этюда «Ранний снег. Полтава» (1892) из коллекции Донецкого художественного музея — русский пейзажист Георгий (Егор) Хруслов. С 1899-го он был хранителем Третьяковской галереи.
В 1913-м старообрядец Абрам Балашов в Третьяковке напал с ножом на картину Репина «Иван Грозный и сын его Иван». После повреждения картины Хруслов чувствовал свою вину — не уследил, мол, не справился с должностными обязанностями хранителя.
Георгий написал Репину письмо, где просил у него прощения. После этого 11-го февраля 1913-го он бросился под поезд и погиб.
@ArtGallery | #факт
В начале 1930-х на Юрия Пименова свалилось сразу несколько бед. Правительственное постановление закрыло его объединение «Изобригада» (как и вообще все самостоятельные творческие объединения). Самого художника всё больше упрекали в формализме и не давали работы в журналах. Ко всему прочему его ещё и собака бешеная покусала!
В итоге Пименов капитально сменил свой стиль и вектор. Отныне он стал писать в технике «реалистического импрессионизма». Именно в ней созданы его самые известные картины.
Старые же работы художник уничтожил. Даже некоторые из тех, которые хранились в музеях — он их забрал под обещание взамен предоставить новые, лучшие картины. Из-за такой радикальной переоценки творчества сейчас произведений Пименова 1920-х годов осталось мало.
Одна из переживших эту «чистку» — картина «Футбол» (1926). Галерея им. Догадина, Астрахань.
@ArtGallery | #факт
«Христос в пустыне»
Иван Крамской, 1872
Третьяковская галерея, Москва
Новозаветная история о сорокадневном посте Иисуса и его искушении дьяволом заинтересовала Крамского ещё во время обучения в Академии. По словам автора, картина писалась слезами и кровью. 10 лет набросков и эскизов, 10 лет поиска образа и композиции. Но результат того стоил!
На измождённом лице Христа видна работа мысли. Уйдя после крещения в пустыню, Спаситель вёл диалог с сатаной — и не поддался искушению, показав нам пример противления злу.
Некоторые критики ворчали, что на картине Крамского не хватает действия. Но оно есть — внутреннее, скрытое. Стиснутые (в молитве? в сосредоточении?) руки показывают, что этот нравственный выбор не был лёгким.
Ноги Христа изранены об острые камни. Вокруг — безжизненная пустошь, и мы знаем, что дальнейший путь приведёт Иисуса на Голгофу. Но над этим мертвенным монотонным пейзажем занимается заря нового дня. Свет побеждает тьму.
@ArtGallery | #разбор
Сердце подобно большинству инструментов: его нужно хорошенько протирать и почаще им пользоваться, чтобы оно блестело и хорошо работало.
Эдгар Дега. «Мадемуазель Дихо за пианино» (1872).
@ArtGallery | #цитата
«Аранжировка в сером и черном №1 (Мать художника)»
Джеймс Уистлер, 1871
Музей д’Орсе, Париж
Эту картину автор не считал портретом. Как и другим своим работам, Уистлер дал ей музыкальное название: аранжировка. Для него сюжет или модель не имели большого значения, важны были композиция и колористика.
Но публика нарекла полотно «Мать Уистлера». Действительно, позирует мать художника. В мягкой и «скучной» почти монохромной гамме Уистлер передал благородную старость, достоинство и силу. На контрастном белом паспарту висит гравюра Уистлера «Пристань «Черный лев» (1859) — видимая связь матери и сына.
В 1872-м художник представил работу Королевской академии искусств Британии. Картину раскритиковали за блёклые цвета и слабость сюжета — то есть именно за то, чего Уистлер старался добиться.
Во Франции картину приняли теплее. А в современном мире она стала одним из узнаваемых сюжетов: она «играла» в «Симпсонах» и «Мистере Бине», ей посвящали музыку Клод Дебюсси и Джон Леннон.
@ArtGallery | #разбор
Вкус жизни чувствуется сильнее в моменты, которые ты устраиваешь для себя: где ты, твоё любимое увлечение, и ничто не отвлекает.
Вдохновляйся на увлечения c Rich и историями известных гостей в проекте "Наполни жизнь вкусом" (12+), где мы собрали для тебя всё, что нужно для вдохновения наполнить жизнь вкусом.
О порочности Обри Бёрдслея слухи в английском обществе ходили постоянно. А графика талантливого денди лишь подкрепляла эти слухи. Художник публиковал множество эротических работ с анатомическими подробностями, которые мы из-за ограничений Telegram опубликовать не можем. Такая слава в итоге сыграла с Бёрдслеем злую шутку.
Правда, некоторые исследователи сходятся на том, что автор этой картины «Венера между богами» (1895) сам не был благословлён богиней любви. С малых лет Обри был болезненным мальчиком, и здоровье не позволяло ему стать любовником.
Но и знанием анатомии художник был обязан своему здоровью. Ещё в детстве из-за болезненности Бёрдслея в его доме настольными книгами были медицинские справочники с анатомическими иллюстрациями. И любознательный юноша досконально их изучал, а затем — применил знания в художественной практике.
@ArtGallery | #факт
«Омнибус II»
Андерс Цорн, 1892
Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон
У шведа Андерса Цорна большинство работ — светлые и жизнерадостные. Живые портреты первых лиц нескольких стран — королей, министров и президентов; пасторальные и естественные ню из шведской глубинки… И вдруг — такой пронзительно будничный социальный сюжет.
Сам художник считал написанную им сцену забавной. «Сюжет забавлял меня тем, что самые разные люди встречаются друг с другом во время поездки». В салоне омнибуса (общественной кареты на конной тяге — «маршрутки» XIX века) рядом сидят модистка, сонный рабочий… и сам художник с усами и в цилиндре.
Цорн множество раз прокатился в омнибусе с Монмартра, чтобы уловить атмосферу. Нам эта атмосфера знакома по вагону метро или трамвая в вечерний час пик. Все сидят, погружённые в себя, уставшие с работы. Невольно разделяют личное пространство с незнакомцами, чтобы через полчаса уже не помнить их лиц.
@ArtGallery | #разбор
Война [Первая мировая] дала мне уверенность в вере. Я стал осознавать банкротство теорий, теорий как интеллектуалов, так и художников. Искусство ради искусства и другие «серьезные» проблемы больше не вызывают у меня головной боли. Они кажутся мне настолько чушью, что меня интересуют так же мало, как и платоническая любовь.
Морис ле Вламинк. «Пейзаж с домом на холме» (1920)
@ArtGallery | #цитата
«Христос святого Иоанна Креста»
Сальвадор Дали, 1952
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго
Одну из самых знаменитых религиозных картин Сальвадор Дали написал по мотивам видений средневекового монаха. Иоанн Креста (Хуан де ла Крус) в XVI веке описал свои экстатические видения, где он видел распятого Христа сверху, будто бы глазами Отца. Рисунок монаха хранился в монастыре Воплощения в Авиле.
Как и у Иоанна, у Дали Христос становится мостом между небесами и миром людей. При этом художник принципиально отказался от изображения мук Спасителя, его ран и крови. Он сосредоточился на эстетике образа, старался показать метафизическую красоту Бога-Христа.
Картину в 1952-м купил шотландский музей за 8,2 тыс. фунтов (солидная сумма по тем временам). На родине покупкой были недовольны: многие шотландцы считали, что деньги можно было вложить в выставки местных художников. Но в 2006-м опрос показал, что работа Дали — любимая картина шотландцев.
@ArtGallery | #разбор