13750
Путеводитель по миру искусства. Описание картин, интересные факты. Уютный уголок художественных гурманов. Администратор: @reemrev, @artemship
"Новая Ева"
Шандор Бортник, 1924
> Будапешт, Венгерская национальная галерея
Как и «Новый Адам», «Новая Ева» одинока. Художник не пишет их парного «портрета», а помещает отдельно друг от друга на два независимых холста, будто в разные вселенные, не давая соединиться. В этом отражаются серьезные перемены, принесенные XX веком: одиночество человека в современном мире, обезличивание его, разрушение архетипичных связей.
Строгому бесхитростному наряду героини мастер уделил больше внимания, чем трактовке ее образа: Ева лишена лица и похожа на стоящий рядом неподвижный, бездушный манекен. На нее указывают бесцветные деревянные фигуры, столь же безликие, как и она сама.
"Сцена в парижском кафе"
Анри Жерве, 1877
> Детройт, Детройтский институт искусств
Жорж Лакомб - французский художник и скульптор,представитель символизма,член группы «Наби» (французская художественная группа, основанная Полем Серюзье в 1888 году с целью "плодотворного развития символического синтетизма Поля Гогена")
На картине изображено одно из главных мест встречи художников, писателей и интеллектуалов Парижа XIX века-кафе. Здесь делились новостями, сплетнями, идеями, в то время как разливались напитки, раскуривались трубки и сигары. Художник изобразил групповой портрет своих друзей в одном из таких кафе. Себя он изобразил раскуривающим трубку в центре полотна.
"Северное сияние"
Фредерик Эдвин Чёрч, 1865
> Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства
При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию.
Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.
"Рождение Венеры"
Адольф Вильям Бугро, 1879
> Париж, д'Орсе
На картине изображено не само рождение, а перемещение Венеры в раковине из открытого моря в Пафос на Кипре. Раковина является типичным символом, сопровождающим изображения Венеры. Сюжет и композиция напоминают одноимённую картину Сандро Боттичелли, а также «Триумф Галатеи» Рафаэля.
Цветовая гамма в основном светлая, в диапазоне между белым и голубым — цветами, символизирующими чистоту и божественное происхождение. Художник сделал явный акцент на фигуре Венеры, оставив других персонажей в тени. Небо на картине пасмурно, оно предвещает грозу, что может быть как символом трудностей, ожидающих любовь, символизируемую Венерой, так и просто оптическим эффектом, объясняющим, почему большинство персонажей полотна изображены в тени.
"Белошвейки в парке"
Адольфо Гиард Ларраури, 1884-1885
Художник Адольфо Гиард родился в Бильбао в семье фотографа, выходца из Франции. В 18 лет он переехал в Париж и поступил в Академию Коларосси, где познакомился со многими известными художниками. Так, одним из его близких друзей стал Эдгар Дега, оказавший большое влияние на испанского живописца.
Картина «Белошвейки в парке» относится как раз к парижскому периоду, времени увлечения импрессионизмом. В Париже Гиард создал целую серию картин, персонажами которых стали швеи, работающие на открытом воздухе. Художнику удалось передать атмосферу кропотливого труда: головы даны в резком наклоне, взгляды сосредоточены на шитье.
Женские фигуры изображены у глади пруда, под густой тенью деревьев. Живописный язык Гиарда отличает узнаваемая цветовая палитра, в которой преобладают изумрудно-голубые оттенки.
"После дождя. Плёс"
Исаак Левитан, 1889
> Москва, Третьяковская галерея
«После дождя. Плёс» считается одной из лучших картин не только этого периода, но и вообще всего творчества Левитана. Она была написана во время второго пребывания Левитана в Плёсе. На ней изображён берег Волги в пасмурный, облачный день.
Только что прошёл дождь, ветрено, речная вода покрыта рябью. В центре картины изображены баржи и лодки, стоящие у берега, а слева на заднем плане – плывущий по Волге пароходик. Справа на заднем плане видны плёсские дома и церковь.
"Ладья Данте"
Эжен Делакруа, 1822
> Париж, Лувр
«Ладья Данте» – первая значительная картина, созданная французским художником Эженом Делакруа, и одна из работ, которые, как считается, знаменовали собой переход от неоклассицизма к романтизму.
Творческая интерпретация одного из самых интересных сюжетов мировой литературы, революционное толкование символов, откровенное заимствование приемов у мастеров Возрождения – все вместе сделало работу яркой, сочной и новаторской.
Через Стигийское болото лежит путь Данте и Вергилия. Гневные, осужденные на вечные муки в болоте, пытаются всеми силами проникнуть в лодку, вернуться в мир живых. Страдания грешных душ изображены в лучших традициях эмоционального барокко. Но фигуры главных героев скорее близки классическим канонам.
Нечеткость рисунка скорее "работает" на идею работы. Словно сами страсти и эмоциональный накал искажают пространство и делают очертания деталей работы нечеткими, размытыми. А яркие цвета делают картину еще более выразительной и атмосферной.
"Две женщины, бегущие по пляжу (Бег)"
Пабло Пикассо, 1922
> Париж, Музей Пикассо
После Первой Мировой войны, «наигравшись» с кубизмом, Пикассо возвращается к фигуративной живописи и обращается к неоклассическим приемам и сюжетам. В начале 20-х годов на его полотнах начинают появляться монументальные фигуры, которые Гертруда Стайн шутливо окрестила «большими женщинами».
Считается, что серьезное влияние на творчество Пикассо в этот период оказали события в его личной жизни. «Большие женщины» стали появляться на его картинах в то время, когда жена художника Ольга Хохлова была беременна его первым ребенком. Исследователи полагают, что внушительные женские тела были своеобразным воспеванием материнства и плодородия.
В 1924 российский театральный художник Шервашидзе выполнил копию картины Пикассо для оформления постановки Русского балета Дягилева «Голубой экспресс», увеличив картину почти в 30 раз. Она настолько впечатлила Пикассо, что он подписал ее своим именем.
"Танцовщица на проволоке"
Жан-Луи Форен, 1895
В ранних произведениях художника чувствуется сильное влияние Мане и Дега. Постепенно Жан-Луи Форен начал заниматься рисунком, работал над литографиями для юмористических журналов. Известность ему принесла публикация около 250 литографий под названием «Парижская комедия».
Основные темы творчества – городская жизнь и лицемерие судей. В последние годы жизни художник обратился к библейским сюжетам, создавал офорты и живописные полотна в манере подражания Рембрандту.
"Улица в Авила"
Диего Ривера, 1908.
> Мехико, Национальный музей
Пейзаж занимает в раннем творчестве Риверы особое место. Он родился и провел детские годы в наполненном солнечным светом городке Гуанахуато, живописном месте, дающем возможность почувствовать красоту очертаний горных склонов и любоваться яркими сочетаниями цвета небесного свода и черепичных крыш. В Мехико среди его преподавателей был выдающийся пейзажист Хосе Мария Веласко, под руководством которого студент Академии писал натурные этюды в парке Чапультепек.
Хорошо знал Ривера и пейзажные работы Мурильо (Доктора Атля). Позже, живя в 1907-1908 в Мадриде во время стипендиальной поездки, Ривера по совету наставника, Э.Чичарро, путешествовал по провинциям Испании и создал серию зарисовок. Холст из собрания музея представляет вид улицы испанского городка Авила с типичными домиками и фрагментом возведенной в Средние века крепостной стены.
Композицию отличают теплый колорит с преобладанием земляных красок, использование контрастных цветовых пятен.
"За лесом и озерами"
Отто Хессельбом, 1908
> Стокгольм, Национальный музей
Швед Отто Хессельбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты.
Хессельбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы.
Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен – на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли.
Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и вдохновения.
"Портрет Сергея Павловича Дягилева с няней"
Лев Бакст, 1905
> Санкт-Петербург, Русский музей
Портрет Дягилева работы Бакста считается одним из лучших изображений знаменитого антрепренера. Но дался он художнику непросто. «…Сегодня отвратительно позировал, ломался и так приставал, чтобы я сделал его красивее и тоньше, что я чуть не пустил в него кистями!», – жаловался на свою «модель» Бакст в письме к жене. Капризного Дягилева Бакст писал два года, что для него исключительный случай. Обычно над портретами он работал стремительно.
Бакст проявил себя тонким физиономистом. Дягилев в его исполнении импозантен, энергичен, самоуверен, артистичен, красив. Бросается в глаза седой клок волос, придающий всему облику дополнительный шарм и аристократизм. По всей вероятности, изначально Бакст не планировал писать Дягилева «на фоне няни». Возможно, ее фигура была добавлена в качестве уравновешивающего противовеса.
"Композиция VII"
Василий Кандинский, 1913
> Москва, Третьяковская галерея
"Композиция VII" является одним из центральных произведений первой половины 1910-х годов.
Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к "Композиции VII". Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года.
Большой размер произведения предполагает своеобразное "погружение" внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему в картине. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения.
Направление движения фиксируется цветовыми акцентами синего ("элемент покоя") и красного ("ощущение силы") цветов, а объединяющим и гармонизирующим началом является белый цвет, разработанный с множеством оттенков, на котором развивается все построение картины.
«Тайная вечеря»
Сальвадор Дали, 1955
> Вашингтон, Национальная галерея
Некоторые из критиков отвергали картину, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ. Споры усугублялись тем, что публика знала Дали как человека, склонного скорее к игре понятиями и эмоциями, чем к искреннему выражению своих убеждений.
Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Апостолы, склонив головы, стоят на коленях вокруг большого каменного стола; их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу.
Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения, и влияние Леонардо да Винчи. Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих.
"Бассейн в гареме"
Жан-Леон Жером, 1876
> Санкт-Петербург, Эрмитаж
На картине изображена турецкая баня в гареме. Сквозь маленькие щелочки в потолке проникает солнечный свет. Взоры двух женщин обращены к служке, подающей им кальяны. Одна из них сидит на разноцветном национальном ковре, другая полулежит на ступеньке хамама. На заднем плане возле бассейна виднеется еще несколько женских фигур.
Излюбленная Жеромом тема наготы женских тел противоречила мусульманским традициям. Художник с такой точностью изобразил все составляющие турецкой бани, что невольно возникает мысль, будто он видел это собственными глазами.
Но этого быть никак не могло, потому что гарем ревностно охранялся от посторонних взглядов, тем более европейских мужчин. Гарем был гордостью султана. Он постоянно пополнялся новыми наложницами со всех концов света. И даже при всём уважении к творчеству Жерома ему вряд ли позволили бы писать с натуры в женской бане. Неординарная фантазия художника в очередной раз воссоздала реальный мотив.
"Новый Адам"
Шандор Бортник, 1924
> Будапешт, Венгерская национальная галерея
Бортник – живописец и графический дизайнер. На его творчество повлияли кубисты, экспрессионисты и конструктивисты. В 1922 он отправился в Веймар, где изучал принципы Баухауса. По возвращении мастер основал школу последователей Баухауса, а потом стал директором Академии художеств Будапешта.
«Новый Адам» является парной картиной к «Новой Еве». Фигура помещена в футуристическое безлюдное пространство. Герой, тело которого составлено из геометрических фигур, изображен один в окружении теплых красок, посреди холодного мира. В отличие от своего ветхозаветного прототипа он не может им обладать.
Адам замкнут в тесном пространстве, ограниченном стеклянными перегородками. Окружающий его мир безлик и недружелюбен по отношению к человеку. Лицо персонажа условно, сам он – механическая кукла, которую можно завести ручкой шарманки, а желторозовые краски вокруг еще сильнее подчеркивают этот игрушечный образ в нарочито строгом костюме.
«Приготовление к экзамену»
Илья Репин, 1864
> Санкт-Петербург, Русский музей
Данная картина является зарисовкой из жизни. Полотно, относящееся к раннему периоду творчества Ильи Репина, изображает братьев его будущей жены Веры — Алексея и Александра Шевцовых. Первый тогда был гимназистом (судя по форменной фуражке, именно он посылает воздушный поцелуй девушке в окне). Потом он станет генерал-майором и женится на совершенно другой женщине. Второй брат, лежащий на кровати, — вольнослушатель архитектурного класса Академии художеств, но прославиться ему не доведется.
"Звездная ночь"
Эдвард Мунк, 1923-1924
> Осло, Музей Мунка
В этой поздней своей работе Мунк представил зимний вариант неба. Работа написана с крыльца дома художника. Зима накрыла город пушной шапкой. Автор дает лишь общее представление о "земной" части пейзажа. Его интересует небо, усыпанное крупными звездами, полное зеленоватых сполохов. Луна померкла на фоне ярких полярных звезд.
Звездный свет переходит в свет электрический, дополняя и преобразуя его, гармонично объединяясь. Работа наполнена уютом и задумчивостью, которая присуща всякому, кто увлечен звездным небом, видя в нем источник вдохновения и раздумий.
Несмотря на некоторую "смазанность" перспективы и упрощение объектов изображения, работа выполнена мастерской рукой, а умение обращаться с цветом и эмоциональная насыщенность картины выдают недюжинный талант.
"Автопортрет"
Игнасио Сулоага, 1908
> Москва, Пушкинский музей
Сулоага родился в семье известного чеканщика, ювелира и оружейника, а по линии матери был потомком двухсотлетней династии баскских художников. В юности Игнасио нарисовал несколько картин, посвященных родному городу Эйбару. Свое мастерство он совершенствовал в стенах музея Прадо, куда ходил, чтобы копировать работы Гойи, Веласкеса и Эль Греко.
Увлечение полотнами старых мастеров сильно повлияло на творческое становление Сулоаги: в его работах часто можно видеть отсылки к живописной манере этих художников. Мастер считал себя продолжателем традиций великих испанцев, прежде всего, Эль Греко. Именно благодаря деятельности и творчеству Сулоаги, заразившего своим интересом русского коллекционера Ивана Щукина, Эль Греко был заново открыт для художественной общественности.
"Трубочист"
Фирс Журавлев
Перепачканными сажей трубочистами часто пугали непослушных детей. Всегда молчаливые, они занимались какой-то «тайной» работой. Результата их труда никто не видел: ведь не полезут же заказчики проверять, как вычищены печные, каминные или вентиляционные трубы! Да и не каждый бы пролез: на работу трубочистом обычно брали людей худощавых, субтильных.
Родиной этой профессии считается Дания, а в Россию она пришла в 1721 году с появлением первого очага с дымоходом. При полицейских участках тогда ввели должность чистильщика печей, которого позже стали называть на европейский лад – трубочист. В странах Северной Европы до сих пор можно встретить представителей этой профессии.
Фирс Журавлев изобразил испачканного сажей и копотью трубочиста в практичной черной одежде. Обут рабочий в тапочки, которые можно было легко снять, чтобы лезть по трубам. За эту картину художник в 1874 году был удостоен почетного звания академика Императорской академии художеств.
"Отравленные газом"
Джон Сингер Сарджент, 1919
> Лондон, Ламбет
Полотно было заказано британским мемориальным комитетом. Тема полотна – газовая атака. Первый раз газ хлор был использован германскими войсками под Ипром. Последствия были чудовищны – более 6000 солдат и офицеров задохнулись в своих траншеях и убежищах, огромное количество людей ослепло и получило страшные повреждения слизистых оболочек и органов дыхания, сделавшие их инвалидами на всю оставшуюся жизнь.
На картине изображены солдаты, у которых из-за газовой атаки пострадали глаза. Они закрыты повязками и сильно обожжены хлором, поэтому видеть солдаты не могут. Выстроившись цепочкой и положив руку на плечо предшествующего, они медленно передвигаются к госпиталю, ведомые единственным помощником или санитаром. Вдали справа видна еще одна небольшая колонна солдат и офицеров, также ведомая санитаром. А вокруг прямо на земле лежит и сидит множество других пострадавших, очередь на осмотр врачом которых еще не пришла. На глазах у всех плотные повязки.
"Прерванный сон"
Франсуа Буше, 1750
> Нью-Йорк, Метрополитен-музей
Развитие искусства в эпоху рококо тесно связано с именем известного французского художника Франсуа Буше. Как ярчайший представитель и верный поклонник этого изящного стиля, в работе Буше отдавал предпочтение утонченным возвышенным аллегориям, нежным пейзажам, пасторальным и жанровым сценкам.
На опушке леса, в тени густых деревьев, прекрасную пастушку сморила полуденная дремота, однако, сон продлится недолго, к юной красавице уже подкрался юноша, решивший подшутить над девушкой, слегка пощекотав травинкой. На лужайке пасется стадо овец, а вдалеке можно различить окраину небольшого села.
Образы на картине традиционно приукрашены и идеализированы художником. Реалистичность в живописи эпохи рококо отходила на второй план, уступая место утрированной красоте и безупречному совершенству.
"Семейный портрет"
Якоб Йорданс, 1650-1652
> Санкт-Петербург, Эрмитаж
В центре картины изображена женщина в богатом платье, прислонившаяся к сидящему мужчине, который её приобнял. Женщина справа демонстрирует явное сходство с центральной фигурой и скорее всего обе женщины являются сёстрами.
В трактовке современных искусствоведов сюжет картины является аллегорическим изображением сцены помолвки или бракосочетания. В частности, на это указывают фигура Купидона со стрелой, направленной на грудь женщины, и цветы гвоздики слева на фоне — эти цветы с древних времён символизируют обручение. Венки из цветов традиционно являются знаком чистоты и целомудрия, попугай намекает на верность в браке.
"Шкаф"
Мария Искьердо, 1952
> Мехико, Музей национального искусства
Главное место в творчестве художницы занимают сюжеты и образы, укорененные в повседневности, народных празднествах и религиозности: семейные портреты, цирковые сцены, домашние алтари, незатейливые натюрморты, размещенные на фоне пейзажа.
Внутреннее пространство обычного шкафа, обрамленное полупрозрачными кружевными занавесками, предстает волшебным миром, где простые предметы обретают магическое значение.
Керамическая ваза становится мифическим «древом жизни», занимают свое место атрибуты традиционной праздничной обрядности – наполовину сгоревшие свечи в подсвечниках, апельсины с цветными бумажными флажками, ящик с ростками пшеницы и игрушечные фигурки, а сквозь небольшое квадратное окошко открывается вид на морское побережье.
"Рассвет"
Максфилд Пэрриш, 1922
«Рассвет» – одна из самых знаменитых работ американского художника. Картина написана масляными красками на деревянной доске в фирменной технике Пэрриша.
Секрет Максфилда Пэрриша заключался в поэтапной проработке картины, тщательных мазках и промежуточной лакировке работ. Так он создавал свой знаменитый бирюзовый цвет небес: смешивая кобальтовый синий и белую грунтовку, он покрывал их лаком, который под действием ультрафиолета давал нижнему слою краски желто-зеленый оттенок.
Этот почти нереальный оттенок небесно-синего назвали в честь художника – «Parrish Blue». Когда художник заканчивал очередную картину, на ее гладкой поверхности не было заметно ни одного мазка.
«Рассвет» стал самой дорогой картиной Пэрриша: в 2006 была продана на аукционе Christie’s за $7,6 млн. А приобрела картину Робин – жена актера Мэла Гибсона.
"Лунная ночь на Днепре"
Архип Куинджи, 1880
> Санкт-Петербург, Русский музей
В 1880 году в Санкт-Петербурге состоялась выставка одной картины – "Лунная ночь на Днепре". Произведение имело небывалый успех. Сияние лунного света было настолько фантастическим, что художника подозревали в использовании каких-то необычных японских красок, обвиняли в связях с нечистой силой или пытались отыскать с обратной стороны полотна спрятанные лампы.
Конечно, весь секрет заключался в умелом построении композиции и сочетании красок, которое создавало эффект сияния и иллюзию мерцающего света. Куинджи на самом деле много лет работал над созданием новых красочных пигментов и грунтовок.
Художник продал картину Великому князю Константину Константиновичу, который взял ее с собой в кругосветное путешествие. Под действием морского воздуха состав красок изменился, что привело к потемнению пейзажа.
О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное.
"Заросший пруд"
Василий Поленов, 1879
> Москва, Третьяковская галерея
Полотно не поражает нас буйством и разнообразием красок, будоражащих чувства. Наоборот, картина наполнена светом, покоем и умиротворением.
Перед нами обыкновенный пруд, затерянный в тени вековых деревьев. Таких уголков много на территории нашей страны. Это нечто близкое и родное для каждого русского человека. Поэтому картина Поленова так и притягивает, возле нее отдыхаешь душой.
Картина буквально утопает в зелени. Темно-зеленые кроны деревьев создают густую тень и дарят ощущение прохлады. Эта же зелень отражается в спокойной и неподвижной, словно зеркало, глади пруда.
"Окно на даче"
Марк Шагал, 1915
> Москва, Третьяковская галерея
Имя Шагала становится известным после выставки «1915 год» в Москве, где он показал 25 произведений из «Витебской серии». Этот год был знаменателен для судьбы художника.
В июле Белла Розенфельд стала женой Марка Шагала. Молодожены уезжают на дачу Розенфельдов в деревню Заольшье недалеко от родного Витебска. В это счастливое время была написана картина «Окно на даче».
Художник изображает себя и Беллу перед окном, за которым открывается вид на опушку березового леса. Откинутая занавеска как будто приглашает зрителя полюбоваться пейзажем.
Лица Шагала и Беллы, натюрморт у окна расположены так, словно они обрамляют этот пейзаж. Но именно два профиля привлекают взгляд в первую очередь; они расположены между пространством мира, открывающимся за окном, и пространством зрителя.
Художнику удается создать особое пространство двух любящих людей, где царят гармония и покой.
"Гротесковый портрет старухи (Безобразная герцогиня)"
Квентин Массейс, ок. 1513
> Лондон, Национальная галерея
Массейс – один из крупнейших представителей антверпенской школы живописи. С него обычно начинают историю нидерландского Возрождения. «Гротесковый портрет старухи» всегда привлекал внимание, по-разному интерпретировался. Долгое время картина воспринималась как сатира на старость. В пользу такой трактовки говорит цветок в руке «герцогини», традиционный символ бренности в европейской живописи.
Но возможно и другое объяснение появления этого произведения. Как установили медики, на нем изображена женщина, страдающая болезнью Педжета – редким недугом, характеризующимся аномалией строения костей. Если так, то работа – не карикатура, а раннее свидетельство заболевания, которое было изучено и описано сэром Джеймсом Педжетом лишь в 1877. Картина в данном случае оказывается одновременно и «монументом» (творением искусства), и «документом» (историческим свидетельством в той или иной области).
"Портрет Генриха VIII"
Ганс Гольбейн Младший, 1536-1537
> Мадрид, Музей Тиссен-Борнемисы
Благодаря творчеству замечательного художника мы можем представить себе облик одного из самых одиозных королей Англии. Генрих VIII хорошо известен по своим поступкам как человек, навсегда изменивший вероисповедание в Великобритании из-за своего желания создать династию. Для этого ему требовался сын – наследник престола. Эпопея с многочисленными женитьбами и казнями неугодных жен создали ему репутацию жестокого и непостоянного человека.
На портрете предстает мужчина средних лет с явно избыточным весом. По его внешнему виду можно понять, что когда-то этот рослый и сильный принц считался первым красавцем королевства, но образ жизни сказался на его облике. К тому же травма, полученная во время рыцарского турнира, каким-то образом негативно повлияла на его психику. Придворные говорили, что их короля словно подменили. Он стал нервным, подозрительным, настоящим тираном.