7749
Просто о сложном, интересно о скучном: рассказываем об искусстве как никто другой! © Реклама: https://arthive.com/ad/
Джорджия О'Киф. Орхидея. 1940. Бумага, пастель. 54.4×69.2 см. Художественный музей Принстонского университета
Читать полностью…
Василий Кандинский. Большие киевские ворота. Декорация к сюите М. Мусоргского «Картинки с выставки» для Театра Фридриха в Дессау. 1928. Университет театрального искусства, Кёльн
Читать полностью…
Вернемся к теме дверей?:)
Питер Брейгель Старший. Фрагмент картины «Фламандские пословицы». Пять пословиц зашифрованы на площадке, где столкнулись три человека и скот. Когда у кого-то настаёт чёрный период в жизни, говорят, что он «свалился с быка на ослиную задницу», а о том, кто «вешает на себя бремя» — что он преувеличивает свои неприятности. «Вытирать зад о дверь» означает относиться к кому-то или чему-либо пренебрежительно, «целовать дверное кольцо (дверную ручку)» — быть угодливым. А ещё тут «один нищий жалеет, что другой нищий встал у его двери» — боязнь конкуренции.
Расшифровка других фрагментов этой работы: https://arthive.com/ru/publications/4060
Другая знаменитая картина Брейгеля и необычное использование двери: https://arthive.com/ru/pieterbruegelelder/works/197812
Екатерина Бокало. Черешни. 2022. МДФ, масло. 42 х 30 см
Эта работа выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Эдвард Мунк. Кипарис в лунном свете. 1892. Холст, масло. 81 x 54 см. Частная коллекция (выставляется в Метрополитен-музее)
Мунк, возможно, видел картины Ван Гога с кипарисами на выставке в Париже.
Вильгельм Хаммерсхёй. Белые двери. Страндгед, 30. 1899. Холст, масло. 39.5×42.5 см. Частная коллекция
Что это за адрес? Рассказываем в описании к другой картине: https://arthive.com/ru/vilhelmhammershoi/works/556386
Туве Янссон. Натюрморт с фруктами и цветами на фоне открытой двери. 1945. Финская национальная галерея, Хельсинки
Да, это та самая Туве Янссон, создательница Муми-троллей. И она была художницей. В первую очередь — художницей: https://arthive.com/ru/publications/2373
⬆️В своем творчестве Рене Магритт не раз обращался к изображению окон и дверей, как и к другим обыденным объектам — предметам гардероба, фруктам или цветам. Такие вещи очаровывали художника, вечно ищущего правды и одновременно поэтической репрезентации реальности посредством искусства. За несколько лет до создания полотна «Победа» Магритт говорил о своей картине «Неожиданный ответ» как о произведении, которое решает «проблему двери» — то есть дает ответ на вопрос о восприятии простых предметов. Данная работа развивает этот образ, и вместо двери с проломом, открывающим перед нами темную бездну, мы видим дверь, перенесенную на берег и ставшую частью морского ландшафта.
К 1939 году, когда была создана «Победа», целью творчества Магритта стал поиск скрытой поэзии действительности, а также того, что он называл «избирательным сходством» — невидимых обывательскому глазу связей между объектами, благодаря которому его картины оказывают на нас ошеломляющий эффект. Такое же впечатление порой производит на нас сопоставление двух, на первый взгляд, бессвязных слов в стихотворении. Примером этого подхода, ниспровергающего визульные концепции зрителя, может служить такие известные маггритовские изображения, как запертое в клетке яйцо, стакан воды на зонтике или, в случае «Победы», сразу три объединенных образа: морской пейзаж, приоткрытая дверь и залетающее в нее облако.
Линия горизонта в человеческом сознании ассоциируется с чем-то загадочным и мистическом, и на картине «Победа» приоткрытая дверь становится для зрителя проводником к месту схода земли, моря и неба. Таким образом, простой объект превращается в мистический портал, уже не осязаемый, а материализованный из песка, воздуха и воды. То же самое можно сказать и об облаке, которое бесшумно, словно призрак, пролетает через дверной проем, приглашая зрителя войти в «зачарованную область». Именно оно становится «главным героем», ключевым элементом картины, располагающимся между двумя мирами и зовущим нас последовать в один из них. Облака были излюбленным мотивом художника, поскольку их природа полна таинственности, но в данной работе, как ни парадоксально, невесомая тучка кажется наименее загадочным элементом.
Существуют различные вариации «Победы», выполненные как в масле, так и в гуаши.
Текст подготовила Элина Багмет
⬆️Диего Джакометти позировал старшему брату Альберто больше 40 лет. Разница в возрасте у братьев - всего один год. Они вместе приехали в Париж, сняли смежные студии на Монпарнасе, тогда еще бедном квартале для голодных, мечтающих о славе художников. С вечера до 3-4 часов утра Альберто лепил скульптуры из глины, Диего просыпался рано и отливал в гипсе то, что успел за ночь сделать брат. Потом готовил арматуру для новых скульптур брата, позже делал отливки из бронзы и патинировал. Пока Альберто придумывает головоломные сюрреалистические скульптуры), которые совсем не продаются, Диего ищет заказчиков, чтобы прокормить себя и брата. Первые денежные заказы они выполняют вместе: торшеры и декоративные скульптурки для домов банкиров и буржуа.
Только в 50-х годах, когда ему самому уже 50, Диего начинает иногда работать один. В свободное время, когда не занят работами брата и когда не позирует для него. Диего не интересуют люди, он лепит животных. Франсуаза Франциски, подруга и автор книги о Диего Джакометти, рассказывала трогательные истории о том, что он подкармливал не только птиц, залетавших к нему во двор, но и мышей, которые шныряли по мастерской. У него жили две кошки и даже лиса. «После войны один из его друзей вернулся из Аушвица с лисицей. Он держал ее на цепи. «Как ты можешь так поступать: ты же сам был пленником», - сказал Диего и забрал ее. Он назвал лисицу мисс Роуз. А она нестерпимо воняла и рыла везде норы», - вспоминает Франсуаза Франциски.
По-настоящему Диего интересовали только животные и мебель. Он начал лить столы и стулья из бронзы и сажать на них крошечных сов, мышей, лягушек и оленей. По осям, ножкам и спинкам его мебели гуляют звери, вьют гнезда птицы. Мебель Диего становится невероятно популярной. Он не бывает разочарован или отчаян, его не охватывают панические приступы и ощущение никчемности, как это часто случается с Альберто. Если ему что-то не нравится, он просто начинает сначала.
Когда в 1982 году перед первым куратором музея Пабло Пикассо в Париже встала задача соединить каким-то образом классическую архитектуру особняка Сале и кубистические картины, которые должны были в нем расположиться, он первым делом вспомнил о Диего Джакометти. Диего получил заказ - создать предметы интерьера для музея, теплые и настоящие, которые смогли бы соединить несовместимое и примирить помещение с экспозицией. Через три года у музея Пикассо появились бронзовые скамейки, столы, стулья и невероятные светильники. Строгие геометричные формы в сочетании с живыми растительными и животными элементами. Диего закончил работу, но не успел увидеть свою мебель в открывшемся музее. Он умер раньше.
Альберто Джакометти писал Диего и лепил его бюсты всю жизнь. Начиная с первого импрессионистского портрета, на котором Диего всего 16 лет. И заканчивая последними, плоскими, до опасного истонченными бюстами. Джакометти лепит голову так, словно у нее есть только профиль, почти плоскую, словно барельеф без основания. Он находит в этом способе, в этой виртуозно-примитивной технике долгожданный собственный реализм. «Когда я смотрю на фигуру анфас, мне трудно представить ее сбоку и сзади. Когда же я смотрю на нее в профиль, я забываю, как она выглядит анфас. Таким образом, мне очень трудно увидеть объект в пространстве. Это значит что по своей сути западная или греко-римская скульптура, которая желает ваять голову такой, как она есть, является на самом деле абстрактной и сложной. А негритянская скульптура, с ее большой плоской головой демонстрирует правильный взгляд на мир», - говорил Джакометти в одном из интервью.
Его не интересуют особенности характера или нюансы настроения модели. Он любил повторять, что просто моделирует голову, не больше. Джакометти всего лишь закреплял присутствие человека в мире, делал бессмертным то, что по природе своей преходяще. Постоянно работая над портретами и бюстами близких (брата, жены), спасал их от исчезновения, от смерти.
Автор текста: Анна Сидельникова
Ольга Шацкая. Тандем цвета. 2022. Холст, масло. 80×80 см
Эта работа выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Жан-Мишель Баския. Шугар Рэй Робинсон. 1982. Холст, акрил, масляная пастель. 152,1 x 122,6 см
Вчера эта работа была продана на аукционе Christie's. Как думаете, за сколько?
⬇️
Утагава Куниёси. Феникс и омар. 1841
Читать полностью…
⬆️Художник Китагава Утамаро начинал карьеру с работы над иллюстрациями и гравюрами, изображающими актеров театра кабуки. Но его главной страстью было написание японских красавиц всех сословий. Наиболее часто он наведывался за поиском натуры в веселые кварталы, где ему охотно позировали обитательницы чайных домиков, куртизанки и гейши.
В 1780 году талант Утамаро отметил знаменитый издатель Дзюдзабуро Цутая, и с этого момента живописание японских девушек и женщин становится главной темой ксилографий мастера. В традиции укиё-э такие гравюры, посвященные главным образом портретам красивых японок, относили к жанру бидзинга («картины красавиц»).
Причем если большинство других мастеров предпочитали изображать своих героинь в полный рост, то Утамаро часто брался за погрудные композиции окуби-э («большие головы»). Это давало возможность сфокусироваться на филигранном изображении лица и прически, а также сосредоточиться на внутреннем мире и эмоциях моделей.
Благодаря этому художник фактически стал создателем жанра портрета в традиции гравюры укиё-э. Несмотря на то, что по внешним признакам его героини выглядели довольно обобщенно (высокие прически с декоративными шпильками, длинные грациозные шеи, хрупкие пальцы), ему удавалось ухватить суть их характера либо отразить сиюминутную эмоцию: грусть, игривость, мечтательность или веселье.
Еще одним нововведением Утамаро было то, что он изображал представительниц разных социальных слоев: знатных горожанок, продавщиц из маленьких лавочек и девушек из известных торговых династий. А ведь прежде гравюрам чаще всего отводилась роль своеобразных «рекламных листовок», на которых представали знаменитые гейши и популярные куртизанки.
Но и без участия последних на работах Китагавы Утамаро, конечно, не обошлось. Для гравюр укиё-э, посвященных куртизанкам самого высшего разряда, даже выделялся целый поджанр – тайу. Судя по фривольному наряду девушки на ксилографии «Гребень», оголяющему шею и грудь, и дорогим шелковым обоям на заднем фоне, в данном случае речь идет как раз об одной из них.
Специфика печатания гравюр с деревянных блоков была такова, что создание подобной работы требовало высочайшего мастерства от целой бригады: помимо непосредственно художника и издателя, были задействованы резчик и печатник. Для каждого цвета или оттенка вырезалась отдельная печатная форма, число которых достигало более трех десятков только лишь для одной гравюры.
А подобные изощрения, как отдельные волосинки в прическе или полупрозрачный черепаховый гребень и вовсе были вызовом как для резчика, так и для печатника, который наносил краску на готовые формы и вручную делал отпечатки на влажной бумаге. Без их труда не было бы и ослепительно красивых картин Утамаро.
Но и заслуги художника тоже нельзя преуменьшать: кажется, необходимо родиться в Японии и вырасти в Эдо, с видом на гору Фудзи, чтобы уметь видеть и изображать прекрасное таким малым количеством средств. Несколько плавных линий, десяток чистых тонов и готов портрет, который можно рассматривать часами, но все равно так и не найти ответ, в чем заключается гипнотизм красавиц Китагавы Утамаро.
Его фирменный почерк – изящные черты лица, маленькие аккуратные рты, вздернутые брови, тонкие шеи и длинные пальцы – со временем станут национальным идеалом красоты. «Художник извлек из сердцевины красок и света дивный образ японки и подарил его времени, подарил его нам, неведомым и далеким потомкам, движимым такой же, как и он, жаждой вечно живого, прекрасного», – так поэтично отзывался о творчестве мастера Утамаро востоковед Николай Федоренко.
Автор текста: Наталья Азаренко
Юрий Егоров (1926–2008, Одесса). Берег Малого Фонтана. 1984. Холст, масло. 66х78,5 см. Частная коллекция
Читать полностью…
Хризантемы Эгона Шиле: три акварели из собрания Альбертины и картина маслом из Музея Леопольда.
Эгон Шиле в Артхиве: https://arthive.com/ru/egonschiele
Лия Гомеш. Букет с орхидеями в стиле импрессионизм. 2022. Холст, масло. 120×60 см
Эта картина выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Амедео Модильяни. Жанна Эбютерн, сидящая перед дверью. 1919. Художественный музей Броуд, Лос-Анджелес
История любви в картинах. Амедео Модильяни и Жанна Эбютерн: https://arthive.com/ru/publications/4626
Анри Матисс. Натюрморт с апельсинами. 1913. Холст, масло. 94×83 см. Частная коллекция
Матисс в Артхиве: https://arthive.com/ru/henrimatisse
Винсент передает немного тепла и свечей тем, кому они сейчас особенно необходимы🙌
1. Натюрморт с тарелкой и луковицами. 1889. Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
2. Кресло Поля Гогена. 1888. Музей Винсента Ван Гога, Амстердам
3. Маргарита Гаше за фортепиано. 1890. Базельский художественный музей
Сегодня в рубрике #подышать_у_окна — пейзажи Винсента Ван Гога, написанные им в ноябре:
1. Красные виноградники в Арле. Монмажур. 1888. ГМИИ им. Пушкина, Москва
2. Воспоминание о саде в Эттене (Арльские дамы). 1888. Эрмитаж, Санкт-Петербург
3. Сад лечебницы для душевнобольных в Сен-Реми. 1889. Музей Фолькванг, Эссен
4. Дождь. 1889. Художественный музей Филадельфии
5. Осенний пейзаж с четырьмя деревьями. 1885. Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
6. Осенний пейзаж. 1885. Музей Фицуильяма, Кембридж
7. Оливковые деревья. 1889. Метрополитен-музей, Нью-Йорк
8. Оливковые деревья под жёлтым небом и ноябрьским солнцем. 1889. Институт искусств Миннеаполиса
9. Сеятель. 1888. Музей Ван Гога, Амстердам
Ван Гог в Артхиве: https://arthive.com/ru/vincentvangogh
Жан-Пьер Кассиньоль. Перед дверью. 1974. Холст, масло. 80.6×59.7 см. Частная коллекция
Другие работы Кассиньоля: https://arthive.com/ru/artists/68294
Ирина Ласкова. Осень. Из серии «4 сезона. 4 души». 2021
Эта работа выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Рене Магритт. Победа. 1939. Холст, масло. 72.5×53.5 см. Частная коллекция
⬇️
Альберто Джакометти. Бюст Диего. 1957. Бронза. Частная коллекция
⬇️
В принципе, недорого:) Мы в прошлом году составляли десятку самых дорогих работ Баскии — этот очаровательный спортсмен в нее не попадает: https://arthive.com/ru/publications/4668
Читать полностью…
Берта Вегманн (Bertha Wegmann, 1847–1926, Дания). Интерьер с женщиной за шитьем. 1891. Частная коллекция
Читать полностью…
Лия Гомеш. Птица Феникс. 2020. Холст, масло. 100×100 см
Эта работа выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Китагава Утамаро. Гребень. 1785
⬇️
Лия Гомеш. Когда захлестывают эмоции. 2022. Холст, масло. 60×80 см
Эта работа выставлена на продажу в Артхиве.
#купитькартину
Знаменитый «Портрет девушки» (ок. 1465 – 1470) – небольшая панель, тонкая и загадочная работа, признанная значительной вехой в истории фламандской портретной живописи. Вокруг этого шедевра переплелись легенды, предположения и домыслы. Очаровательную модель Петруса Кристуса иногда сравнивают с Моной Лизой. Её восхитительно двусмысленный взгляд – одновременно манящий и чопорный – очаровывает и придаёт картине шарм, перед которым трудно устоять.
Авторство портрета было установлено в 1825 году по оригинальной раме, ныне утерянной. Там же указывалось, что на панели изображена родственница «знаменитого Толбота»...
Подробнее о картине: https://arthive.com/ru/artists/291
И о списке 100 важнейших шедевров голландцев и фламандцев, в который она, конечно, вошла: https://arthive.com/ru/news/4291