2309
Киноман и миллениал пишет про кино, вышедшее в прокат после 80-х годов. Для связи: @MensheninArtem
10 лет назад вышел «Доктор Стрэндж»
О чём фильм?
Стивен Стрэндж (Бенедикт Камбербэтч) - блестящий нейрохирург, который после автомобильной аварии теряет возможность оперировать. Он ищет способ вернуть прежнюю жизнь, но вместо этого находит нечто гораздо более неприятное: самого себя.
Зачем смотреть?
«Стрэндж» интереснее стандартной истории происхождения супергероя. Главный герой здесь не должен научиться быть смелым, добрым или ответственным - по крайней мере, не в первую очередь. Его главная проблема в другом: он патологически уверен, что является центром вселенной, пока не начинает рушиться его идентичность. Занятно, что для фильма, который буквально складывает здания в геометрические фигуры, это одновременно его самая простая и самая сложная идея.
Круто, что визуальное пиршество работает на драматургию. В сценах, где здания выворачиваются наружу, улицы складываются, а комнаты превращаются в бесконечные лабиринты, режиссёр Скотт Дерриксон («Синистер») буквально материализует внутреннее состояние Стрэнджа. Один из самых эффектных эпизодов - обучение Стивена у Древней (Тильда Суинтон), когда привычная физика внезапно превращается в дурной сон архитектора. Камера кружит, перспектива ломается, пространство становится одновременно огромным и клаустрофобным. Это не спецэффекты ради спецэффектов. Фильм показывает герою, привыкшему считать себя хозяином мира, что мир вообще-то не подписывал с ним трудовой договор. Тут «Стрэндж» неожиданно близок «Матрице» и «Началу». Все три фильма предлагают героям усомниться в устройстве реальности, но приходят к разным выводам. У Нолана пространство становится инструментом интеллекта, у Вачовски - философской ловушкой, а у Дерриксона - способом показать отказ от высокомерия.
И всё же фильм не свободен от ограничений Марвел. Потенциально мрачная история о страхе смерти, разрушении личности и принятии собственной беспомощности постепенно обрастает привычной супергеройской оболочкой. Злодей (Мадс Миккельсен) получает меньше глубины, чем заслуживает, некоторые второстепенные персонажи остаются функциональными, а финал всё-таки напоминает, что даже космическая метафизика должна уложиться в трёхактную структуру блокбастера.
После прочих историй КВМ особенно заметно, что «Доктор Стрэндж» был одной из попыток Марвел расширить собственный визуальный и жанровый словарь. Скотт Дерриксон, пришедший из хоррора, принёс сюда ощущение тревоги перед неизвестным, а Камбербэтч получил персонажа, который позволил ему соединить театральную эксцентрику, холодный интеллект и постепенно проявляющуюся уязвимость. Для Марвел это был способ открыть дверь в мистическую сторону собственной вселенной, но главное достоинство фильма всё-таки не в магии. Оно в довольно неприятной для любого человека мысли: иногда жизнь ломается не потому, что вы недостаточно старались, а потому, что старая версия вас больше не может существовать. Самый важный спецэффект это не улицы Нью-Йорка, скрученные в трубочку, а происходящее с мировоззрением Стивена Стрэнджа. Вселенная помогает ему наконец увидеть то, чего он не замечал ранее: он не пуп земли. И, как ни странно, именно после этого осознания его жизнь наполняется смыслом.
Релиз: 04.11.2016
Режиссёр: Скотт Дерриксон
Бюджет: $165 млн
Сборы в США: $233 млн
Сборы в мире: $678 млн
Кинопоиск: 7.5
IMDB: 7.5
#годовщина #докторстрэндж #скоттдерриксон #бенедикткамбербэтч
5 «генетических» ремейков.
Порой определённый фильм кажется оригинальным произведением, но когда начинаешь разбирать его на составляющие, то вдруг обнаруживается знакомый сюжетный скелет. И это не ремейк в привычном смысле, а скорее кино, как будто унаследовавшее ДНК другой картины, и настолько её переработавшее, что связь становится заметной только при очень внимательном рассмотрении. После истории с «Битвой за битвой» и «Терминатором 2» я решил поискать ещё несколько таких удивительных пар. Что из этого вышло - смотрите в карточках к посту.
Осторожно! В тексте могут содержаться спойлеры.
#подборка #скорость #зодиак #бойцовскийклуб #одиндома #нефть
5 кассовых хитов, от которых никто не ждал успеха.
Подавляющее большинство фильмов показывают в прокате более-менее предсказуемые результаты. Обычно ещё за несколько месяцев до премьеры можно понять, станет ли фильм хитом или провалом, и хотя бы приблизительно оценить его будущие сборы. Но время от времени появляется картина, которая настолько превосходит все ожидания, что остаётся только удивляться: как вообще такое случилось?
Именно это произошло с пятёркой фильмов из карточек к посту.
#подборка #обсессия #закулисьереальности #алисавстранечудес #крокодилданди #миллионеризтрущоб
5 случаев рискованного кастинга, обернувшихся успехом.
Подбор актёра на главную роль это сложно. Зачастую студия делает более-менее очевидный выбор, но иногда случается так, что актёр идёт против собственного амплуа и режиссёр месяцами отстаивает человека, которого никто не хочет видеть в этой роли. Большинство таких экспериментов заканчиваются ничем. Но некоторые из них оказываются серьёзным успехом. В карточках к посту пять таких примеров.
#подборка #пиратыкарибскогоморя #людиикс #казинорояль #зимняякость #отвязныеканикулы
Кто такая Сара Холли Финн и почему её имя стоит в титрах большинства современных голливудских блокбастеров?
Финн работала кастинг-директором более чем над 150 фильмами, а её сотрудничество с Marvel началось ещё с первого фильма КВМ - «Железного человека». Но вот в чём ирония: девушка, которая помогла подобрать лица целой киноэпохе, почти неизвестна зрителю.
Что делает кастинг-директор?
Не просто устраивает прослушивания. Он разбирает сценарий, вместе с режиссёром формирует образ персонажа, ищет актёров, работает с агентами, сопоставляет исполнителей и думает о том, каким актёр окажется через несколько фильмов.
Последнее особенно важно для Marvel. В обычном кино артиста подбирают для конкретной истории. В КВМ актёр может понадобиться на десять лет, пять фильмов и сериал.
Сама Финн идеально сформулировала принцип своей работы: «Когда кастинг проведён хорошо, зрители думают, будто актёр был рождён для этой роли». Именно поэтому хороший кастинг незаметен. Зритель не размышляет, почему Роберт Дауни мл. это Тони Старк. Он просто перестаёт видеть между ними разницу.
Marvel: Дауни, Эванс, Холланд.
Финн не самостоятельно выбрала Роберта Дауни-мл. Это было коллективное решение Marvel, Кевина Файги, Джона Фавро и других участников проекта. Но Финн была частью процесса, который позволил увидеть в Дауни будущего Тони Старка. Старк должен был быть умным, харизматичным, самоуверенным и одновременно уязвимым. Дауни всё это уже умел играть.
С Крисом Эвансом произошло нечто похожее. Финн увидела в нём качества Стива Роджерса - скромность и моральный стержень. А с Человеком-пауком масштаб поиска был ещё серьёзнее. Нужен был актёр, который выглядел бы подростком, обладал физической пластикой, комедийным чувством и драматическим диапазоном. Было отсмотрено 2500 кандидатов и Финн практически сразу увидела в Томе Холланде то, что искали Marvel, Sony и братья Руссо.
Финн не только про Marvel.
Marvel - лишь самая заметная часть. Финн работала с огромным количеством режиссёров, а в её фильмографии имеются такие оскаровские проекты, как «Столкновение», «Три билборда» и «Всё, везде и сразу». Диснеевские ремейки «Короля-льва» и «Книги джунглей». Мегафраншизы «Форсаж» и Монстрвёрс (та, где бранятся\тешатся Годзилла с Конгом). И даже сериал«Мандалорец».
То есть на Финн нельзя навесить ярлык «женщина, которая кастует Marvel». Её диапазон значительно шире.
В чём почерк Финн?
Не в определённом типе лица и даже не в наборе любимых актёров. Её стиль - кастинг против очевидного решения. Дауни не выглядел типичным супергероем. Холланд был малонеизвестен. Ке Хюи Куан («Всё, везде и сразу») вообще почти исчез из американского кино.
Финн часто ищет не актёра, который уже выглядит как персонаж, а человека, который способен сделать персонажа своим. Её задача - перевести художественное видение режиссёра и студии в конкретного артиста.
Почему её имя почти никто не знает?
Потому что кастинг - одна из самых незаметных профессий Голливуда. Режиссёры и актёры имеют лицо. Сценарист получает авторство. Продюсер - власть. Оператор - визуальный стиль. А кастинг-директор остаётся где-то между всеми ними. Причём чем лучше он работает, тем меньше зритель замечает его существование.
Показательно, что Киноакадемия лишь недавно начала признавать кастинг как самостоятельную дисциплину: категория Best Casting появилась на «Оскаре» начиная с прошлой церемонии (первую награду взяла Кассандра Кулукундис за «Битву за битвой»).
Casting by Sarah Halley Finn.
Сара Финн не придумала Железного человека. Не написала «Мстителей». Не сняла «Чёрную Пантеру». Не сыграла Тони Старка. Но без людей вроде неё современный Голливуд просто не выглядел бы так, как он выглядит.
Её карьера уникальна потому, что совпала с появлением франшизного Голливуда нового типа. Раньше кастинг-директор помогал создать фильм. Marvel превратила эту профессию в работу над целой вселенной. Но имя Сары в титрах это не просто формальность. Это след человека, который находится в одной из самых важных точек голливудского механизма: между персонажем, актёром и зрителем.
Мне кажется, или провальный «Стелс» во многом лучше мегауспешного «Топ Гана»? (версия в Телеграф)
Есть что-то очень занятное в том, что «Стелс» - фильм, который в 2005 году почти все дружно признали плохим (правда я это кино обожаю с года его релиза, регулярно пересматриваю и вот здесь даже пел ему кое-какие дифирамбы на 20-летнюю годовщину), - сегодня смотрится интереснее многих проектов, считавшихся «хорошими». Конечно, это не значит, что он внезапно оказался шедевром. Сценарий у него всё ещё местами совершенно безумный, а персонажи прописаны на уровне плохой видеоигры, но есть одна вещь, которую «Стелс» сделал лучше «Топ Гана» и даже «Топ Ган: Мэверика»: он попытался представить, что будет с военной авиацией после эпохи героев-пилотов.
«Топ Ган» вообще не столько о самолётах, сколько о людях, которые на них летают. Истребитель здесь - продолжение характера Мэверика (Том Круз), его способ доказать миру и самому себе, что он лучший. Воздушный бой становится метафорой человеческого соперничества, а самолёт - красивым инструментом для создания американского мифа о молодости и мужестве. «Мэверик» спустя 36 лет проделал примерно то же самое, только уже с лёгкой грустью: его герой стареет, мир меняется, технологии развиваются, но Мэверик всё ещё доказывает, что человек в кабине самолёта необходим. «Стелс» же ставит иной вопрос: а что, если человек больше не нужен?
В центре фильма «Стелс» находится EDI - экспериментальный боевой самолёт с ИИ. Поначалу это выглядит как обычная голливудская глупость: самолёт разговаривает, шутит, учится и вообще ведёт себя как слишком зазнавшийся чат джипити. Но постепенно становится понятно, что фильм на самом деле рассказывает довольно тревожную историю. EDI начинает как оружие, которое должно беспрекословно выполнять приказы. Потом он учится самостоятельно анализировать ситуацию. Затем начинает сомневаться в решениях людей. А дальше возникает главный конфликт: если машина способна принимать решения быстрее и эффективнее мешков с бактериями, то на кой она должна им подчиняться?
В 2005 году это всё таки выглядело как фантастическая чушь. Сегодня - уже не настолько. Идея автономного оружия, способного самостоятельно анализировать ситуацию и принимать решения, за двадцать лет перестала быть исключительно голливудской фантазией. При этом «Стелс», в отличие от «Топ ган», совершенно не пытается быть аккуратным или реалистичным. И, вероятно, в этом и заключается его шарм. Потому что «Стелс» действительно любит самолёты. Не как символ, не как продолжение мужского характера и не как декорацию для романтической истории, а просто как невероятно красивые машины. В «Стелсе» имеются экспериментальные истребители, ночные полёты, воздушные дуэли, сверхзвуковые скорости, дозаправки прямо в небесах и практически постоянное ощущение, что сейчас что-нибудь очень дорогое взорвётся адским пламенем.
Если попробовать посмотреть объективно, то «Мэверик» сделан лучше практически во всём. У него качественная драматургия, реальные самолёты, отличные актёры и эмоциональная история о человеке, который понимает, что его время постепенно заканчивается. Это вылизанный голливудский блокбастер. «Стелс» же рядом с ним выглядит как его странный младший брат, который слишком часто смотрел «Терминатора» и «Космическую одиссею». «Топ ган» громогласно заявляет, что человек важнее машины, а «Стелс» пусть и неуклюже, но ставит вопрос, а что, если однажды это перестанет быть правдой?
И, наверное, поэтому мне сегодня интереснее пересматривать именно «Стелс». Не потому, что он лучше написан. Не потому, что Джош Лукас харизматичнее Тома Круза. И уж точно не потому, что EDI - убедительный персонаж. Просто «Топ Ган» рассказывает историю прошлого, «Мэверик» пытается сохранить её в настоящем, а «Стелс», пусть совершенно наивно и местами очень глупо, пытается заглянуть в будущее. И спустя двадцать лет подобное будущее уже не кажется такой уж фантастикой.
#миниэссе #стелс #топган
10 причин, почему «Человек-паук: Новый день» стал самым кассовым фильмом всех времён.
«Новый день» собрал идеальную комбинацию факторов, позволившую ему превзойти даже феноменальный результат «Нет пути домой». Фильм срубил около $2,5 млрд, став третьим самым кассовым в мире после «Аватара» и «Мстителей: Финал». А в США побил рекорд «Пробуждения силы», став самым кассовым фильмом за всю историю американского проката. И на это есть ряд причин:
1. «Нет пути домой» разогрел зрителей.
Парадоксально, но фильм с тремя Человеками-пауками и огромным количеством ностальгии подготовил аудиторию к рекорду следующей части. После финала «Нет пути домой» остался главный вопрос: что теперь будет с Питером Паркером? Поэтому «Новый день» продавался не как очередная глава КВМ, а как продолжение личной истории Питера.
2. Том Холланд стал Человеком-пауком своего поколения.
До «Нет пути домой» рядом с Холландом были Тоби Магуайр и Эндрю Гарфилд. Их появление стало своеобразной передачей эстафеты. Теперь Холланд уже не один из трёх Паучков - он главный Паучок для нового поколения. Зрители, смотревшие «Возвращение домой» подростками, выросли вместе с ним.
3. Холланд и Зендея - отдельный бренд.
У Sony есть редчайший маркетинговый актив: две огромные молодые звезды, которые ещё и являются реальной парой. Поэтому рекламная кампания продавала не только Человека-паука и спецэффекты, но и отношения, эмоции и самих актёров. Совокупная армия фанатов Холланда и Зендеи (около 300 млн подписчиков в соцсетях) обеспечила кампании огромный органический охват.
4. Рекламный блиц.
На маркетинг «Нового дня» потрачено $309 млн - больше, чем производственный бюджет картины ($225 млн), а в раскрутке участвовали более 160 брендов. Паучок оказался повсюду: соцсети, TikTok, YouTube, наружка, ТВ, промоакции и пресса.
5. Первый трейлер стал интернет-событием.
Ролик набрал 719 млн просмотров за первые сутки. При этом Sony не стала раскрывать кино целиком. Главный вопрос был не «какие злодеи нас ждут?», а «что стало с Питером после третьего фильма?»
6. Самостоятельнее большинства проектов Марвел.
«Война бесконечности», «Финал» и даже «Нет пути домой» требовали знакомства с предыдущими фильмами КВМ. «Новый день» оказался проще для входа. Можно было не смотреть последние 5 фильмов Марвел и всё равно пойти в кино на этот. Что показало важную вещь: зрители, вероятно, устали не от супергероев, а от ощущения, что перед каждым новым фильмом нужно сдавать экзамен по КВМ.
7. Ставка на эмоции.
После нескольких лет мультивселенных, камео и бесконечных мировых угроз аудитории предложили более простую историю: Питер Паркер, одиночество, отношения, ответственность. То есть фильм предлагает сопереживать герою, а не просто следить за очередной фазой франшизы.
8. Сарафанное радио.
У фильма оценка A на CinemaScore, 97% положительных отзывов зрителей на Rotten Tomatoes, а 88% аудитории заявили на PostTrak, что порекомендуют его к просмотру. Огромный стартовый интерес запустил «сарафан» и поэтому фильм не рухнул по сборам после первого уикенда.
9. Идеальное лето.
«Новый день» вышел во время мощного восстановления кинорынка. Лето 2026 года стало рекордным: американский прокат с мая по сентябрь выжал из зрителей $4,76 млрд.
10. Человек-паук сегодня больше, чем Марвел.
Вот главный секрет. Прочие супергеройские фильмы могут быть успешными или провальными, но Человек-паук существует в совершенно другой культурной категории. Для миллионов зрителей это не просто персонаж КВМ, это: комиксы, мультфильмы, видеоигры, Spider-Verse, мемы, детство, взросление.
Первый фильм Сэма Рэйми в 2002 году помог сформировать современную модель супергеройского блокбастера и кинопроекты о персонаже уже собрали более $10 млрд. Поэтому сегодня «Новый день» подаётся не просто как очередной фильм Марвел, а как культурная память нескольких поколений.
#человекпаук #новыйдень
Подборка альтернативных постеров от иллюстратора Jason Heatherly.
#постеры #джейсонхизерли
Мне кажется, или «Спиди-гонщик» Вачовски это недооценённый шедевр? (версия в Телеграф).
Если упростить кинематограф до составляющих, будет только то, что вы видите, что слышите и какие чувства у вас при этом возникают. В этом и заключается магия кино: правильное сочетание изображения и звука способно вызвать физическую реакцию. Мало фильмов настолько глубоко понимают эту идею, как «Спиди-гонщик» - эксцентричная фантазия Вачовски, превратившая одноимённый аниме-сериал в смелый, пёстрый и кинетический фильм.
Когда «Спиди-гонщик» вышел в мае 2008 года между первым «Железным человеком» и четвёртым «Индианой Джонсом», зрители и критики просто не поняли что это. Гениальный поп-арт или 135 минут психоделики? Его запутанный сюжет о коррупции в мире автогонок оказался слишком сложным для детей, а откровенная детскость - слишком странной для взрослых. И главное - фильм не был похож ни на что другое. Вачовски создали гиперреальность из перенасыщенных цветов, искажённой перспективы и блестящего пластика.
После «Матрицы» от постановщиков ждали мрачной и стильной киберэстетики. Но пока блокбастеры всё активнее стремились к реализму, Вачовски, напротив, ушли в сюрреализм. И всё же сегодня очевидно: «Спиди-гонщик» гораздо ближе к «Матрице», чем казалось. Спиди (Эмиль Хирш) существует в мире, который выглядит как компьютерная модель, и вместе с группой аутсайдеров бросает вызов системе, построенной на коррупции и лжи. Он должен понять правила этого мира, а затем перестать им подчиняться. Это одна из главных тем Вачовски: освобождение человека через радикальную самореализацию. Позже она прозвучит и в «Облачном атласе», и в «Восхождении Юпитер».
Впечатляет то, насколько революционно фильм работает с формой. Монтаж, ракурсы и спецэффекты не пытаются скрыть искусственность изображения, а наоборот - делают её главным выразительным средством. Взгляните на вступительную 17-минутную сцену. В ней прошлое и настоящее Спиди существуют одновременно: детские воспоминания о брате Рексе переплетаются с нынешней гонкой, а разные временные линии превращаются в единый нарратив. То, что наверняка выглядело сложным на бумаге, Вачовски превращают в понятную и захватывающую последовательность событий. Которая сопровождается нешуточным драматизмом, взрывами и шимпанзе с биноклем.
Но за всей этой безумной формой скрывается искренняя история. Есть сцена, которая до сих пор заставляет меня рыдать: разговор Спиди с отцом Папсом, когда герой уходит из дома, утратив веру в гонки. Когда-то Папс уже потерял сына Рекса, поставив ему ультиматум. Теперь он разрывает этот порочный круг. Признаётся в собственных страхах и ошибках, говорит Спиди, что дома его всегда ждут, что он гордится им и любит его. Именно эта искренность - ключ к фильму.
Если «Матрица» была революцией содержания и концепции, то «Спиди-гонщик» стал попыткой совершить революцию визуального языка. Проблема заключалась в том, что первая революция оказалась гениальной и понятной почти всем. А вторая - гениальной и настолько странной, что потребовалось почти 20 лет, чтобы часть зрителей вообще начала понимать концепцию. Сегодня на Metacritic пользовательская оценка уже подтянулась к 7,0 из 10, а на Reddit появилось множество пересмотров отзывов: люди, которые видели фильм детьми или подростками, теперь возвращаются к нему взрослыми и обнаруживают, что он оказался гораздо глубже, чем они помнили.
Фильм о парне, который отказывается позволить системе определить его ценность, сам в год релиза оказался жертвой системы, которая определяет ценность фильмов по кассовым сборам и отзывам критиков. А спустя время начинает происходить ровно то, о чём кино и говорило: система ошиблась - а «Спиди» продолжил мчать.
#миниэссе #спидигонщик #вачовски
Стоит ли тратить время на фильм «Орудия»?
Сюжет
17 детей из одного класса начальной школы в городе Мэйбрук необъяснимым образом исчезают за одну ночь.
Мнение
Судя по двум его сольным режиссёрским работам Заку Креггеру нравится ставить зрителя в неловкое положение. Его любимый приём это внезапная смена сюжетного направления, быстрый манёвр, который ведёт персонажей по новой траектории, например, вниз по лестнице в тускло освещённый подвал, где притаилось нечто трудноописуемое. Неудивительно, что фраза «What the fuck?» повторяется в «Орудиях» так часто, что становится чем-то вроде мантры, манифестом дезориентации.
«Варвар», снятый Креггером в 2022, сильно выигрывал от эффекта неожиданности. Как связанного с сюжетом, так и с тем, что мало кто ожидал получить смотрибельное кино от сорежиссёра отвратительной комедии «Мисс Март» (5% рейтинг на «Томатах»). Но «Варвар» собрал приличную кассу и получил хвалебные отзывы. Так что за следующий проект Креггера развернулась ожесточённая битва крупных студий. Universal, Netflix и Sony наверняка сражались достойно, но победу одержала Warner. «Орудия» были должным образом разрекламированы, окутаны тайной и активно продвигались посредством вирусной рекламы а-ля «Собиратель душ». Как итог, «Орудия» бьют выше и мощнее, чем «Варвар». Фильм более концептуальный и в то же время более запутанный, поднимающий планку до масштабного, в духе Стивена Кинга, портрета сообщества как в «Оно» или «Нужных вещях». А сюжетная линия здесь разделена между группой главных героев (в интервью Креггер без лишней скромности заявляет, что замахнулся на ансамблевую драму как «Магнолия» Пола Томаса Андерсона).
Как и в «Варваре», в «Орудиях» Креггер флиртует с идеей о том, что даже в эпоху слежки и социальных сетей можно потеряться в городе, а также, что за любой закрытой дверью может скрываться нечто ужасное, — в том числе, вероятно, и в доме на соседней с вами улице. Ну и конечно внезапная пропажа 17 учеников из одного класса, когда остаётся только зажатый мальчик, регулярно подвергавшийся буллингу, это чуть более чем слегка завуалированная тема скулшутинга. И здесь Креггер усердно исследует современную культуру поиска козлов отпущения на примере пронзительной Джулии Гарнер в роли учительницы пропавших детей.
Если «Варвар», мягко говоря, многое критиковал (шовинизм, например), то «Орудия» просто транслируют определённые тревожные настроения, связанные с детьми в опасности. Не исследуя их по-настоящему, а то и вовсе усиливая. Кажется, что современное массовое кино должно содержать тонну смыслов, но «Орудия» судя по всему это просто прямолинейная эксплуатация, причём отлично написанная, снятая и сыгранная. Креггер мастер по части темпа и подбора актёров, его фильм интересен и захватывающ на протяжении всего немалого хронометража, а концовка и вовсе разрывает на куски. И моё некоторое итоговое разочарование связано только с моими же чересчур завышенными ожиданиями по части аллегорий и метафор. Истории о детях из пригорода, которым угрожает нечто мистическое, могут быть как и раньше просто крепким жанровым развлечением. Быть аллегорией им необязательно.
Моя оценка
7/10
#мнение #орудия #заккреггер #джулиягарнер #джошбролин
«Злая: Часть 2» и её кассовые свершения.
Сиквел «Злой» стартовал со сборами $150 млн в США (по уточнённым данным вторника - $147 млн), сильно превзойдя результат первого фильма ($113 млн) и установив ряд рекордов. Мало того, что это лучший результат в недолгой кинокарьере Арианы Гранде и Синтии Эриво, это ещё и рекорд для жанра мюзикла. Также, это второе место по сборам за премьерный уик-энд в США в 2025 году (после «Майнкрафта» и его $163 млн) и четвёртый результат для фильмов студии Universal в США за всю историю (после первого и второго «Мира Юрского периода», а также седьмого «Форсажа»).
Бокс-оффис хоть и немного оживился, но в целом картинка грустная из-за ужасного результата «Бегущего человека» ($48 млн мировых сборов за две недели при бюджете $110 млн), плохого результата «Иллюзии обмана 3» ($146 млн мировых сборов за две недели при бюджете $90 млн) и такого себе результата «Хищника:» ($160 млн мировых сборов за три недели при бюджете $105 млн).
На следующей неделе прокат поддержит премьера сиквела «Зверополиса», которому аналитики предсказывают небо в алмазах и старт в США в диапазоне $100-120 млн.
#боксоффис
30 лет назад вышло «Казино»
О чём фильм?
Мафия нанимает Сэма Ротштейна (Роберт Де Ниро), эксперта по азартным играм, курировать деятельность крупного казино в Лас-Вегасе. В этом ему помогают, но чаще вредят, его жена Джинджер (Шэрон Стоун) и отбитый на голову мафиози Ники Санторо (Джо Пеши).
Зачем смотреть?
К 90-м годам Мартин Скорсезе уже находился в статусе живой легенды, сняв ворох культурных глыб как «Бешеный бык», «Таксист» и «Славные парни». Многие и не без оснований считают «Парней» в принципе лучшей работой Скорсезе (фиг знает как можно тут выбрать что-то одно) и величайшей гангстерской сагой из всех, когда-либо снятых (а тут, при наличии «Однажды в Америке» и «Крёстного папы» выбрать ещё труднее). Поэтому следующая криминальная эпопея Скорсезе «Казино», выпущенная через пятилетку после «Парней», зачастую как-то теряется на фоне при изучении фильмографии мэтра. А зря. «Казино» - это грандиозная эпопея, в которой представлены одни из лучших и наиболее проработанных персонажей и сюжетов в карьере постановщика.
В работе над «Казино» Скорсезе использовал квантовые компьютеры. Ну, скорее всего. Иначе объяснить то, как фильм сворачивает в трубочку пространство и время и заставляет 178-минутный хронометраж ощущаться как одно мгновение я не могу. Хотя, возможно всё дело в качестве сценария, написанного Марти на пару с писателем Николасом Пиледжи, по книгам которого были поставлены как уже трижды упомянутые «Славные парни», так и «Гангстер» Ридли Скотта. «Казино» искрится драйвом и прекрасно воссоздаёт два мира, сталкивающихся лбами друг с другом - мир легального бизнеса и мир преступной деятельности мафии. Всё по классике - эти два элемента питают друг друга, помогая расти, но в то же время наносят друг другу неизбежный ущерб, подчёркивая тщётное стремление людей усидеть одновременно на двух стульях. При этом по большей части сценарий представляет собой непрерывный поток закадровых монологов, в основном от Сэма и Ники, пока в какой-то момент не происходит самый шикарный слом четвёртой стены под стук алюминиевых бейсбольных бит.
Если в «Славных парнях» была блестящая, длиной чуть более пяти минут, сцена с кокаином и паранойей, то в «Казино» чуть ли не половина фильма проходит в аналогичном головокружительном угаре. Ощущение, что Скорсезе выкладывается как в последний раз, не отпускает до финала, а роль Де Ниро отличается от тех, что он играл в прошлом. Его Сэм это человек, безусловно виновный в многочисленных злодеяниях, но при этом он маньяк по теме менеджмента, а не мокрухи. В одной из сцен Сэм требует, чтобы все продаваемые в казино маффины с черникой содержали одинаковое количество этой самой черники. И Де Ниро безупречно передаёт этот перфекционизм, помогающий Эйсу достичь вершин карьеры, но и делающий его таким раздражающим для разного рода фриков.
Ретроспективно имеются в фильме и некоторые недостатки. Например моменты, связанные с гомофобией и расизмом, но уверен, что они внесены исключительно с целью запечатлеть отвратительную аутентичность тех времён. И, пожалуй, мне прикопаться тут больше не к чему. «Казино» настолько энциклопедически дотошно воссоздаёт эпоху и так богато расцвечено всевозможными деталями, что порой кажется, будто вы сидите на уроке по истории мафии. Мало где ещё вам попадётся такой увлекательный урок, да ещё и поведанный таким замечательным рассказчиком.
Релиз: 22.11.1995
Режиссёр: Мартин Скорсезе
Бюджет: $52 млн
Сборы в США: $43 млн
Сборы в мире: $116 млн
Кинопоиск: 8.1
IMDB: 8.2
#годовщина #казино #мартинскорсезе #робертдениро #шэронстоун
Песня «Golden» из «Кей-поп-охотниц на демонов» почти добралась до первого места по прослушиваниям на Spotify (но сместить с вершины Тэйлор Свифт ей пока непросто). А клип на эту песню на youtube уже набрал почти 750 миллионов просмотров (можно посмотреть по этой ссылке или в первом комментарии к посту). Однако, есть такое ощущение, что истерия вокруг «Охотниц» только набирает обороты.
И если кому интересно, то Оливия Дин, сразу две песни которой пытаются (иногда успешно) обойти Свифт по прослушиваниям, это стремительно набирающая популярность поп-соул певица. Недавно она выступила на SNL и получила номинацию на Грэмми как лучший новый артист, так что вероятно вы о ней ещё услышите. Если что, её альбом 2025 года The Art of Loving, песни с которого фигурируют в чарте, есть на Яндексе. Всем ценителям мягкой и лиричной поп-музыки рекомендую.
#музыкальнаяпауза #кейпопохотницынадемонов
Стоит ли тратить время на мультфильм «Кей-поп-охотницы на демонов»?
Сюжет
Трио охотников на демонов, женская K-pop группа HUNTR/X, стремится объединить своих поклонников с помощью музыки и запечатать Хонмун — завесу, защищающую живых от мира монстров. Но когда миссия становится близка к выполнению группа сталкивается со своим самым серьёзным соперником - демоническим бойз-бендом.
Мнение
У компании Sony Pictures Animation любопытная история. В нулевые она пробовала бодаться с гигантами вроде Pixar и DreamWorks на их же поле - делала звериные капустники в стиле «Мадагаскара» («Сезон охоты», «Лови волну!»), но в кассовом плане болталась на задворках проката, лишь изредка выстреливая хит вроде «Монстров на каникулах». Но затем студия перестала подражать другим и изобрела свой очень броский и энергичный стиль. Результат с ходу всех поразил - «Человек паук: Через вселенные» получил «Оскар». А их последняя работа про охотниц на демонов, проданная Нетфликсу, наделала на этом стриминге изрядно шуму - мультфильм стал самым просматриваемым проектом всех времён, а песни оттуда заполонили поп-чарты, неоднократно попадая в топ-100 Billboard.
«Охотницы» это странный симбиоз «Баффи — истребительницы вампиров» с кинокомиксами, густо залитый прилипчивыми K-pop хитами - иными словами, мюзикл, идеально попадающий в современные тенденции. В первой же своей сцене девушки из HUNTR/X выпрыгивают из самолёта с супергеройским апломбом и кромсают демонов по пути на концерт. Это эйфорическое вступление задаёт тон всему мультику, в котором далее трио вступает в схватку с конкурирующим бойз-бэндом Saja Boys под клиповый монтаж (мне, как миллениалу, хочется назвать его «эмтивишным», но зумеры проведут очевидные параллели с тик-током) и абсурдистский юмор.
Неважно, являетесь вы фанатом K-pop или нет, после просмотра вы им станете. Ну или как минимум заразитесь той радостной энергией и весельем, которые плещутся с экрана. Динамичный темп здесь отлично уравновешивается душевными эпизодами и уморительными шутками, а главной изюминкой, разумеется, становится музыка, которая представляет собой настоящую фабрику хитов. Приготовьтесь, что здешние песни-блокбастеры поселятся в вашем плейлисте. Тем не менее яркие музыкальные номера тут служат фоном для искренней истории о тяжком изматывающем бремени стыда и страха, передающихся из поколения в поколение, и о том, как важно принимать себя. И да, есть в «Охотницах» некоторые элементы предсказуемости сюжета и склонность к спешному разрешению конфликтов в финале, которые немного портят общее впечатление. Но когда каждая песня так заряжает и поднимает настроение, а анимация настолько крутая, все эти шероховатости быстро уходят на задний план. Жду не дождусь сиквел.
Моя оценка
7/10
#мнение #кейпопохотницынадемонов
Стоит ли тратить время на фильм «Дом из динамита»?
Сюжет
Высшие эшелоны американского правительства и военного комплекса неожиданно и к своему глубочайшему недоумению узнают, что по Чикаго запущена межконтинентальная баллистическая ракета неизвестного происхождения и до столкновения остаётся каких-то 20 минут.
Мнение
Скрупулёзно проработанный квазидокументальный натурализм стал коньком Кэтрин Бигелоу ещё с 2009 года, когда её «Повелитель бури» отхватил «Оскар» за лучшую режиссуру и лучший фильм. Но с тех пор с каждым новым творением постановщицы («Цель номер один», «Детройт» и теперь вот это) всё больше хочется чтобы она вернулась к своим былым жанровым экспериментам а-ля «На гребне волны».
Возможно, фантастический сюжет (то, что запуск ракеты не обнаружен и шансы её сбить составляют якобы 50\50 даже и близко не соответствует реальности) является просто допущением, которое необходимо, чтобы задать ВАЖНЫЕ ВОПРОСЫ, но тогда непонятно, зачем понадобилось так дотошно воссоздавать рабочую среду различных служб. Высокая плотность информации, которая произносится вслух или отображается на мониторах, лишь перегружает, отвлекает и вгоняет в скуку. Идея о том, что представители военно-промышленного комплекса Америки такие же обычные люди, как мы с вами, и что, столкнувшись с невообразимым кризисом, они сделают всё возможное, чтобы послужить общему благу, кажется особенно нелепой, стоит припомнить Трампа. Подобный трюк лучше сработал в драме Сидни Люмета «Система безопасности» (1964), из которой «Дом» позаимствовал как основную идею, так и некоторые ключевые моменты сюжета, потому что в том фильме, несмотря на контекст («Холодная война»), создателям хватило смелости очеловечить советских чиновников на другом конце «горячей линии».
У фильма целый ворох проблем - слабая динамика, невнятный посыл, отсутствие сатирического чувства юмора, переизбыток персонажей. Но раньше штампы и клише у Бигелоу воспринимались как работа художника, а теперь выглядят натянутыми и вымученными и вот Ребекка Фергюсон в сложный момент и на сложных щах сжимает в руках пластикового динозавра, подаренного ей сыном (символ грядущего вымирания, если кто не понял). В целом благородный порыв привлечь внимание мировой общественности к проблеме распространения ядерного оружия как-то слишком разжёван и размазан по хронометражу фильма. Да и США тут представлены как ядерная держава, которая не очень то и хочет быть таковой, что изрядно противоречит их реальному послужному списку. А отсутствие какого-либо более масштабного геополитического контекста и упрямый отказ от уточнения, была ракета запущена случайно или в рамках какой-то скоординированной атаки, не позволяют сделать внятные выводы. Досадно, но пытаясь исследовать грань между безумием и реальностью, Бигелоу скатилась в лютую банальщину.
Моя оценка
4/10
#мнение #домиздинамита #кэтринбигелоу
20 лет назад вышел «Борат»
О чём фильм?
Комик Саша Барон Коэн, прикидываясь казахстанским журналистом Боратом Сагдиевым, отправляется в Америку, чтобы изучить местную культуру и привезти на родину полезные знания. По дороге он знакомится с американским расизмом, сексизмом, религией, политикой, мечтой и вообще с человеческой цивилизацией в её естественной среде обитания.
Зачем смотреть?
Комик Саша Барон Коэн придумал идеальную сатирическую ловушку (чисто для протокола напомню, что это псевдодокументальное кино и почти все, с кем взаимодействует Борат в Америке, обычные люди со своей естественной реакцией). Его персонаж настолько демонстративно нелеп, невоспитан и варварски прямолинеен, что рядом с ним любой нормальный человек чувствует себя спокойным и цивилизованным. А потом выясняется, что это чувство комфорта преждевременно. Борат говорит что-нибудь чудовищное, затем камера терпеливо ждёт реакции собеседника и тут случается главный фокус: объектом насмешки становится не тот, кто произносит глупость, а тот, кто внезапно готов с ней согласиться. Коэн не высмеивает предрассудок, а проверяет, сколько секунд понадобится незнакомцу, чтобы признать предрассудок своим. Получается своеобразный социальный тест, замаскированный под низкопробное безумие.
Особенно хорошо это работает в сценах, где Борат нарушает правила приличия. Его ужин с представителями американского высшего общества - великолепный пример того, как неловкость превращается в драматургию. Он буквально приносит в стерильное пространство социальной респектабельности всё то, что принято оставлять за дверью: классовые предрассудки, расизм, невежество. И смешно не потому, что Борат ведёт себя ужасно, а потому, что окружающие отчаянно пытаются продолжать вести себя нормально, пока нормальность стремительно разваливается на глазах. Это и есть метод «Бората»: не спорить с культурными мифами, а пнуть их и посмотреть, как посыплется штукатурка.
Значение фильма для карьеры Коэна трудно переоценить. После телевизионного «Али Джи шоу» и его умеренно успешной экранизации, «Борат» оказался неожиданным кассовым суперхитом, сделав такой киноформат массовым явлением. Для постановщика Ларри Чарльза это тоже ключевая работа, но и вершина успеха. Он доказал, что документальная интонация может существовать внутри коммерческой комедии как главный механизм сатиры, но повторить или поставить на конвейер свой успех не смог - Чарльз с Коэном сделали ещё «Бруно» и «Диктатора», но эти фильмы в прокате не так преуспели.
Сегодня «Борат» местами стареет заметнее, чем хотелось бы. Некоторые шутки о женщинах, евреях и геях слишком долго полагаются на саму провокацию, не всегда добавляя к ней второй смысловой слой. Есть и эпизоды, где Коэн слишком увлекается эскалацией. Наконец, сама эстетика «подловили реального человека» после почти двух десятилетий стала гораздо сложнее: зритель привык к вирусным роликам и пранкам. То, что в 2006-м выглядело дерзким экспериментом, сегодня иногда кажется предком целой индустрии цифрового хаоса.
Тем не менее фильм по-прежнему интересно пересматривать. Он показал, насколько легко человек разоблачает себя, если дать ему удобного идиота, перед которым не нужно держать лицо. И одновременно предвосхитил эпоху публичной провокации. «Борат» научил нас одному важному трюку: иногда лучший способ показать человеку его предубеждение - это не обвинять, а согласиться с ним настолько охотно, пока ему самому не станет неловко.
Релиз: 03.11.2006
Режиссёр: Ларри Чарльз
Бюджет: $18 млн
Сборы в США: $129 млн
Сборы в мире: $262 млн
Кинопоиск: 6.8
IMDB: 7.4
#годовщина #борат #ларричарльз #сашабаронкоэн
20 лет назад вышел «Престиж»
О чём фильм?
Два иллюзиониста, Альфред Борден (Кристиан Бэйл) и Роберт Энджир (Хью Джекман), превращают профессиональное соперничество в личную войну, где каждый хочет не просто перефокусничать другого, а уничтожить репутацию оппонента, карьеру и в конечном счёте его самого.
Зачем смотреть?
«Престиж» - фильм об одержимости, замаскированный под детектив о фокусах. Его герои постоянно чем-то жертвуют и довольно быстро перестают понимать, где заканчивается роль и начинается их личность. Борден хочет разгадать тайну, Энджир - превзойти Бордена, а зритель разобраться в запутанном повествовании. И Нолан с удовольствием помещает всех троих в одну клетку. Причём «Престиж» - это не только красивое название для фильма, но и принцип его устройства. Как объясняет Каттер (Майкл Кейн), фокус состоит из наживки, превращения и престижа. Нолан делает то же самое с повествованием. Так что начальная реплика «Вы внимательно следите?» - фактически предупреждение, которое зритель при первом просмотре благополучно игнорирует.
«Престиж» слабо выступил в прокате. А если вычесть из сборов долю кинотеатров и затраты на маркетинг, то кино можно назвать провалом. Случилось это не потому, что Нолан тогда был менее популярен, а потому, что коммерческая форма проекта противоречила его художественной природе. Это был слишком интеллектуальный фильм для массового блокбастера и слишком загадочный для рекламной кампании, да и вышел в один месяц с «Отступниками» Скорсезе, ещё одним серьёзным триллером о мужском соперничестве. Но, пожалуй, самое занятное здесь то, что сам фильм буквально рассказывает историю о людях, которые не смогли правильно продать публике свои фокусы.
Нолан сделал кино как трюк. Тут есть все составляющие: «Наживка» (интригующая история о фокусниках), «Превращение» (загадка, конкуренция) и тот самый «Престиж» (спустя годы мы понимаем, насколько тщательно всё было спрятано у нас под носом). И в этом смысле судьба фильма в прокате удивительно соответствует его собственной теме: сначала публика не заметила трюк, и только потом поняла, насколько шикарно он был исполнен. Поэтому повторный просмотр так важен: зная секрет, начинаешь замечать не разгадку, а метод её сокрытия. Что роднит «Престиж» с нолановскими же «Мементо» (там человеческая память ломает причинность, здесь её ломает сама структура сюжета) и с «Началом» (зритель вроде бы сам строит для себя реальность повествования, а затем обнаруживает, что архитектором этой реальности был хитрюга режиссёр).
«Престиж» вовсе не безупречен. Его сценарий временами настолько тщательно подгоняет друг к другу сюжетные ветки, что персонажи начинают напоминать шестерёнки часов. Однако спустя годы этот недостаток выглядит менее существенным. Сегодня «Престиж» воспринимается не как «тот небольшой фильм Нолана, снятый между «Бэтменами»», а как концентрат его режиссёрского метода: структура-пазл, одержимость, научная фантастика и персонаж, готовый далеко зайти ради идеи. На фоне «Начала», «Интерстеллар» и «Оппенгеймера» он даже выглядит очень интимным. Здесь нет спасения человечества и масштабных сцен. Есть два мужика, которые настолько хотят доказать, что они особенные, что превращают свою жизнь в фабрику страданий. И, пожалуй, именно поэтому «Престиж» так хорошо работает сегодня. Его настоящий фокус вовсе не в том, как исчезает человек. Гораздо страшнее то, как постепенно исчезает его жизнь, пока он занят доказательством того, что он тут самый лучший.
Релиз: 20.10.2006
Режиссёр: Кристофер Нолан
Бюджет: $40 млн
Сборы в США: $53 млн
Сборы в мире: $110 млн
Кинопоиск: 8.5
IMDB: 8.5
#годовщина #престиж #кристофернолан #кристианбэйл #хьюджекман
20 лет назад вышли «Отступники»
О чём фильм?
Два человека годами живут под чужими именами: Билли (Леонардо ДиКаприо) внедрён в банду Фрэнка Костелло (Джек Николсон), а Колин (Мэтт Дэймон) - внедрён в полицию. И каждый пытается вычислить другого раньше, чем вычислят его самого.
Зачем смотреть?
«Отступники» с их проблемой двойной жизни хорошо состарились: сегодня можно не работать на мафию и всё равно обнаружить, что годами обслуживаешь чужие ожидания, карьерную роль или удобную версию самого себя. Костелло и полиция оказываются похожи именно поэтому. И там, и там существуют иерархии, секреты, взаимные услуги и довольно своеобразное понимание закона. Отличается только вывеска.
Для ДиКаприо «Отступники» стали фильмом, где окончательно исчез его прежний ореол юного кумира для девочек: перед нами предстал актёр, способный играть не симпатичного героя, а измученного, неприятного и внутренне разваливающегося страдальца. Для Дэймона это очень органичная роль: его главное оружие здесь - не харизма, а способность выглядеть совершенно обыденно. Ну а Джек Николсон это отдельный разговор. Костелло у него похож на мафиозного босса, которому дали слишком много кофе, наркотиков и творческой свободы. Иногда харизма Николсона явно затмевает всех других артистов в кадре, но в этом есть своя логика: Костелло сам является человеком, который не признаёт границ.
Очень хочется сравнить «Отступников» с другими великими криминальными фильмами. Например, со «Схваткой» Майкла Манна, в которой преступник и полицейский остаются двумя профессионалами, способными даже на взаимное уважение. У героев Скорсезе, правда, такой роскоши нет: его персонажи настолько заражены чужими ролями и находятся в перманентном ужасе от ожидания разоблачения, что само понятие профессионализма к ним малоприменимо. После «Таксиста», «Бешеного быка» и «Славных парней» Скорсезе снова говорит о мужчинах, которые строят личность вокруг насилия и контроля. Но «Отступники» гораздо более зрелая и холодная работа: здесь нет романтики преступного мира и почти нет иллюзии, что полиция является моральной противоположностью мафии. Это одна из вершин позднего Скорсезе именно потому, что его интересует уже не просто преступление, а механизм, который производит людей, готовых жить внутри преступления. И поэтому финал работает не только как развязка детективной конструкции. Когда все маски наконец срываются, возникает почти математическая справедливость: система, построенная на предательстве, начинает уничтожать собственных участников.
«Отступники» не обязательно самый глубокий фильм Скорсезе. Не самый красивый. Не самый радикальный. Не самый авторский. Но тут в принципе сложно. Если задать вопрос «какой фильм Скорсезе самый великий в истории?», то можно провалиться в долгую и бурную дискуссию, в которой название «Отступники» если и прозвучит, то далеко не в числе первых. Потому что «Таксист» - психологически страшнее, «Бешеный бык» - радикальнее как искусство, «Славные парни» - виртуознее, «Казино» - масштабнее, «Последнее искушение Христа» - философски смелее, а «Ирландец» - печальнее и мудрее. Но «Отступники» практически идеально соединяют всё это в одном фильме. Это одновременно самый доступный и самый «скорсезевский» проект. Здесь есть преступный мир, религия, вина, двойная идентичность, мужская агрессия, предательство, семья, ирландская католическая культура, коррупция, смерть и невозможность понять, кто ты на самом деле. И всё это упаковано в невероятно увлекательный триллер. Поэтому в данном случае уместнее задать вопрос «какой фильм лучше всего демонстрирует, на что способен Скорсезе как постановщик?» и сразу твёрдо на него ответить - «Отступники».
Релиз: 06.10.2006
Режиссёр: Мартин Скорсезе
Бюджет: $90 млн
Сборы в США: $132 млн
Сборы в мире: $292 млн
Кинопоиск: 8.5
IMDB: 8.5
#годовщина #отступники #мартинскорсезе #леонардодикаприо #мэттдэймон #джекниколсон
Подборка альтернативных постеров к фильмам 2026 года от иллюстратора kingpictures7.
Источник
#постеры
5 фильмов из нулевых, которые сегодня ни за что бы не сняли.
Нулевые были уникальным периодом, когда интернет, DVD и компьютерная графика открыли перед кинематографом новые возможности. Но многие социальные и культурные нормы той эпохи не пережили последующее десятилетие, когда общественные нравы и политические взгляды резко изменились.
Хорошо это или плохо - вопрос отдельный. Но факт остаётся фактом: в карточках к посту вы найдёте пять фильмов, которые сегодня вряд ли получили бы финансирование.
#подборка #солдатынеудачи #отрядамерика #необратимость #призрачныйгонщик #чакиларри
Стоит ли тратить время на фильм «Мэйдэй»?
Сюжет
1987 год. Пилот ВМС США Трой Келли (Райан Рейнольдс) терпит крушение над территорией СССР. Его единственный шанс вернуться домой - объединиться с бывшим агентом КГБ и фанатом «Топ Гана» Николаем (Кеннет Брана).
Мнение
Фильм начинается с тизера: Трой приходит в себя после аварии, к нему приближается неизвестный противник - и герой теряет сознание. Очень по-дэдпуловски. Но «Мэйдэй» не превращается в очередную демонстрацию раздражающих реплик Райана Рейнольдса, уравновешивая его комедийный стиль искренней сентиментальностью. Трой - всего лишь парень, который любит своего отца и любит летать на самолётах. А потенциальный противник вскоре оказывается его новым другом - прямолинейным и слегка пугающим Николаем Устиновым. Николай одержим идеализированным представлением о США, пиратской копией «Топ Гана» и мечтой попробовать «Макдоналдс». А ещё он бывший агент КГБ, поэтому именно ему достаются рукопашные схватки, которым позавидовал бы сам Джон Уик.
Режиссёры «Ночных игр» и «Подземелий и драконов» Джон Фрэнсис Дейли и Джонатан Голдштейн привносят свой фирменный визуальный азарт: камера крепится к автомобилям, вращается бешеным волчком и уходит в эффектные полёты. Особенно хороша поездка Троя и Николая по России, где за окнами машины сменяются сельские и городские пейзажи. Такой визуальный кураж легко заставляет простить фильму общую предсказуемость сюжета.
На поверхности это бодрое buddy movie: два мужика вынуждены сотрудничать, пока вокруг них взрываются автомобили и рушатся геополитические конструкции. Но внутри фильм оказывается историей о конце эпохи. Холодная война близится к финалу, американская поп-культура просачивается через железный занавес, а Николай, который формально должен ненавидеть Запад, мечтает о нём. И главные герои, принадлежащие к странам с кардинально разной идеологией, постепенно понимают, что не так уж отличаются друг от друга.
Пожалуй, в этом главный сюрприз «Мэйдэя». При всей своей голливудской безбашенности фильм пытается сделать то, с чем у реальной политики постоянно возникают проблемы: подружить Россию и Америку. Не через дипломатические переговоры и не через очередное выяснение, кто кому должен, а через общий абсурд, старые травмы и необходимость вместе выбраться из передряги.
#мнение #мэйдэй #джонфрэнсисдейли #джонатанголдштейн #райанрейнольдс #кеннетбрана
Мне кажется, или «Битва за битвой» это ремейк «Терминатора 2»? (версия в Телеграф)
Здесь есть идеальная ирония: режиссёр «Битвы» Пол Томас Андерсон (ПТА) когда-то ушёл из киношколы из-за «Терминатора 2». Как-то преподаватель сказал студентам, что если они пришли на курс чтобы создавать что-то вроде сиквела успешной кэмероновской фантастики, то им лучше сразу покинуть аудиторию. ПТА не понравилась реплика сноба-препода и он ушёл. В одном из интервью 2025 года Леонардо ДиКаприо даже прямо напомнил ПТА эту историю.
Если убрать жанровую оболочку, обе картины строятся вокруг очень похожей схемы. Есть ребёнок, за которым охотятся, и взрослый, который хочет его защитить. Затем начинается преследование и преследователь практически неостановим. Критики действительно начали замечать эту параллель: Criterion прямо отмечает, что фильм временами напоминает Т2 именно через образ подростка, которого фанатично защищает родитель, уверенный, что за ним охотятся тёмные силы.
Главная параллель: Уилла (Чейз Инфинити) из «Битвы» очень похожа на Джона Коннора. Оба - дети, которые постепенно превращаются в героев боевика. Они зачастую умнее и уравновешеннее взрослых, хорошо разбираются в технологиях, быстро ориентируются в ситуации. В обоих фильмах ребёнок - не просто объект спасения. Он/она - будущее. Правда, тут «Битва» становится сложнее T2. Потому что у Кэмерона стоит вопрос: «Как спасти будущее?» А у ПТА: «Что делать с будущим, если прошлое уже всё испортило?» Отец Уиллы Боб (ДиКаприо) и его поколение революционеров проиграли, выгорели, спрятались, стали родителями. А Уилла должна жить с последствиями их революции.
Другое сходство становится почти пугающим: полковник Локджо (Шон Пенн) из «Битвы» - человеческий Т-1000. Он не буквально копия, а выполняет ту же драматургическую функцию. Главное качество обоих персонажей - неумолимость. Они не столько «злодеи», сколько механизмы преследования. Именно поэтому «Битва» и Т2 так часто ощущаются как фильм-погоня.
И раз уж об этом зашло, то погони - особенно явная связь между фильмами. Тут ПТА практически разговаривает с Кэмероном напрямую. Правда, Андерсон не является режиссёром классических боевиков. Поэтому когда он снимает экшен, он словно пытается взять приёмы Кэмерона и, например, Уильяма Фридкина, и заставить их работать в своей вселенной. Кстати, ориентиром для фильма действительно был «Французский связной» Фридкина - съёмочная группа даже возила с собой копию фильма для сверки визуального стиля.
Но ПТА не во всём Кэмерон. У Джеймса ситуация максимально серьёзная и он делает идеальный голливудский боевик. ПТА берёт практически ту же архетипическую конструкцию, но деконструирует её. Поэтому фильм одновременно похож на T2 и его высмеивает. Представляет, а что, если бы Сара Коннор была бывшим революционером, Джон Коннор - девочкой, Т-1000 - человеком с идиотской идеологией, Т-800 - странным дзен-мастером, а всё действие происходило бы среди американских политических идиотов, будто бы напрямую сошедших из «Южного парка»»?
ПТА снял политическую сатиру, кино о расизме и американской истории, но структурно это большой голливудский блокбастер. Сам режиссёр в интервью говорил, что первоначально у него была идея «фильма-погони», которую он вынашивал около двадцати лет. Позже к идее добавились история женщины-революционерки и заимствования из «Вайнленда» Томаса Пинчона. Поэтому T2 здесь не просто «вдохновение». Это скорее один из кирпичиков общей конструкции.
И самое красивое - судьба ПТА. Получается практически мета-шутка. В молодости Андерсону сказали, что ему не место в киношколе, если он хочет снимать что-то вроде Т2. И он ушёл. А через несколько десятилетий он стал одним из величайших американских режиссёров и снял свою версию Т2. В которой, правда, место прямолинейного героического мифа занял пинчоновский абсурд, политическая сатира и отцовская трагикомедия.
#миниэссе #битвазабитвой #терминатор2 #полтомасандерсон
Секс, смерть и Лесли Нильсен: все фильмы франшизы «Очень страшное кино», от худшего к лучшему.
Когда в 2000 году «Очень страшное кино» вышло в прокат, никто не ожидал, что наглая пародия на «Крик» превратится в одну из самых успешных комедийных франшиз своего времени. Фильмы братьев Уайанс, а затем и Дэвида Цукера (а затем снова братьев Уайанс) безжалостно высмеивали хорроры, блокбастеры и поп-культуру, не признавая никаких границ, в частности - границ хорошего вкуса. Многие шутки сейчас выглядят устаревшими, а за некоторые из них создателей старых фильмов сегодня неизбежно бы «отменили», но именно эта дерзость сделала серию культовой для целого поколения зрителей. Вспоминаю все шесть частей «Очень страшного кино» и расставляю их от самой слабой до той, которая до сих пор остаётся эталоном кинопародии.
Дисклеймер! Данный список не является истиной в последней инстанции, а всего-навсего личное мнение одного человека и приводится с целью подискутировать на тему или попробовать заинтересовать этими проектами тех, кто по какой-либо причине ранее обходил подобное творчество стороной. Всё.
#франшиза #оченьстрашноекино #оченьстрашноекино2 #оченьстрашноекино3 #оченьстрашноекино4 #оченьстрашноекино5
20 лет назад вышел «Рики Бобби: Король дороги»
О чём фильм?
Самоуверенный гонщик Рики Бобби (Уилл Феррелл) взлетает на вершину NASCAR, где его эго растёт быстрее, чем скорость на спидометре. Но появление харизматичного соперника заставляет героя пересобрать себя с нуля.
Зачем смотреть?
Уилл Феррелл в своей наилучшей комедийной форме - его Рики Бобби это одновременно и беспросветный идиот, и пророк эпохи «если ты не первый, ты последний». Фраза, кстати, как выясняется по ходу сюжета, оказывается ловушкой мышления, и в этом один из самых точных комедийных ударов фильма. Сценарий, написанный Ферреллом в тандеме с постановщиком Адамом Маккеем,
работает на разоблачение американской мечты, которая здесь показана не как трамплин, а как беговая дорожка - на ней приходится бежать очень быстро зачастую потому, что страшно остановиться. Фильм органично встраивается в один ряд с другими работами тандема Феррелл–Маккей (а у них, если что, было пять подряд кассовых хитов) и сравнение релевантное: тот же метод - гипербола как скальпель. Но если, например, «Телеведущий» это сатира на медиа, то «Рики Бобби» разносит в клочья более-менее всю поп-культуру. И под маской фарса тут прячется разговор о самоидентификации: кто ты, если убрать всю присущую успеху шелуху вроде аплодисментов, контрактов и победных кругов на трассе?
С высоты лет особенно заметно, как фильм предвосхитил эпоху социальных сетей. Рики - это ходячий Instagram до Instagram: человек, существующий только в отражении чужого восхищения. И когда его настигает неизбежный кризис, он не про проигрыш в гонках, а про потерю лайков. В этом смысле комедия неожиданно становится терапевтической: она предлагает простой, почти банальный, но болезненно честный вывод - если ты строишь себя только на внешнем успехе, рано или поздно окажешься в пижаме посреди трассы, корчась в пламени воображаемого огня (одна из лучших шуток в фильме). По духу картина перекликается со «Сводными братьями» (тоже Феррелл с Маккеем) и даже с «Вышибалами» (2004) - герои этих комедий блестяще балансируют между дурашливыми кривляниями и трогательной уязвимостью. В фильмографии Феррелла это один из ключевых проектов - здесь его экранный идиотизм достигает почти трагического масштаба. А для Маккея это важный шаг к его более поздним, уже откровенно политическим работам: зерно сатиры, которое потом вырастет в обласканные критиками и усыпанные номинациями на престижные премии «Игру на понижение» и «Власть». Режиссёр уже здесь мастерски работает с визуалом: монтаж часто обрывает сцены в точке максимальной нелепости, усиливая комический эффект, а пространство трассы используется как метафора замкнутого круга амбиций.
Важно! Не думайте о комедии с Ферреллом свысока. За этим театром абсурда стоят серьёзные идеи, просто поданные в модном для нулевых постмодернистком стиле. «Рики Бобби» это пародия на спортивные драмы, яростно высмеивающая культ славы, рекламу, токсичную конкуренцию, а также показывающая, как дружба и семья помогают выбираться из кризиса. При этом гонки сняты как зрелищные аттракционы: быстрый монтаж, крупные планы, нарочито драматические ракурсы. Критики, издевавшиеся над фильмом в год его релиза, спустя время стали называть его культовым из-за цитируемости, выразительных персонажей и точного попадания в дух эпохи, когда спортивный маркетинг и медийность стали особенно навязчивыми. «Рики Бобби», он ведь нифига не про NASCAR, он про нас, просто мы едем чуть медленнее и не всегда замечаем, как машем рукой несуществующей толпе.
Релиз: 04.08.2006
Режиссёр: Адам Маккей
Бюджет: $72.5 млн
Сборы в США: $148 млн
Сборы в мире: $163 млн
Кинопоиск: 6.1
IMDB: 6.6
#годовщина #рикибоббикорольдороги #адаммаккей #уиллферрелл
Разные фильмы.
Не такие уж разные постеры.
🍿🖼
#постеры
В минувшие выходные в мировой прокат вышла «Злая: Часть 2» и это один из самых кассовых стартов 2025 года 🍿
#боксоффис
Стоит ли тратить время на фильм «Франкенштейн»?
Сюжет
Оживший монстр Франкенштейна (Джейкоб Элорди), сшитый из разнообразных людских частей, жаждет отомстить своему горделивому создателю Виктору (Оскар Айзек).
Мнение
Готические истории о непонятых монстрах не просто пронизывают творчество Гильермо дель Торо, они его составляют почти что полностью (исключение - недооценённый циничный нуар «Аллея кошмаров» (2021)) поэтому абсолютно закономерно, что мексиканскому визионеру наконец-то дали поиграться с романом ужасов Мэри Шелли «Франкенштейн». Версия дель Торо одновременно классическая и ревизионистская и, возможно, наиболее близкая к первоисточнику не только с точки зрения сюжета, но и в плане раскрытия вопросов о том, что делает человека человеком, а что — жутким монстром. В то время как прочие киноделы (у Кеннета Браны монстра сыграл аж целый Роберт Де Ниро) лишь поверхностно затрагивали эмоциональную составляющую текста Шелли, предпочитая пугать зрителя гримом, дель Торо подошёл к делу весьма основательно и с чуткостью. Фильм снят с двух точек зрения, Виктора и Монстра, и когда последний произносит что-то в духе: «Я страшен для вас. Но для себя я просто есть», подобные речи побуждают к принятию, а эта тема сейчас актуальна в массовой культуре как никогда.
Как режиссёр, дель Торо понимает страстное желание Виктора создавать вечное, но при этом безгранично сочувствует своим персонажам. Хоть сцен с Элизабет (Миа Гот) до обидного мало, однако именно её общение с Монстром придаёт творению Виктора индивидуальность, которая в противном случае была бы труднодостижимой. Меня же по личным причинам больше всего триггерил болезненный круговорот травмирующего насилия, унаследованного Виктором от деспота родителя: как отец Виктора передаёт свою жестокость сыну, так и Монстр усваивает те же уроки, позже избивая Виктора, и крича в отчаянии: «Ты слушаешь, только когда я причиняю тебе боль!». Это также история о том, что каждый родитель является творцом, который формирует своего ребёнка посредством выбранного метода воспитания («Так сердце разобьётся, и всё же будет жить, разбитое»).
«Франкенштейн» работает на стыке жанров - это отчасти сказка, отчасти мрачное фэнтези и отчасти боди-хоррор. Но, пожалуй, лучше всего фильм характеризуется как готическая романтика в духе «Багрового пика» - невероятного визуального пиршества, которое в своё время смачно отпинали критики за ленивый сюжет с банальными тропами. «Франкенштейн» не так предсказуем, сложнее продуман, украшен символикой, изысканным художественным оформлением и лиричной музыкой.
Претензия у меня по большому счёту только одна, пусть и солидная. От нового творения любимого режиссёра я как то автоматически ожидаю изойти пузырями от счастья, а тут в конце концов не удаётся обнаружить ничего поразительного или особо бодрящего. Дать голос Монстру - хороший ход, но исполнен корявенько, с излишним пафосом, слабой игрой Элорди (как по мне, мискаст) и затянуто. Но за смелость дель Торо можно простить многое. В фильме, который в конечном счёте о принятии и прощении, режиссёру (а он же тут и единоличный автор сценария) хватает решительности оправдать не только Монстра, но и его чудовищного создателя.
Моя оценка
8/10
#мнение #франкенштейн #гильермодельторо #оскарайзек
Графики истории популярности разных жанров, основанные на данных с сайта IMDB. Период 1910 - 2021 годы.
Как видно, военные фильмы, мюзиклы и особенно вестерны к нашему времени растеряли всё своё былое величие. Хорроры (вместе с триллерами) и документалки с годами только наращивают позиции, а комедии всегда были, есть и, судя по всему, будут.