5804
@mohammadhaddadd ادمین
روز معلم بر تمام معلمین دلسوز موسیقی تبریک
🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼🎼
#روز_معلم
هنرمندان موسیقی عضوشوند👇
@kelideesol
کانال کلید سل(آموزش موسیقی)
@kelideesol
#تحقیقات_پروفسور_گری_مارکوس
#کانال_کلید_سل
یک معلم موسیقی خوب چه ویژگی هایی باید 🔴داشته باشد؟
🔶️چیزی که من می توانم به شما بگویم این است که موسیقیدان های بزرگ هیچ گاه معلم های خوبی نبوده اند. شما نیاز به کسی دارید که نحوه یادگیری شما را درک کند، به پروسه یادگیری تان اهمیت دهد، بر اشکالات کار شما واقف باشد و روش سازنده ای برای درست کردن این اشتباهات داشته باشد. نه اینکه تنها به شما نشان دهد که در صورت درست نواختن ساز چه صدایی خواهد داد.
🔴و در آخر اینکه آیا والدین می بایستی که فرزندانشان را مجبور به یادگیری موسیقی و ممارست و تمرین در آن کنند؟
🔶️به نظر من پدر و مادر خوب بودن درست به مانند یک مشاور راهنمای خوب بودن است. شما باید به افراد کمک کنید که در میان کارهایی که دوست دارند انجام دهند، علاقه شان را پیدا کنند. در صورتیکه آنها خیلی جوان باشند احتمالا نیاز به یک تلنگر و اشاره خواهند داشت در هر حال نیازی نیست که همه افراد موسیقی دان بشوند. یک معلم موسیقی خوب معمولا والدین را هم در امر یادگیری بچه ها دخالت داده و از آنها می خواهد که پشتیبان فرزندانشان باشند. آنها به والدین یاد می دهند که خیلی از بچه هایشان انتقاد نکرده و بیشتر مشوق آنها باشند، اما به نظرم در نهایت تصمیم گیری با خود بچه هاست.
پیشاپیش روز معلم ،بخصوص معلم های موسیقی مبارک
Читать полностью…
آموزش تخصصی موسیقی(کلید سل)👇
@kelideesol
چه سازی مناسب شخصیت من است؟؟
قسمت اول
فراگرفتن هنر نوازندگی با انتخاب نوع ساز آغاز می گردد و اگر این انتخاب در دوران کودکی اتفاق افتد، ساز از اولین خاطرات نوازنده می گردد و در پایان نیز، یادگار بجای مانده از نوازنده، ساز و اجراهای های اوست.
انتخاب نوع ساز، نخستین و در عین حال، مهمترین مسئله ایست که یک فرد دوستدار نوازندگی با آن روبرو می گردد چرا که بسیار اتفاق می افتد که پس از مدتی هنرجو احساس دلزدگی از انتخابی که کرده است،پیدا می کند و نوازندگی را رها می کند. زیرا در زمان انتخاب، او به علت نداشتن اطلاعات کافی نتوانسته انتخاب صحیحی در این زمینه انجام دهد.
بشر در طول تاریخ برای هر نوع سلیقه، تفکر، طبیعت و احساس خود، سازی را آفریده است و امروز ما می توانیم با آگاهی کامل، سازی را که جوابگوی احتیاجات مختلف موسیقیایی ما می باشد را انتخاب کنیم.
طی این مقاله (که سه قسمت است) سعی بر آن شده تا یک بررسی جامع، ازعواملی که می تواند باعث انتخاب هوشیارانه ساز توسط هنرجویان موسیقی شود صورت پذیرد.
پیشنهاد می شود اگر در مقطعی هستید که قصد یادگیری نوازندگی را دارید و در انتخاب میان دو یا چند ساز مردد هستید، جدولی تشکیل دهید و برای سازهای مختلف به مواردی که در این مقاله به عنوان معیارهای انتخاب ساز مطرح گشته، امتیاز مثبت ومنفی دهید، تا در انتها به این جمع بندی برسید که کدام ساز با توجه به مسائل مختلف برای شما امتیاز بیشتری می آورد.
1- در صورتی که اطلاعی از موسیقی ندارید، بهتر است قبل از انتخاب ساز در دوره های آموزشی " ارف" شرکت کنید و با گذراندن این کلاسهای نسبتا کوتاه مدت،که امروزه در اکثر آموزشگاه های موسیقی تدریس می گردد، یک آشنایی اولیه با موسیقی پیدا کنید تا یک پله در راه شناخت عمومی موسیقی و سازها جلوتر روید.
2- بطورکلی "سبکی" از موسیقی که می پسندید، خود عاملی است که تنوع انتخاب میان سازها را در شما محدودتر می کند و انتخاب ساز را آسان تر می نماید زیرا بعضی از سازها با توجه به امکانات و ساختارشان برای نواختن در یک سری از موسیقی ها مناسب ترند، مثل اینکه انتخاب گیتار الکتریک برای نواختن موسیقی کلاسیک ایرانی چندان مناسب به نظر نمی رسد.
3- هر یک از سازها دارای محدوده صوتی خاصی می باشند، این از مسائل شخصی هر فردی است که اولا، محدوده صوتی را می پسندد که گسترده و وسیع است یا دارای وسعت صوتی کوچکی است؛ برای مثال ترومپت دارای محدوده صوتی کوچکی است و ارگ بادی دارای بزرگترین محدوده صوتی در میان سازها می باشد.
نباید تصور کرد که عامل محدوده صوتی گسترده به تنهایی امتیازی بزرگ در انتخاب میان سازها محسوب می گردد، زیرا برای مثال بسیاری از نوازندگان سازهایی را انتخاب می کنند که این مشخصه را به صورت محدود دارند و برای این دسته از نوازندگان مشخصه های دیگری در موسیقی، مثل ریتم ارزش بیشتری می یابد، مانند نوازندگان دف و دیگر سازهای ضربی.
ثانیا، این گستره صوتی بزرگ یا کوچک، بیشتر شامل نت های زیر می گردد یا نت های بم؟ و شما بیشتر کدام محدوده را می پسندید؟ مثلا کنترباس دارای محدوده ای با نت های بم می باشد و پیکولو دارای محدوده ای با نت های زیر می باشد.
4- جنس صدا یا طنین صدای سازهای مختلف با یکدیگر متفاوت است، هنگامی که دو ساز متفاوت" یک نت" را می نوازند شنونده به سادگی متوجه تفاوت جنس صدای حاصله از این دو ساز، می گردد. مثلا اوبوا دارای طنینی تودماغی است و سنج دارای جنس صدایی فلزی دارد.
درعلم فیزیک طنین مسئله ای تعریف شده است که برای آگاهی از آن بایستی با این علم آشنایی داشته باشیم، اما به عنوان یک راهنمایی ساده برای اینکه متوجه شوید چه جنس صدایی را می پسندید به صدای نواختن سازهای متفاوت گوش دهید و البته بهتر است به آثار غیر تکنیکی که در آنها ساز، یک موسیقی ساده را اجرا می کند و حواس شنونده به دیگرمسائل منحرف نمی شود، گوش فرا دهید تا تفاوت جنس صداها را بخوبی متوجه شوید و از علاقه خود در این باره آگاهی یابید.
#سازشناسی
آموزش موسیقی قسمت4 پلی فونیک
دانشکده موسیقی(کتاب موسیقی،جزوه آموزشی)👇👇
@kelideesol
کانال کلید سل👇👇
@kelideesol
انتخاب تناليته
باوجوديكه طبيعت گامها با يكديگر مشابه و متحدالشكل ميباشد يعني هر تناليته بزرگ يا كوچكي داراي وضع خاصي است و به لحاظ رعایت فواصل میان نغمه های مربوط به خود ، باز ديده ميشود مثلا بتهوون كه تنالیته مي بمل را براي سمفوني قهرماني و تناليته فاي بزرگ را براي سمفوني چوپاني به كار برده است و به نظرم این امر اتفاقي نبوده است و آهنگساز عامدانه و آگاهانه تنالیته مورد نظرش را از میان رنگهای گوناگون انتخاب نموده است .البته میدانیم که برخی موارد چون محدودیت سازها و یا بحث سازهای انتقالی و ... در انتخاب تنالیته موثر بوده اما طبيعت است كه يك قانون مرموز و يا يك هيئت واقعي ، يك رنگ مخصوص براي هر تن موسیقی تعيين كرده است . درخصوص نت لاي 432 هرتز حتما چیزهایی شنیده اید كه برخي موسيقيدانان آن را اصيل دانسته و در اثر تجربه و شواهد مكشوفه شان ، كوك ساير نتها بر اساس نت پايه لاي 432 هرتز را باعث تغيير در انرژي حاصله از موسيقي ساخته شده دانسته اند . البته امروزه برخی از ریاضیات دور شده و جنبه سحر و جادو به این واقعیت فیزیکی داده اند و با ملعبه قراردادن آن به فروش آلبوم های ساخته شده برپایه کوک لا ۴۳۲ هرتز پرداخته اند . مانند واقعیت فیزیکی آب یونیزه که در آن مولکولهای آب در بهترین آرایش هندسی ممکن و تشکیل پیوندهای هیدروژنی مستقر می شوند و این واقعیت ، مبدل به ساخت دستگاههای تولید آب یونیزه با نسخه آب شفابخش ! شد . واقعیت فیزیک و فیزیولوژیک را رد یا کتمان نمی کنیم . البته ميدانيم كه اكنون لاي استاندارد ، لاي 440 هرتز در نظر گرفته شده است .
به آنچه در اينجا استناد كرديم ادعا نميكنیم كه تمام تن ها نميتوانند موارد استثنايي را ادا كنند و فقط احساسات معيني را تفسير و تعبير مينمايند ، ولي چيزيكه در اينجا اهميت دارد ، درجه پنجم يا دومينانت هر تناليته ميباشد كه براي توصيف و تعبير قابليت خاصي را داراست .
هركس برحسب طبيعت خودش ميتواند هيئت هر تني را در نظر مجسم كند و مشخص كردن آن هم كاملا امكان پذير است به طوريكه ما تصور مي كنيم . رنگ به تصوير كشيده از برخي گامهاي بزرگ و كوچك به قرار زير است :
فا ديز بزرگ : درشت و خشن
سي بزرگ : نيرومند و قوي
لاي بزرگ : آزاد و صدادار
فاي بزرگ : چوپاني و روستايي
لاي كوچك : ساده ، نحيف غمگين
دوي كوچك : تاريك ، دراماتيك
فاي كوچك : دلتنگ ، ضديد و ناهموار
و ....
و دراين اين درك ، آثار ساخته شده توسط بزرگان موسيقي و نحوه انتخاب تناليته مورد نظر ، براي ما خيلي مهم بوده است . چرا كه من معتقدم درك موسيقي بزرگاني چون بتهوون ، موتسارت ، باخ ، شوپن و... بسيار بسيار فراانساني بوده است .
اگر حصول يك چنين نتيجه اي از تنهاي مختلف كه به نظر عجيب مي آيد فقط در موسيقي كه براي اركستر نوشته ميشد صدق مي كرد بدون شك و ترديد ميتوانستيم دليل آن را سازبندي و تركيب بندي و حتي انگشت گذاري سازهاي مختلف بدانيم كه تنها در آنجا ديز و بمل مي گيرند ولي آنچه كه بيشتر جاي تعجب دارد ، مشاهداه همان مفهوم است كه در پيانو و ارگ و حتي كورال ظاهر مي شود .
و اين مبحث ، يكي ديگر از مباحثي است و خواهد بود كه ذهن حقير را به خود مشغول داشته است ، اگر خاطرتان باشد ، پيشتر مقاله اي راجع به چرايي اثر تناليته هاي ماژور و مينور داشتم كه عمده بحث در اين بود كه چرا يك تناليته ماژور اثر مفرح و يك تناليته مينور اثري محزون به طور عام دارد ، چرا درک عده ی گوناگونی از مخاطبانیکه به لحاظ جغرافیایی قرابتی ندارند از یک موسیقی یکسان ، مشابه خواهد بود ؟ چرا باشنیدن رکوییم موتسارت ، پایکوبی نمیکنیم ؟ چرا یک کودک هم با شنیدن ریتمی پویا ، پایکوبی میکند ؟ درک غریزی از طبیعت موسیقی ، معلول چیست ؟ یادم می آید از بزرگواری که از استادان بنام فیزیولوژی هستند پرسیده بودم ، انباشتگی اطلاعات در نورون ها ، چگونه واکنشی است ؟ آیا بر جرم نورون ها افزوده میشود ؟ چگالیشان بیشتر می شود ؟ و اصولا چگونه داده ها در نورون ها بایگانی می شوند ! ... گويا در این مبحث نیز باید در فيزيك صوت و انرژي حاصل از امواج موسيقيايي جستجو كرد و علامت سوال را همچنان باقی گذارد ...
وجه تمایز هنرنخست با دیگر انواع هنر نیز همین است ...
کانال کلید سل
@kelideesol
چگونه مفید تمرین کنیم
استفاده درست از وقت به هنگام تمرین ساز، از مهمترین عواملی است که پیشرفت شما را در نوازندگی تضمین می کند، به نکاتی که یکی از مدرسین موسیقی در این باره بیان کرده است دقت کنید...
جری کوکر (Jerry Coker) پروفسور موسیقی و نوازنده توانای saxophone ، استاد دانشگاه و همچنین نویسنده بیش از ۲۰ کتاب در زمینه موسیقی Jazz در ارتباط با روشهای تمرین کردن موسیقی نظریاتی مفیدی دارد که در اینجا به نکات مهم آن اشاره می کنیم.
او معتقد است که هنرآموز برای موفقیت باید تمرین منظم داشته باشد، حداقل روزی ۷۵ دقیقه. بسیاری از ما ممکن است بیش از این مقدار طی روز تمرین داشته باشیم، اما نکته اینجاست که بهره لازم از زمان صرف شده را نمی بریم.
۱- ابتدا برای اینکه وارد دنیای موسیقی شوید به مدت ۵ دقیقه یک ملودی آرام را که دوست دارید تمرین کنید.
۲- به مدت ۱۵ دقیقه تمرین گام و آرپژ انجام دهید.
۳- به مدت ۱۰ دقیقه تمرین الگوهای ملودیک یا Riff انجام دهید.
۴- به مدت ۵ دقیقه روی ملودی های جدید با آکوردها Improvise کنید.
۵- برای مدت ۱۵ دقیق روی در آوردن ملودی از روی نوار یا CD کار کنید به اینکار Transcription گفته می شود.
۶- به مدت ۱۰ دقیقه روی نقطه ضعف های جدی خود کار کنید. مثلآ اگر در بعضی از گام ها ضعف دارید یا با سرعت های زیاد مشکل دارید به آنها بپردازید.
۷- برای مدت ۱۵ دقیقه نیز وقت خود را صرف یاد گیری یک آهنگ جدید بکنید که شامل ملودی و تحلیل هارمونی باشد.
فرستاده دکتر مهدی پورامیر
حتما‌مطالعه بفرمائید همراهان کلید سل
خیلی جالب و جذاب می باشد
دوستان عزیزم
باید عرض کنم
یه سری دوستان پیشنهاد دادن،مباحث آموزشی که بعضی اساتید و هنرجویان گرامی که مایل هستند ،در این‌کانال به اشتراک بگذاریم.
در صورت تمایل ،به پی وی بنده پیام دهید،تا مباحث جدیدا در کانال کلید سل باهم در اختیار هم قرار دهیم
@Mohammadhaddaddi
دانشگاه مجازی موسیقی👇👇
@kelideesol
💟 به کودکان مان در تمرین موسیقی کمک کنیم
بیشتر خانواده فکر می کنند که خود کودک می تواند از عهده تمرین های داده شده بر آید.
ولی تجربه نشان داده که کودکان زیر ده سال با توجه به اینکه به بلوغ فکری نرسیده اند و هنوز ماهیت موسیقی برای آنها کاملا واضح نیست، از عهده این کار بر نمی آیند و خانواده ها حتما باید از او پشتیبانی کنند.
کودکان زیر ده سال معمولاً به موسیقی به دید یک اسباب تفریح و بازی نگاه می کنند.
بنابراین در تمرین های جدی تر خیلی زود خسته می شوند و به هر دلیل و بهانه ای سعی می کنند از تمرین فرار کنند.
یکی از والدین حتماً باید در کنار کودک بنشیند و او را تشویق به تمرین کند.
هنگامی که کودک می بیند شنونده دارد، سعی می کند کار خود را بهتر انجام دهد.
بی حوصلگی والدین باعث بی حوصلگی کودک می شود.
بیشتر والدین از این موضوع شکایت دارند که کودک آنها حوصله تمرین ندارد، در حالیکه خود آنها حوصله نیم ساعت همراهی کودک هنگام تمرین را ندارند و تصور می کنند.
معلم موسیقی موظف است انگیزه لازم برای تمرین کودک
را ایجاد کند. این بزرگترین اشتباه خانواده ها در تمرین های کودک است.
اگر والدین حوصله همراهی کودک هنگام تمرین موسیقی را ندارند، می توانند با استخدام یک کمک مربی موسیقی مجرب، هفته ای سه بار برای کنترل تمرینهای کودک از او بهره ببرند.
ولی با این وجود توصیه می کنیم که حتما یکی از والدین هنگام تمرین در کنار کودک باشد.
این کار اعتماد به نفس کودک را افزایش داده، باعث می شود کودک از ساعتهای تمرین بیشتر لذت ببرد.
نکته مهم دیگر، کمک موثر والدین در زمان بندی دقیق تمرینها برای کودک است.
کاری که خود کودک نمی تواند به تنهایی انجام دهد.
کودک را هنگام تمرین موسیقی تنها نگذاریم.
تهیه متن:خانم تهرانی
هنرجوی مجازی دانشکده موسیقی باشید👇👇
@kelideesol
چرا زمان اجرا و نوازندگی استرس دارم؟
سفت کردن عضلات و فشار بیش از حد به سیم های ساز یا کلاویه پیانو و... مثلا همیشه جای سیم ها گیتار یا ویولون بر روی انگشتان شما هست اما دلیل این مسئله را نمی دانید و احیانیا فکر می کنید طبیعی هست و شاید برای تمرین زیاد، تا زمانی در منزل در حال تمرین هستید همه چیز خوب است اما وقتی برای کنسرت و اجرا می روید این استرس و انقباضات خود را نشان می دهد مخصوصا وقتی که تک نوازی می کنید و در نهایت باید گفت شما دچار استرس در زمان اجرا هستید.
قبل از هر چیزی باید گفت اگر دارای استرس و اضطراب حاد هستید مانند لرزش شدید و بدون کنترل دست و پا در زمان اجرا و... مطمئن باشید که مانند بسیاری دیگر از نوازندگان حرفه ای نیاز به مشاوره روانکاو دارید.شاید با فقط چند جلسه مشاوره این مشکل کمتر شود.
اما اکثر عوامل استرس ها در نوازندگان معمولا به صورت یک مشکل خیلی حاد نیست. مثلا تمرین بیش از حد و طولانی مدت و عدم استراحت عضلات و فشار بیش از حد یکی از عوامل ایجاد استرس است. یا تمرین بیش از حد ناشی از هراس از کنسرت یا امتحان های نوازندگی و احساس ترس حاصل از این رویدادها. این یک مسئله طبیعی است که شما استرس داشته باشید زمان امتحان اما میزان این استرس قطعا بر کیفیت کار شما تاثیر خواهد گذاشت.
بسیاری از مواقع دلایل ایجاد استرس کاملا فیزیکی است. مثلا نحوه تمرین ها با اشتباهاتی همراه بوده و این اشتباهات را معلم ساز از روی عدم شناخت به شما تذکر نداده و در نتیجه باعث نقصان هایی مانند لرزش در دست ها و دیگر اندام های شما می شود. ایجاد هرگونه زاویه نامناسب و غیر استاندارد در دست ها؛ فشار بر روی مچ ها و انجام حرکات بی مورد می تواند نه تنها باعث استرس شود بلکه اسیب های جدی فیزیکی به شما وارد کند.
بسیاری از نوازندگان گیتار و بعضی ساز های دیگر را دیده ام که شکل انگشتان آنها به خاطر تمرین های اشتباه و عدم کفایت معلمین و هشدارهای به موقع آنها از حالت عادی خارج شده است.
بعضی وقت ها حتی می تواند دلایل استرس را در تحت تاثیر قرار گرفتن شما از استیل و نوازندگی سایر نوازندگان جست و جو کرد. اینکه هر نوازنده ای نمی تواند از شرایط و استعداد یکسان یا نحوه تمرینات و امکانات مساوی برخوردار باشد به صورت غیر محسوس بر شما تاثیر گذار خواهد بود.
به طور کلی می توان دلایل استراس در نوازندگان را اینگونه جمع بندی کرد:
کسالت و افسردگی و یا داشتن استرس های ذهنی /اعتیادی سخت به تمرین نه انجام آن با لذت /عدم تطابق با محیط جدید مانند عوض کردن محل تمرین /اضطراب از اجرا و ترس از صحنه / ترس از انتقادات بالاخص در نوازندگان جوان/ طرز برخورد نا مناسب معلم و خانواده و دوستان
دقت کنید بعضی از عوامل استرس را می توانید با تغییراتی در نحوه اجرا یا تمرینات ساز برطرف کنید. یا می توانید از تجربه و دانش معلم و استاد ساز خود جهت برطرف کردن این استرس های کمک بگیرید.اما بعضی دیگر از این دلایل استرس درحوزه صرفا موسیقی نیست و شما حتما باید با روانکاو مشاوره کنید.اما به عنوان یک پیشنهاد کلی سعی کنید عوامل استرس زا را در خود پیدا و آن را برطرف یا از خود دور کنید.
سه تا از اصطلاحات موسیقی در سازهای زهی، مضرابی و کوبه‌ای
ترمولو
زمانی که یک نت به صورت پشت سر هم اجرا میشود، اصطلاح ترمولو قابل استفاده است. در سازهای مضرابی و کوبه‌ای، به اجرای نت‌های کشیده به صورت ریز و در سازهای زهی به اجرای نت کشیده به صورت چنگ، دولاچنگ و سه‌لاچنگ ترمولو گفته میشود.
تریل (غلت)
تریل یا غلت نشانه‌ای است که اگر بر روی یک نت قرار بگیرد، نت و نت بالاترش به صورت نسبتاً تند و به اندازه نت اصلی اجرا می‌شوند.
تمپو
اصطلاح بعدی، تمپو است که این اصطلاح به سرعت اجرای یک قطعه موسیقی گفته میشود. این سرعت می‌تواند از خیلی کند تا بسیار تند متنوع باشد.
کانال تخصصی موسیقی
@kelideesol
آرتیکولاسیون
هنر نوازندگي موضوعي فراتر از اجراي صحيح نت ها است .در غير اين صورت مي توانستيم به جاي
واژه ي هنر از كلمه تكنيك استفاده كنيم . نوازندگي هنگامي هنر محسوب مي شود كه نوازنده بتواند روحي در كالبد بي جان نت ها دميده و ايده هاي مكتوب آهنگساز را دوباره به جملاتي موسيقايي تبديل كند .
براي رسيدن به اين مهم نوازنده بايد علاوه بر تسلط كامل بر تكنيك ساز خود شناختي كامل از تاريخ موسيقي ، سبك شناسي ، فرم و آناليز ، موزيكاليته ، تاريخ تكامل ساز ، زندگي و جامعه شناسي عصر آهنگساز و …. داشته باشد تا بتواند با اشراف كامل بر موسيقي به اجرايي تاثير گذار نزديك شود .
از عوامل بسيار مهم در اجرايي موثر رعايت صحيح آرتيكولاسيون (articulation (مي باشد .
آرتيكولاسيون در لغت به معناي مفصل بندي ، تلفظ شمرده ، طرز گفتار است و به طور كلي اشاره دارد به اينكه چطور اجزاي يك جسم به يكديگر متصل مي شوند ، به طور مثال; چگونه استخوان هاي يك اسكلت به يكديگر متصل شده ويا چگونه اتصال سيلاب ها به يكديگر لغت را به وجود مي آورند . آرتيكولاسيون در حقيقت بيانگر شيوه ي اتصال اجزاي مختلف يك قطعه يا بند منسجم و معني دار مي باشد.
قطعه يا بند در موسيقي نت هاي منحصر به فردي هستند كه مانند يك رشته به هم متصل شده اند و يك خط ملودي يا باس و يا هارموني را تشكيل داده اند ، و در واقع آرتيكولاسيون به ما كمك مي كند تا به بياني صحيح از يك بند يا جمله برسيم . حركت ها و ضربه ها و در مقابل ايست ها و كشش ها از عوامل بسيار مهم در ايجاد آرتيكولاسيون در موسيقي مي باشند .
در بسياري از جهات آرتيكولاسيون در موسيقي قابل مقايسه با خواندن شعر و يا اداي ديالوگ ها توسط يك بازيگر مي باشد . خواندن شعر و يا بيان ديالوگ بدون توجه به آرتيكولاسيون و بيان صحيح كلمات نه تنها باعث اجرايي كسل كننده و بي روح است بلكه مي تواند به اصل اثر هم لطمه وارد كند . اجراي موسيقي هم بدون رعايت آرتيكولاسيون صحيح از اين قاعده مستثني نيست و مي تواند اجرا را به اجراي مونوتن (monotone (و كسل كننده تبديل كند .
در اجراي موسيقي مقوله آرتيكولاسيون از دو منظر قابل بررسي است :
۱ -همان گونه كه در زبان شناسي , تاكيد بر روي سيلاب هاي خاص مي تواند لهجه ويا گويشي خاص ايجاد كند و يا حتي معني كلمات و يا جملات را عوض كند ، در موسيقي نيز تاكيد بر روي نت هاي خاص و يا ارزش هاي ريتميك خاص مي تواند بيان جملات موسيقي را به كلي تحت تاثير خود قرار دهد.
۲ -شيوه ي اجراي نت و يا گروهي از نت ها مي تواند بيان و تلفظ جمله موسيقي را تحت تاثير خود قرار دهد . تكنيك هاي مختلف باعث ايجاد شخصيت هاي مختلف در نت ها مي شودودر نتيجه آرتيكولاسيون هاي متفاوتي به دست مي آيد. بطور مثال اجراي چند نت به شكل لگاتو با اجراي همان نت ها به شيوه ي استاكاتو بسيار در صدا دهي متفاوت است .
از طرفي ديگر از منظر دوم ،بعضي از آرتيكولاسيون ها مختص به يك يا چند ساز هستند و توسط سازهاي ديگر قابل اجرا نمي باشد بطور مثال اجراي پيتزيكاتو (pizzicato (مخصوص به سازهاي زهي بوده و سازهاي بادي توانايي اجراي چنين آرتيكولاسيوني را ندارند . درسازهاي زهي معمولا اجراي آرتيكولاسيون با آرشه و در سازهاي بادي با زبان زدن صورت مي گيرد.
از نكات غير قابل چشم پوشي در مقوله ي آرتيكولاسيون بدون شك تاريخ موسيقي و سبك شناسي وتاريخ تكامل سازها مي باشد . چون ما در دوران هاي مختلف موسيقي با بافتهاي مختلف صوتي مواجه مي شويم بنابراين نوازنده بايد با توجه به بافت موسيقي آرتيكولاسيون ها را به شيوه اي اجرا كند كه اثر با حال و هواي همان دوران اجرا گردد. از طرف ديگر نوع سازهاي استفاده شده در دوراني خاص مي تواند شيوه ي اجراي نوازنده را كاملا تحت تاثير قرار دهد. به طور مثال استفاده از آرشه هاي كماني شكل در دوران
باروك بدون شك در كيفيت اجرايي آرتيكولاسيون هاي مختلف تاثير زيادي داشته است .
منبع: مقدمه پایان نامه کارشناسی ارشد با عنوان«پیدایش و تکامل آرتیکولاسیون» دانشکده موسیقی – نویسنده تینا جامه گری
کانال تخصصی موسیقی
@kelideesol
نکات مهم موسیقی را در کانال کلید سل بخوانید
@kelideesol
خصوصیات بهترین آموزشگاه موسیقی
برای انتخاب یک آموزشگاه خوب همیشه این چالش پیش روی هنرجویان هست که بهترین آموزشگاه موسیقی کجاست و باید چه خصوصیاتی داشته باشد. از این رو چند ویژگی بهترین آموزشگاه موسیقی را با هم بررسی می کنیم:
اگر به دنبال بهترین آموزشگاه موسیقی هستید حتما در نظر بگیرید که موسیقی را آکادمیک تدریس کنند. یک فضای آکادمیک جایی است که از اساتید تحصیل کرده و حرفه ای برای تدریس موسیقی استفاده می شود و هنرجویان می توانند با اصول صحیح به یادگیری موسیقی بپردازند.
امکانات آموزشی از دیگر مولفه ها در این زمینه است. سازهای مناسب و با کیفیت لوازم ضروری چون پایه نت میز ساز مترونوم تخته وایت برد و … از ملزومات اولیه یک آموزشگاه موسیقی خوب هستند.
فضای صمیمی آموزشگاه، در عین رعایت احترام بین هنرجو و آموزشگاه، صمیمیت مناسبی نیز ضرورت دارد. شما باید آموزشگاه را یک محیط امن و دوست داشتنی بدانید و به این باور برسید که آموزشگاه برای شما ارزش و احترام قائل است و به هنرجویانش عشق می ورزد.
و اما مهمترین نکته در در مورد بهترین آموزشگاه موسیقی این است که حتما توانایی ایجاد انگیزه برای هنرجویان موسیقی داشته باشد. برای مثال برگزاری کلاس های همنوازی، کنسرت های هنرجویی، اعزام به جشنواره و ارائه بازخورد دائمی از پیشرفت هنرجویان می تواند باعث ایجاد انگیزه برای پیشرفت هنرجویان باشد
نکات مهم موسیقی را در کانال کلید سل بخوانید
@kelideesol
یه آمار جالب از درصد مردان و زنان شاغل در موسیقی دنیا(آهنگسازان و معلمین موسیقی)
#روز_معلم
#معلم_زن
هنرمندان موسیقی عضوشوند👇
@kelideesol
آموزش موسیقی در فضای مجازی👇
@kelideesol
هیتاگوژی
هیتاگوژی در مقایسه با پداگوژی و آندراگوژی روش جدیدتری ست. Heutagogy :هیتاگوژی به بررسی آموزش توسط خود شخص می پردازد. همچنین بحثی است که برخی از ایده های آموزش و یادگیری از طریقه معلم و استاد را به چالش می کشد.
مشخصات بارز روش هیتاگوژی :
1. خود آموزی
2. با نظم و انظباط شخصی پیشرفت کردن
3. فراگیری مفهوم آموزش برای کسب مهارت اصلی
4. پژوهش و آموختن با روش ها و فعالیت هایی که شخص خود انتخاب می کند
5. ورود به دنیای شاگردی
6. پرهیز از سیستم آموزشی مربی محور
7. تمرکز بر فرایند آموزش
روش پداگوژی ، آندراگوژی و هیتاگوژی به مرور زمان با تغییر و تحولات روبرو بوده اند. هرکدام از این سه روش دارای نقاط ضعف و قوتی می باشند . بررسی این مشخصات و مقایسه ی آنها می تواند برای دستیابی به یک سیستم آموزشی منطبق با معیار ها و خصوصیات جامعه ی ما ، کمک ارزنده ای باشد .
پداگوژی درمقایسه با آندراگوژی :
آموزش بزرگسالان دامنه ی وسیعی از تحقیقات آموزشی را دربرمیگرد و احتمالا یکی از پیچیده ترین مباحث تحقیق می باشد ، زیرا که بزرگسالان به طرق مختلف یاد می گیرند و استراتژی های متفاوتی در یادگیری دارند. بحث پیرامون یادگیری بزرگسالان ما را به مفهوم آندراگوژی نزدیکتر می سازد.
براساس مقاله ی "مالکوم نولز" نظریه پرداز در زمینه ی آموزش بزرگسالان : " آندراگوژی" را به عنوان " هنر و علمی که کمک به یادگیری بزرگسالان می نماید " معرفی نموده است .
" مالکوم نولز" شش اصل را برای آموزش بزرگسالان معرفی نمود :
1. بزرگسالان انگیزه ی درونی برای یادگیری دارند که آنها را هدایت می کند.
2. بزرگسالان تجربیات و دانش زندگی خود را برای یادگیری استفاده می کنند.
3. آنها هدف گرا هستند .
4. بزرگسالان بیشتر عمل گرا هستند .
5. بزرگسالان ارتباط بین مطالب را ایجاد می کنند.
6. بزرگسالان دوست دارند که به آنها به دید یک آموزنده مطلب احترام گذاشته شود
کانال کلید
@kelideesol
✔️ جالبه بدونید که ：
✍در مغز نوازندگان سازهای زهی و پیانو بخشهایی که مسئول کنترل حرکات دست هستند ۴۰ درصد رشد بیشتری دارند.
همچنین جسم پینه ای مغز نوازندگانی که قبل از سن ۷ سالگی شروع به فراگیری ساز نموده اند بزرگ تر از سایرین است. از این رو بین دو نیم کره و بخشهای مختلف مغز آنان ارتباط و هماهنگی بیشتر و بهتری برقرار می شود.
هر یک از دو نیم کره مغز وظایف متفاوتی بر عهده دارد. نیم کره چپ مسئول تجزیه و تحلیل مسائل و مرکز تعلیم است و نیم کره راست احساسات، تخیلات و قدرت ابتکار را هدایت می کند. برای استفاده از کل پتانسیل مغز می بایست هر دو نیم کره با هم هماهنگ باشند.
بر اساس تحقیقی که توسط آلتن مولر از انستیتو پزشکی و فیزیولوژی موسیقی در هانوفر و مارک بانگرت از دانشکده پزشکی دانشگاه هاروارد انجام گرفته است، بخش شنوایی و بخشهای حرکتی مغز نوازندگان پیانو کاملا ً با یکدیگر مرتبط اند به طوری که تحریک یکی از این دو بخش موجب برانگیختن دیگری می شود. اسکنهای متعدد و الکترو انسفا لوگرافی (EEG) از مغز نوازندگان حرفه ای پیانو نشان می دهد. تنها حرکت دست نوازنده بر روی کلاویه ها موجب فعال شدن ناحیه شنوایی مغز می گردد و بالعکس شنیدن قطعات موسیقی باعث تحریک قسمتهای حرکتی می شود.
حتی انگشتان دست برخی از نوازندگان با شنیدن ملودیهای خاصی بی اراده حرکت می کند. بین این دو ناحیه از مغز نوازندگان مبتدی هم در اولین جلسه و پس از ۱۰ دقیقه تمرین ارتباط موقتی ایجاد می شود که با افزایش تعداد جلسات تثبیت می گردد.
تمرینات موسیقی همچون نیروی بازدارنده ای مانع از بین رفتن سلولهای عصبی در سنین بالا می شود. حتی اگر فردی تازه در سن ۸۵ سالگی شروع به فراگیری ساز نماید سلولهای مغز او ترمیم و بازسازی می شود و قدرت حافظه و استنتاجش افزایش می یابد...
ادمین
#محمد_حداد
از طریق موسیقی می توان خزانه لغات کودک را تقویت کرد.
کودک با خواندن یک آهنگ حداقل ده لغت به خزانه لغاتش اضافه می شود.
موسیقی به تقویت هوش کودک کمک شایانی میکند.
#محمد_حداد
آموزش موسیقی👇
@kelideesol
🔴 آرپژ چیست؟
در موسیقی نوعی آکورد شکسته که در آن نغمات به‌صورت متوالی از بم به زیر یا از زیر به بم اجرا میشود را آرپژ (به فرانسوی: arpège) یا چنگسان می‌گویند.
👈 آرپژ به عبارتی نواختن تک به تک نت‌های یک آکورد به جای اجرای همزمان آنها است. واژه فرانسوی آرپژ و ایتالیایی آرپجیو هر دو به معنی «همانند ساز چنگ» هستند.
👈 صدای حاصل از آکوردی که به شیوۀ چنگسان نواخته میشود چنگسانه نامیده میشود.
👈 فن آرپژ در نوازندگی سازهای پیانو، چنگ و گیتار بسیار کاربرد دارد.
✔ نکته مهم آرپژ این است که هر انگشت دارای استقلال و شخصیت خاص خود است. اغلب هر انگشت وظیفه ضربه زدن به یک سیم مشخص را برعهده دارد.
✔ در نواختن قطعات سرعتی آرپژها نباید مبهم و درهم گوش برسد، بلکه باید تک تک نتها با فاصله زمانی منظم و به وضوح شنیده شود.
عضو دانشکده موسیقی(آموزش موسیقی،کتوب،سازشناسی)باشید👇
@kelideesol
عضو دانشکده مجازی موسیقی شوید👇👇
@kelideesol
مروری بر مبانی موسیقی
🎼ديناميك ها Dynamics :
.
وقتي به يک قطعه موسيقی با دقت گوش ميدهيم درميابيم كه در جاهایی از قطعه، صدای سازها بلندتر و در جاهایی كمتر شنيده ميشوند.
آهنگساز يا تنظيم كننده است كه تصميم ميگيرد كجاي نت موسيقي اش بلند و كجا آهسته اجرا شود.
.
اين حالتها را با قرار دادن علائمی در پايين نتها مشخص ميكنند.
که معروفند به علایم بیرونی خط حامل.
🎼هارمونی
✍هارمونی به چگونگی فاصله‌های موسیقیایی خوشایند در اجرای همزمان نتها گفته میشود که خصوصاً در آکوردها کاربرد دارد، بر خلاف ملودی‌ها که به خوشایندی نواختن نت‌های متوالی (و نه همزمان) می‌پردازد.
هارمونی سبب ژرفا بخشیدن و غنای ملودی میشود.
یک آفریننده موسیقی عامیانه (مانند یک خواننده که از گیتار استفاده میکند)، با آزمایش آکوردهای گوناگون، هم‌خوان‌ترین آکوردها با حالت ملودی را برمی‌گزیند. در موسیقی کلاسیک غربی، موسیقیدان همزمان به خلق ملودی و هارمونی می‌پردازد. در برخی از انواع موسیقی‌های بداهه‌پردازانه مانند جاز نوازندگان بر مبنای چینش مشخصی از آکوردها، به آفرینش ملودی می‌پردازند.کانال کلید سل
ریتم، ملودی و هارمونی سه بخش اصلی خلق یک اثر موسیقی را تشکیل میدهد
🎼آکوردشناسی
✍ علم شناسایی آکوردهای مختلف و وجه تمایز و وجه تسمیه آنهاست. ساده‌ترین آکوردها، آکورد سه‌صدایی (تریاد) است که از یک نت به نام نت پایه (Tonic) و نت دیگری بنام میانی (که نسبت به پایه فاصله سوم دارد) به نام سوم آکورد و نتی که با پایه فاصله پنجم دارد دومینانت (به نام پنجم آکورد) تشکیل شده است. اگر یک فاصله سوم به بالای سومین (آخرین) نت آکورد سه صدائی (تریاد) اضافه شود آکورد چهارصدایی و با اضافه شدن یک فاصله سوم دیگر به بالای آکورد چهارصدایی آکورد پنج صدایی به وجود می‌آید.
نوانس： Nuance
در موسیقی به شدت نواخت یک نت موسیقی گفته میشود.
نوازنده یا خواننده از طریق علایم مشخصی شدت اجرای نت را کنترل میکند.
از بین این علائم چند تا عبارتند از:
p:پیانو(به معنی ضعیف)
pp: پیانیسیمو (ضعیف‌تر)
ppp:پیانیسیسیمو(خیلی ضعیف)
f:فورته (قوی)
ff:فورتیسیمو(قوی‌تر)
fff: فورته‌سیسیمو(خیلی قوی)
mf:متسو فورته(نیمه قوی)
fp:فورته پیانو(نیمه قو
ادمین：محمد حداد
@mohammadhaddadd
نکات مهمی که یک نوازنده باید رعایت نماید:
قبل از تمرین سازتان سعی کنید تا دستهایتان را گرم کنید. به هیچ عنوان در هنگام شروع تمرین قطعه ای سخت و یا تکنیکال را اجرا ننمایید در بسیاری از موارد عدم توجه به این نکته باعث میشود تا فشار زیادی بر عضلات شما وارد شود و حتی کشیدگی هایی در عضله ایجاد نماید؛ یکی از روش های بسیار خوب اجرای گام و آرپژ با سرعت بسیار پایین میباشد و سپس اجرای قطعه ای ساده برای شروع تمرین.
یکی از اشتباهاتی که برخی از هنرجویان و نوازندگان انجام میدهند این است که به یکباره دست از تمرین میکشند و به سراغ کار دیگری میروند!
بایستی ابتدا و انتهای تمریناتتان را مشخص نمایید و در انتها نیز سعی ننمایید تمرینتان را با اجرای قطعات تکنیکی و سرعتی به پایان برسانید، بگذارید آرامش در دستان شما خود را نشان بدهد، پس با اجرای قطعه ای ملایم (مثلا در حالت آندانته یا آداجیو) تمرینتان را پایان دهید.
در نوشته فوق شیوه شروع و خاتمه تمرینات بررسی شد اما باید توجه نمایید که یک نوازنده حرفه ای به دستان خود اهمیت بسزایی میدهد، پس شما هم حرفه ای فکر کنید و حرفه ای ساز بزنید، مهم نیست که یک هنرجو باشید. قبل از شروع تمرینات با ساز مقداری تمرین کششی انجام دهید و سعی نمایید تا با نرمش و ماساز انگشتان، آنها را برای تمرین آماده سازید.
بعد از هر تمرین سختی و یا در دوره زمانی مشخصی مثلا 15 دقیقه از جای خود بلند بشوید و برای چند دقیقه کوتاه تمرینات کششی را انجام دهید و با تنفس عمیق انرژی تازه ای را به خود منتقل نمایید. یکی از نکاتی که بسیاری از هنرجویان فراموش میکنند، تنفس در طول قطعه است! سعی نمایید تا با کمک استاد خود یاد بگیرید تا در چه وقت و در چه قسمتهایی باید تنفس نمایید، این نکته در قطعاتی با سرعت بالا و در مدت زمان زیاد، اثرات خود را نشان میدهد و خستگی زیادی برای شما به ارمغان می آورد! آسیب دیدگی تنها احساس درد در عضلات نمیباشد بلکه خستگی ناشی از عدم تنفس صحیح در هنگام نواختن نیز جزو صدماتی میباشد که در طولانی مدت عوارض بدی را بر بدن شما میگذارد.
پس از پایان تمرینات نیز با یک سری تمرینات کششی سعی نمایید تا از فشاری که بر روی عضلات آمده بکاهید. استفاده از آب گرم و ماساژ انگشتان یکی از روشهای بسیار خوب برای این کار میباشد.کانال کلید سل
یکی از عادتهای بد در نوازندگی اینست که وقتی معین را برای تمرینات خود اختصاص ندهید و بدتر از آن اینکه هر چند ساعات یکبار تمرین کوتاهی را با شدت زیاد بر روی ساز انجام دهید و دوباره به سراغ کارهای دیگرتان بروید و این کار را در طول زمان چندین بار تکرار نمایید. جدا از نرسیدن به پیشرفتی مناسب در نوازندگی عضلات و بدن شما نیز در برابر این نوع تمرین واکنش نشان میدهند که خود آسیب پذیری شما را بالا میبرد.
تمرین تنها فیزیکی نیست بجای اینکه تنها با عضلاتتان ساز بزنید قبل از شروع هر تمرینی چه گام و چه قطعه با نگاه کردن به نت قطعه مورد نظر، ذهن خود را برای تمرین آماده سازید. به عقیده شخصی (نگارنده) بسیاری از تمرینات عضلانی تنها وقت شما را میگیرند و کار مفیدی را انجام نمیدهند! درواقع تنها شما خسته میشوید و حس کاذب پیشرفت را به شما دست میدهد...
#تمرین
آهنگ شب یلدا
با صدای محمد حداد
پیشاپیش یلدا مبارک
پیج محمد حداد
Http://Instagram.com/mohammad.haddad.official
#ترانه_شب_یلدا_با_محمد حداد
(نگاهی به موسیقی از دریچه دانش و هنر)
👈مقدمه: جای جای هستی ، سرشار از موسیقی است. صدای نفس ها،ضربان قلب، از گام های لرزان تا محکم، صدای باران، آب جاری رود، موج دریا، شتاب آبشار، نغمه پرندگان، زوزه باد، لالایی مادران، گریه نوزادان، شادی کودکان ، حزن و اندوه جدایی از یاران صمیمی، نگاه به هم دوخته عاشقان دلسوخته، شعر های حافظ، سعدی،مولانا، فردوسی؛ نثر موزون گلستان ، سکوت شب ، شیپور جنگ ، چکاچک شمشیرها ، صفیر گلوله ها ، سمفونی صلح و آشتی و..... و هر آنچه راوی گذر زمان است ، با موسیقی همراه است.
✍️در بازار زرکوبان، با چکش هایی که صلاح الدین زرکوب به سندان می زند، گروهی کثیر اخم در چهره می آورند و پنبه در گوش می گذارند ، ولی مولانا جلال الدین محمد و یارانش ، با این صدا سماع می کنند: با دلی روشن و چرخشی از جنس خلوص، عاشقی و بندگی ، با تمام هستی هماهنگ و هم آواز می شوند؛ ناشنیدنی ها را می شنوند و نادیدنی ها را می بینند، از ناسوت به ملکوت می روند و خمار از آن همه مستی، رها از بندهای زر و زور و تزویر ، در بازگشتی به زمین ، جز عشق ، مهربانی ، ایثار و بندگی، اندوخته ای در بساط خود نمی گذارند؛ خدمت به خلق را پیشه می کنند و روز و شب در وصل مدامند . در وقت مقرر ، با قلبی مطمئن و با آغوش باز، شرابی گوارا می نوشند و به سفری وصف ناشدنی می روند.
✍️از نگاه و قلم یک نوآموز و بسان شناگری کم آشنا ، نشسته بر ساحل که پایش را در آب دریا خیس می کند، روایت‌هایی از یافته های غواصان دانشمند و هنرمند جستجوگر گوهرهای زیبا، نوشته می شود.
این جستجو در٢۴ قسمت تقدیم حضور شما عزیزان خواهد شد🌷🌷🌷
امید است با نگاه نقادانه شما، اصلاح گردد و سودمند باشد.
«مهدی پورامیر».
سلام‌دوستای هنرمند.
آموزش گیتار و آواز و تئوری موسیقی،در پیج بنده بصورت تصویری قرار دارد.
در صورت علاقه پیج بنده رو فالو کنید تا افتخار حضور شما دوستان رو داشته باشم.
با احترام محمد حداد
آدرس صفحه اینستاگرام 👇
Instagram.com/Mohammad.haddad.official
هنرجوی مجازی دانشکده موسیقی باشید👇👇
@kelideesol
◀️موسیقی کلاسیک
موسیقی کلاسیک به موسیقی هنریِ اروپا گفته میشود. شروع این موسیقی را از سده‌های میانه در حدود سال ۵۰۰ م می‌دانند.
■دوره‌های موسیقی کلاسیک
موسیقی کلاسیک را ازنظر سبک و تحوّل تاریخی آن به چند دورهٔ کوچک‌تر تقسیم کرده‌اند:
◀️موسیقی سده‌های میانه (قرون وُسطی)
این دوره با سقوط امپراتوری روم شروع و تا رنسانس در اروپا ادامه می‌یابد. این دوره، دورهٔ شروع و آغازین گام‌های موسیقی کلاسیک است.
◀️موسیقی رنسانس
در این دوره، که شامل سالهای ۱۴۰۰ تا ۱۶۰۰ م میشود، موسیقی کلاسیک به‌طور عمده در ایتالیا شکل گرفت و بیشتر قطعات آثار آوازی هستند.
◀️موسیقی دورهٔ باروک
این دوره از سال ۱۶۰۰ م شروع میشود و تا حدود ۱۷۶۰ م ادامه می‌یابد. لغتِ باروک در عالم هنر (نه‌فقط موسیقی) معادل استادانه زینت دادن و یا ماهرانه درست کردن به‌کار می‌رود که از مشخصات بارز هنر این سال‌ها بوده‌است.
موسیقی این دوره، همانند سایر هنرهای هم‌عصر خود، بیانگر اشرافیت و قدرت حکومت‌های اروپایی بوده‌است. نیاز کلیسا برای جذاب‌تر کردن نیایش نیز در گسترش این سبک تأثیر بسیاری داشته‌است.
یکپارچگی در حالت موسیقی از ویژگی‌های موسیقی این دوره است.
از معروف‌ترین موسیقی‌دانان این سبک می‌توان باخ و ویوالدی را نام برد.
◀️دورهٔ کلاسیک
نوشتار اصلی: موسیقی دوره کلاسیک
دورهٔ کلاسیک سالهای ۱۷۳۰ تا ۱۸۲۰ م را شامل میشود.
قرن هجدهم مصادف بود با جریان روشن‌فکری یا آزادی اندیشه از بند خرافات، که در آن طغیانی علیه متافیزیک و به نفع احساسات معمولی و روانشناسی تجربی و عملی، علیه آیین و مراسم تشریفاتی اشرافی و به نفع زندگی طبیعی و ساده، علیه خودکامگی و به نفع آزادی فردی، علیه امتیازات و حق ویژه و به نفع حقوق مساوی مردم و تعلیم و تربیت همگانی صورت گرفت. در این دوره، برای اولین بار در موسیقی، این فکر ظهور کرد که موسیقی در حقیقت همانند دیگر هنرها مقصود و هدفی ندارد، بلکه صرفاً به‌خاطر خودش وجود دارد؛ یعنی موسیقی برای خودِ هنر موسیقی موجودیت می‌یابد. پس از دورهٔ کلاسیک با هنر موسیقی برپایهٔ ایدهٔ «هنر به‌خاطر هنر (هنر برای هنر)» برخورده می‌شد.
هنر در این دوران، بیشتر متوجه سادگی است تا تزئینات ماهرانهٔ دوران باروک، ولی درزمینهٔ موسیقی، این رویکرد به‌عکس اتفاق می‌افتد. برخلاف دورهٔ باروک، در دوران کلاسیک، حالت‌های مختلف و متضادی در ارائهٔ احساس در موسیقی وجود دارد. بافت موسیقی کلاسیک نیز بیشتر هموفونیک است تا پلی‌فونیک. از هنرمندان برجستهٔ این دوره می‌توان از هایدن، موتزارت و بتهوون نام برد.
◀️دورهٔ رمانتیک
نوشتار اصلی: موسیقی دوره رمانتیک
سبک رمانتیک سالهای ۱۸۲۰ تا ۱۹۱۰ م را شامل میشود. در این دوره، احساسات نقش بسزایی در موسیقی پیدا میکند. موسیقی در این دوره به‌صورت ابزاری در دست آهنگساز مطرح کردن احساسات شخصی اوست. معروف‌ترین آهنگسازان و موسیقی‌دانان این سبک شوپن، لیست و مندلسون هستند.
◀️موسیقی قرن بیستم
این دوره را دورهٔ مدرنیسم یا نوگرایی موسیقی کلاسیک می‌دانند. آهنگسازان این دوره هرچه بیشتر سعی کردند تا کارهای خود را از سبک‌های گذشته متمایز و از باورها و قانون‌های گذشته عبور کنند.
◀️موسیقی کلاسیک معاصر
موسیقی کلاسیک معاصر از سال ۱۹۷۰ م آغاز شده‌است و تاکنون ادامه دارد. آهنگسازان معاصرِ کلاسیک بیشتر به ساختن موسیقی مینیمال و آوانگارد روی آورده‌اند.
اصطلاحات دیگر
آکاپلا
اولین اصطلاح که مورد بررسی قرار خواهد گرفت، آکاپلا است، این اصطلاح به موسیقی کرال بدون همراهی ساز گفته میشود که برای آواز گروهی نوشته شده است.
تنور
اگر از خود می‌پرسید که اصطلاح تنور چیست، باید گفت که تنور نام بازه‌ای از صدا و گونه‌ای صدای مردانه در اپرا است. به زیرترین صدای مردانه قابل اجرا تنور گفته میشود. اگر بخواهیم به صورت تخصصی‌تر به بررسی این اصطلاح بپردازیم، می‌توان دامنه این صدا را بر اساس کلید سل، از نت دو زیر خط اول تا دو بالای خط پنجم دانست.
رکوئیسم (مس رکوئیم)
رکوئیسم یا مس رکوئیم با نام موسیقی مردگان نیز شناخته میشود. این موسیقی در کلیسای کاتولیک مورد استفاده قرار می‌گرفته و به وسیله گروه کر اجرا میشود.
سوپرانو
سوپرانو بازه‌ای از صدا در موسیقی و گونه‌ای از صدای زیر زنانه است و در مقابل سوپرانو، باس قرار می‌گیرد. باس بازه از صدا در موسیقی و گونه‌ای از صدای بم است.
هر یک از زمینه‌های موسیقی دارای اصطلاحات خاصی هستند که در ادامه به بررسی اصطلاحاتی از موسیقی به مانند آرپژ، آکورد، اوکتاو، اوتور و پاساژ خواهیم پرداخت. آشنایی با این اصطلاحات برای افرادی که قصد دارند وارد عرضه موسیقی شوند، بسیار مهم خواهد بود.
آرپژ
آرپژ اصطلاحی فرانسوی است و این اصطلاح زمانی به کاربرده میشود که به‌وسیله انواع مختلف ساز نتها به‌صورت متوالی اجرا می‌شوند.
آکورد
معنی این اصطلاح هماهنگی است. اگر بخواهیم به عبارت ساده به بررسی معنای آکورد بپردازیم، می‌توان گفت به ترکیبی از نتها که به صورت هماهنگ با یکدیگر مورد اجرا قرار میگیرند، آکورد گفته میشود.
اکتاو
یکی از سوالات رایج هنرجویان این است که اکتاو چیست؟ اکتاو در موسیقی نشانگر نت‌های موسیقی (۸ نت) است. این ۸ نت که دامنه هر ساز را تشکیل میدهند در اصطلاح اکتاو نامیده می‌شوند.
اورتور
در موسیقی، منظور از اورتور قطعه‌ای است که به عنوان مقدمه برای اجراهایی با مضمون دراماتیک اجرا میشود. همانطور که گفته شد این قطعه قبل از شروع نمایش اجرا میشود.
پاساژ
این اصطلاح دارای ریشه‌ای فرانسوی بوده و معنای این اصطلاح گذر کردن است؛ این اصطلاح در ریتم به بخشی از ترانه گفته میشود که دو بخش ترانه از طریق آن به یکدیگر متصل می‌شوند.
تتراکورد
تتراکورد به ترکیبی از چهار نت پی در پی گفته میشود. تتراکورد با نام دانگ نیز شناخته میشود. فاصله نتها در تتراکورد یک چهارم فاصله درست در نظر گرفته شده است.
دیاپازون
دیاپازون یک ابزار به شمار می‌رود که برای ایجاد فاصله میان نتها در یک اکتاو مورد استفاده قرار می‌گیرد. این کار برای بیان زیر و بم آواها استفاده میشود.
مترونوم
اگر به دنبال ابزاری هستید که با استفاده از آن ریتم را به افراد مختلف آموزش دهید، مترونوم وسیله‌ای بسیار مناسبی خواهد بود. این وسیله تمامی ضرب‌ها را در قالب صدای تیک‌تاکی اجرا میکند.
سوناتا
قطعه‌ای که برای گروهی کوچک از سازها نوشته میشود را با نام سوناتا می‌شناسند.
فرم
به قالب، ساختار یا شکل یک قطعه فرم گفته میشود. کارایی فرم، توصیف یک قطعه از طریق تقسیم بندی آن به قطعه‌های کوچک است.
کانن
معنی این واژه قاعده و قانون است. کانن به روشی از آهنگ‌سازی گفته شده که بر اساس قوانین تقلید پایه گذاری شده است. از جمله انواع مختلف کانن می‌توان به مواردی نظیر کانن دو صدایی، کانن چهارم و پنجم، کانن معکوس، کانن افزایشی، کانن کاهشی، کانن قهقرایی و کانن مدور اشاره کرد.
گام
زمانی که چند نت با یکدیگر توالی داشته باشند، گام نامیده می‌شوند. این توالی می‌تواند بالا رونده یا پایین رونده باشد. این نت‌های متوالی، به ترتیب ارتفاع مرتب می‌شوند.
کنت رپوئن
کنت رپوئن در لغت به معنای نقطه در مقابله نقطه و در موسیقی به معنای نت در مقابل نت است. در گام روند مورد نظر روند عمودی بود اما در اینجا روند، روندی افقی است. نت‌هایی که با هم نواخته می‌شوند، به طور کلی از یکدیگر مستقل هستند.
بعضی از اصطلاحات رایج در ارکستر
سمفونی
یکی از اصطلاحاتی که از بستره موسیقی کلاسیک برخاسته، سمفونی نام دارد. در شکل گیری سمفونی افراد بسیار شناخته شده‌ای به مانند موت زارت، بتهوون و هایدن تأثیر گذار بوده‌اند. برای توضیح اینکه سمفونی چیست، باید گفت که هر سمفونی از چند موومان تشکیل شده است. موومان به بخشهای مجزا گفته میشود. همانطور که هر سمفونی از چند موومان تشکیل شده است، می‌توان گفت که هر سمفونی دارای فرمی چهار بخشی (متشکل از چهار موومان) است که با نام سونات شناخته میشود.
سونات
به قطعه‌هایی از موسیقی که برای یک یا گروهی کوچک از سازها نوشته می‌شوند، سونات می‌گویند.
سوئیت
سوئیت‌ها یکی از قدیمی‌ترین فرم‌های موسیقی بوده که متشکل از موومان‌های رقص هستند. شکل سوئیت‌ها در دوره‌های زمانی مختلف دست خوش تغییر قرار گرفته است. تغییرات و اصلاحات سوئیت‌ها از قرن شانزدهم که شکل کلی خود را پیدا کردند، شروع شد.
در قرن هفدهم، هجدهم، نوزدهم و ابتدای قرن بیستم تغییرات مختلفی در سوئیت‌ها به وجود آمده است. در ابتدا سوئیت‌ها از دو موومان رقص که اولی ملایم و معتدل و دومی سریع و پر نشاط بودند، تشکیل شده بود. سپس برای ساخت سوئیت از چهار موومان آلماند، کورانت، ساراباند و ژیگ استفاده شد. سوئیت بالاترین درجه کمال خود را در قرن نوزدهم و توسط باخ پیدا کرد؛ همانطور که مشخص است در طی دوره‌های زمانی مختلف سوئیت‌ها رفته به رفته کامل‌تر شدند.
مباحث موسیقی در کانال کلید سل
@kelideesol
آف تاکت چیست؟
تا این لحظه می بایستی از این قائده دنباله روی می کردید که میزان های 4/4 ما چهار ضرب داریم. حالا تصور کنید که هر میزان مانند یک پارچ آب است که می بایستی دقیقا تا لب پارچ آب پر شود بدون اینکه آب از این پارچ سرریز شود. قانون حالا چنین است که نه بایستی کمتر باشد و نه سر برود.
اما به مانند تمام قوائد کاربردی دیگر، این قانون، استثناء دارد. به این استثناء ما میزان آف تاکت می گوییم. آف تاکت یک نوع میزان عجیب است که در اول برخی از قطعات موسیقی می آید. همان طور که پیش تر گفتیم در این میزان ما نت های آف تاکت داریم.
فرض کنید میزان آف تاکت فقط دارای یک ضرب است، در حالی که بایستی سه ضرب داشته باشیم و با توجه به این نکته که در این فرض کسر میزان موسیقی ما ¾ است، بعد از این کسر میزان، قطعه موسیقی تا آخر از قوائد میزان ¾ دنباله بر روی می کند تا جایی که به ناگهان به میزانی دیگر می رسد: میزان آخرین باقیمانده همان میزان آف تاکت است. یعنی دو ضرب آخر ما، باقی مانده ضرب های باقیمانده میزان اول به حساب آورده می شوند. به بیانی دیگر، میزان آخرین، که در میزان اول ما اشتباه به نظر می آمد را درست و تصحیح می کند و این گونه قطعه موسیقی خواهیم داشت که از تمامی قوائد مبانی موسیقی دنبال بر روی خواهند کرد.
به مانند خیلی از موارد دیگر مبانی موسیقی، استفاده از نت آف تاکت بیشتر به هنگام نت نویسی محسوس می باشد. چنانچه شنونده مثلا خیلی با دقت به موسیقی گوش ندهد یحتمل هرگز متوجه نشود که میزان آخر موسیقی ناقص است. به طور معمول این فقط آهنگساز است که می بایستی نگران ایجاد تعادل بین میزان های اف تاکت موسیقی خودش باشد.
در موسیقی های مدرن و امروزی به خصوص موسیقی های راک، رایج است که نت نت آف تاکت اول را داریم اما الزاما نمی بایستی به این قوائد و قانون پایبند باشیم به چه علت که در میزان آخر دارای این توان هستیم کاملش کنیم. بیشتر، موسیقی دان های امروزی قطعات را با نت آف تاکت آغاز کرده و در انتها و میزان آخر کامل می کنند.
مباحث موسیقی در کانال کلید سل
@kelideesol
کلید سل(کانالی تخصصی آموزش موسیقی)👇
@kelideesol
جسارت و #خلاقیت از زبان استاد حسین #علیزاده
(سخنرانی استاد در بین دانشجویان دانشگاه هنر)
يادم مي آيد كه روزي يك قطعه اي ساخته بودم و خيلي هم اين قطعه را دوست داشتم، قرار بود كه كنسرتي را در مدرسه اجرا كنم و من بايد توضيح مي دادم اين اثر كيست. هرچه كردم جرأت نكردم بگويم كه اين قطعه ساخته خودم است لذا گفتم اين اثر در دستگاه فلان و از اساتيد قديمي است. وقتي كه اجرا كردم چون خيلي ارتباط احساسي با آهنگ داشتم خيلي اثر گذاشت و در پايان مسئولان هنرستان گفتند كه خيلي خوب ساز زدي البته بايد بيشتر كار كني.
به هر حال، در آن روز مسئولان هنرستان مرا تشويق كردند و پرسيدند اين آهنگ كي بود كه اجرا كردي من جواب دادم كه آقا اجازه از قديمي ها بود گفتند، بارك الله، بارك الله.
ولي آن روز زنگي در گوش من به صدا درآمد كه حتماً نبايد قديمي باشد مي تواني تو هم بسازي اگر جرأت داشته باشي.
اينكه از جرأت و جسارت مي گويم منظورم اين است كه آدم خودش را كامل و پر كند، البته عذر مي خواهم مي گويم پر و كامل، منظورم اين نيست كه من كاملم شما سوالاتي مي كنيد و من فقط يك چيزهايي از تجربه هايم مي گويم، هيچ وقت آدم پر نمي شود و هميشه بايد دنبال اين بود كه قسمت خالي را پر كنيم و اين روند هميشه ادامه دارد.
مي توان جرأت و جسارت داشت و به اندوخته ها برگشت و با شناخت آنها جسارت پيدا كرد و اين خود موجب تنوع در هنر مي شود. ببينيد شاملو يكي بود و اخوان يكي ديگر و هركس خودش است و اين به جرأت اشخاص برمي گردد كه از ديگران متمايز مي شوند.