10165
CINEMA IS PUNK❗️ Официальный канал продакшна «Место силы» Номер заявления РКН: № 6620396718 https://mc2production.ru Для связи: @mc2_production Бот «Чёрный ящик mc2»: @black_box_mc2_bot 18+
Привет.
Это Место силы.
Кино снимают для зрителя. Но значит ли это, что зритель должен диктовать, каким ему быть? Сегодня в нашей рубрике «5 мнений» представители индустрии отвечают на вопрос: «Должно ли кино подстраиваться под запрос аудитории?»
Их размышления читайте ниже и делитесь, что думаете вы!
Part 1
Буду говорить только за себя. Для меня, как режиссера, фильм — это прежде всего диалог со зрителем. Поэтому мне важнее выстраивать обратную связь с аудиторией, чем прямо следовать её запросам. Такой подход мне понятнее.
Каждый раз, когда я начинаю работу над фильмом или сериалом, один из первых вопросов, которые себе задаю: для кого я это делаю? Я думаю об аудиторию, с которой буду вступать в диалог, и одновременно спрашиваю себя: интересно ли мне самому вести этот разговор и владею ли я языком, на котором смогу быть понятным этому зрителю. Это скорее вопрос настройки, чем подстройки. Лично у меня это не математический расчет, а скорее интуитивный подход.
Попытка слепо подстроиться под аудиторию, которую не чувствуешь, обычно обречена. Легко быть пойманным на фальши. В лучшем случае будешь выглядеть неуместно, в худшем — смешно.
Кино не должно быть эгоистичным, но и не должно превращаться в погоню за ожиданиями зрителя. Необходимо быть интересным друг другу. Тогда будет и успех, и удовольствие)
Тимофей Жалнин, режиссёр, сценарист
Бывают создатели, которые подстраиваются под запрос зрителей, а бывают те, кто не подстраивается. Я за вторых. Уверен: кино не должно подстраиваться под аудиторию в глобальном смысле. По одной простой причине: кино — это искусство, а искусство должно оставлять после себя новый опыт.
Недаром фильмы называют «картинами». Бывают картины, которые пишут под заказ или ради общего хайпа. А бывают такие, которые художник делает как некое открытие, или тот же опыт, чтобы поделиться им с миром.
Но тут есть подвох, и я хочу быть честным сам с собой.
Подстраиваться под запрос — это ж не одно действие, а как минимум два разных. Первое: дать зрителю ровно то, что он уже хочет, что он уже видел и просит ещё. Второе: говорить со зрителем на языке, который он понимает. И вот это второе — это на самом деле очень важно. Если это будет несусветная заумь, ее просто-напросто не поймут. Или бывает еще так, что художник презирает зрителя — это уже совсем другая крайность долбоебизма.
Поэтому я бы переформулировал. Вопрос не в том, подстраиваться или нет. Вопрос в том, кто кому задаёт направление. Подстраиваться под запрос — значит идти за зрителем, плестись в хвосте зрительского вкуса, который сформировали до тебя и без тебя. А вести зрителя за собой — значит давать ему опыт, который он сам бы не заказал, потому что не знал, что такое бывает. Никто не просил «Сталкера». Никто не писал в комментариях запрос на «Догвилль». Эти вещи не отвечали на спрос — они его создавали.
Настоящая ловушка слова «запрос» в том, что аудитория не знает, чего хочет, пока ей это не покажут. Меня на самом деле очень часто спрашивают с деловитым интересом, мол: «А что сейчас нужно студии? Что сейчас нужно индустрии?» — как будто на это есть правильный ответ.
Запрос — это всегда шаг назад, в уже виденное. А искусство, оно, как правило, всегда смотрит вперёд. Если бы кино только обслуживало запрос, оно бы застыло (не сложно провести параллель с современным российским кино, правда?)
Так что моя позиция такая. Кино не должно подстраиваться под запрос. Но оно обязано уважать зрителя — достаточно, чтобы говорить с ним внятно, и достаточно, чтобы верить, что он способен на новый опыт, а не только на повторение знакомого. Я стараюсь не обслуживать спрос. Но я и не делаю вид, что зрителя нет. Я делаю картину, которую сам хотел бы увидеть, — и доверяю, что найдётся тот, кто захочет увидеть её вместе со мной.
Саша Носков, креативный продюсер mc2
Всем привет! На связи Никита Лундин.
Рубрика «Неинтересный кинофакт»: принято считать, что создатели «Фарго» были первыми, кто использовал титр «основано на реальных событиях» в качестве маркетинговой уловки. Но на самом деле первым был Михаил Круг с песней «Фраер», ведь она не могла быть написана со слов центровой красючки Нины Картинки и тверской сводницы Клавки-Помидорихи, потому что в реальности их даже не существовало.
Привет.
Это Место силы.
В прошлый раз мы искали исцеление в кино, а сегодня поговорим о том, что нас уже достало. Где хочется нажать «стоп» и сказать: «Ребята, давайте хотя бы пять лет без этого».
В этот раз в нашей рубрике «5 мнений» представители киноиндустрии ответили на вопрос: «Какой тренд в кино вам хочется запретить хотя бы на ближайшие пять лет?»
Читайте ниже — и не сдерживайтесь в комментариях😉
Если говорить про российское кино, я бы запретила тренд показывать в кадре колоски. Это уже стало буквально «общим местом» и сильно напрягает при просмотре фильмов и сериалов.
А если серьёзно — я бы запретила тренд на следование конъюнктуре (в плохом смысле этого слова).
Мне кажется, сегодня и в России, и в целом в мире существует определённый страх выбиваться из общей массы. Часто кино создаётся по понятной схеме: есть набор ожиданий, проверенных решений и представлений о том, каким проект «должен» быть. И большинство стараются этим правилам следовать. Люди боятся отпустить себя и сделать не похожее ни на что кино.
Но по-настоящему ценными для нас как раз становятся фильмы, которые противостоят общему потоку, рискуют и говорят с нами на собственном языке. Безусловно, талантливые проекты появляются и сейчас, но, как правило, талантливо в них сделаны какие-то отдельные моменты, а когда кино становится цельным, ярким и действительно авторским высказыванием, это до сих пор воспринимается как исключение, а не как норма.
Поэтому я бы запретила не какой-то конкретный жанр или приём, а страх выделяться, быть непохожим на остальных. Хочется, чтобы у авторов было больше свободы для смелых и неожиданных высказываний — ведь именно они в итоге и продвигают кино вперёд.
Сусанна Альперина, автор канала Alperina
О, дорогие коллеги, это очень смелый вопрос, и на него не получится ответить не смело.
Не в моих компетенциях что-либо запрещать, я вообще против запретов, но если представить, что завтра мы проснёмся и всё будет по-другому, вот как бы это выглядело: я бы не надеялась на «хайп» как на двигатель процесса. Актёр, актриса, режиссёр выстрелили — всё, надо расписать их на пять лет вперёд. Молодой талант ещё не завоевал доверие и любовь зрителя, а он уже — звезда. Так же и с историями. Понятно, что сейчас кризис идей, но я бы убрала тренд на франшизы и многосезонность, ведь видно же, когда герои едут по протоптанной дорожке и ничего интересного с ними не происходит.
А ещё я вижу тренд: индустрия снимает для индустрии. Время вспомнить, для чего мы снимаем и создаём контент…
Не для того, чтобы попасть на тот или иной фестиваль. Не для того, чтобы отчитаться перед фондами и инвесторами. А для того, чтобы творчеству было больше места. Время позаботиться и о зрителе тоже.
Юлия Хамитова, автор канала «Вызывной»
Безумно хочется запретить тренд запрещать! В остальном — пусть зритель голосует вниманием и рублём.
Елена Милиховецкая, редактор mc2
Тренд, который мне хочется запретить на пять, а то и больше лет, уже далеко не новый, но, к сожалению, не сбавляющий обороты. Речь про игровые ремейки анимационных проектов. Я прекрасно понимаю, почему они продолжают штамповаться (это прибыльно), но в то же время совершенно не понимаю, зачем смотреть их, если есть оригинальный мультфильм. Можно предположить, что Disney переснимает свою классику, потому что ей сто лет в обед, а технологии и нравы не стоят на месте. Но кейсы вроде «Моаны», между анимационным оригиналом и игровым ремейком, которому всего 10 лет, вызывают искреннее недоумение. Даже если ремейк сделан компетентно, как в случае с «Как приручить дракона», сам факт его существования для меня крайне сомнителен. Этим, кстати, грешит не только Голливуд, но и наша киноиндустрия, пытающаяся отстраниться от западного влияния, но при этом копирующая её модели в каждой «новогодней битве».
Вадим Богданов, автор канала «Дневник Патерсона»
Привет. С вами Ежов, и сегодня хочу обсудить одну важную тему: Как вводить правила мира (особенно фэнтезийного) так, чтобы не перегрузить ими зрителя?
Скажем сразу: это одна из сложнейших сценарных задач.
Ее решение зависит от типа истории:
а) она разворачивается в отдельном мире, не имеющего ничего общего с нашим («Звездные Войны», «Властелин Колец»);
б) фэнтезийный мир существует параллельно нашему («Матрица», «Гарри Поттер»).
Первый случай, пожалуй, самый проблематичный для сценариста, и работающих в сегодняшних реалиях решений тут почти нет.
Делать так называемый «скролл» — ползучие титры из «Звездных войн» или не ползучие как в «Бегущем по лезвию» — это уже не комильфо. Зритель, в конце концов, пришел кино смотреть, а не книжку читать.
Есть вариация «скролла» — это монтаж под закадровый голос. Хрестоматийный пример — «Властелин колец». Сценаристка Филиппа Бойенс рассказывала, что они с Питером Джексоном эту открывающую сцену десятки раз переписывали, пока не нашли идеальную реализацию. Однако высок риск, что и такая версия будет звучать как занудный урок истории.
Пожалуй, единственный возможный вариант «скролла» — это пропустить его через некий фильтр, найти для него яркое и подходящее тональности проекта художественное воплощение. Например, книжка со сказкой в «Шрэке» (как вам, кстати, тизер пятой части?) работает, потому что она не просто в той же тональности, что и фильм, но и является по сути самим фильмом в миниатюре: рассказывается стандартная сказка и тут же выворачивается наизнанку — комментарием Шрека, отрыванием страницы и склейкой на кабинку туалета.
Но, все же, если вы не адаптируете мощное IP (и если вы не Питер Джексон), то истории, которые требуют подобных открывающих сцен, лучше вообще не писать.
Для второго типа — параллельный нашему фэнтезийный мир — есть действенный прием, а, точнее, два. И они обязательно должны идти один за другим — как дубль в боксе — иначе ничего не получится.
Первый удар: покажите как этот мир работает через действие с минимумом объяснений. Первые полчаса в «Матрице» мы вообще не понимаем, что происходит, но выглядит все это очень захватывающе. То же самое в первом «Гарри Поттере» — мы видим трех магов и их способности, а позже и способности самого Гарри, который пока не умеет их контролировать. Но в начале историй правил мира мы не понимаем.
Второй удар: сделайте так, чтобы ключевой персонаж (надежнее — главный герой, но не обязательно) знакомился с фантастическим миром вместе со зрителем. И Нео, и Гарри «приводят» в новый для них мир персонажи-проводники. И если вы хорошо сделали свою работу с первым актом, то зрителю будет НЕ ТЕРПЕТЬСЯ послушать экспозицию и разобраться уже наконец в тех самых правилах мира. Он с радостью послушает пятиминутный урок от «Морфиуса» или высидит несколько академических часов с Гарри Поттером.
Если бы психолог прописал вам три фильма/сериала в качестве лекарства, что это было бы?
Part 2
Я думаю, что это были бы лайтовые комедии, драмеди или боевички, причем не полнометражные, а сериальные. Они отлично расслабляют и позволяют хотя бы на время отвлечься от проблем. Отвлекать от трудностей — все же одна из важнейших функций кино.
Думаю, мне бы точно прописали легковесный, но очаровательный «Офис», или какой-нибудь долгоиграющий пустяковый боевик типа американского «Новичка».
Ну, а на роль драмедийного и терапевтического сериала отлично подойдет британская «Чистота», главная героиня которой сталкивается с психологическими проблемами, но не сдается и пытается начать новую жизнь
Иван Ковальчук, автор каналов «Культовые русские сериалы», «Получка»
«Дрянь» — это моя Римская империя.
«Сорри, бэйби» — Ева Виктор бьёт чётко по всем болевым точкам, но после финала становится полегче на душе.
«Любовники» — могу пересматривать бесконечно и кайфовать от музыки, визуала, актёров, вообще от всего. Лечебное для меня кино.
Юлия Клейм, автор канала the bingewatcher
Привет! На связи Павел Тимофеев, режиссёр «Встать на ноги», и сегодня хочу рассказать вам историю про кота.
В пятом эпизоде нашего сериала появляется кот. Его мы попросили в церкви, больно приглянулся: хороший, рыжий, толстый. Батюшка выдал нам пушистого актёра с возвратом.
Итак. Снимаем мы очередную сцену на улице, в ней Гоша должен принести кота в кофейню. Ничего не предвещает беды. И тут в кота буквально вселяется дьявол. Прямо в кадре он вцепляется в руку Гоше, истошно орёт, вырывается и убегает в закат (видео с этим легендарным побегом сохранилось, но оно не для слабонервных — в целях безопасности вашей нервной системы мы решили его не показывать😅). Пытались поймать его всей командой, но ничего не вышло.
Дальше пришлось выкручиваться: этого кота мы уже целый день снимали, и переснимать все сцены возможности не было. Я звонил Носкову, мы придумывали по телефону, как поступить, как переписать, как оправдать. Идея пришла: давайте возьмём другого кота и не будем скрывать. Этот вариант и вошёл в итоге в сериал. Так что, если вы задавались вопросом, почему в проекте мы сделали двух разных котов, теперь вы знаете всю правду.
Кстати, церковного питомца нашли спустя 4 часа. Успокоили, покормили, и отправили обратно к батюшке — бесов изгонять. Нельзя ему было, видимо, выходить за пределы священного места.
P. S. Другого кота, запасного, мы нашли под машиной в соседнем дворе, благо в Пятигорске их много
Что сегодня сильнее влияет на успех проекта: его качество или маркетинг?
Part 2
Ответ на этот вопрос — разный в разные времена. Во времена стримингового бума России рубежа 2010-х и 2020-х успех проекта определял маркетинг. Тогда уровень оригинальных проектов онлайн-кинотеатров неумолимо стремился ввысь, и отечественное кино существовало в одном конкурентном поле с Netflix, Apple, Amazon и другими глобальными игроками. Оригинальное производство работало на привлечение в подписку, а любой сериал боролся за внимание и каждого зрителя. Поэтому с ростом престижа креативного продюсера/шоураннера росла и ценность маркетолога, который мог этого шоураннера аудитории продать.
Сегодня важнее качество проекта, потому что аудитория российского кино давно сложилась, привлечение замедлилось, а библиотека и качество продукта стали важнее эксклюзивов каталога. Теперь мало привести аудиторию на фильм или сериал — аудитория должна на нём удержаться вплоть до самого конца, чтобы у сериала появился сарафан, чтобы контент продавал себя сам, чтобы подорожавшее привлечение для заказчика проекта окупилось на дистанции. Это не значит, что маркетинг теперь не важен. Скорее, из-за дефицита кадров, проблем с контентом и недостатка конкуренции мы оказались в ситуации, когда сильный оригинальный контент is the king. Таких сильных кейсов стало кратно меньше, потому и сколько аудитории ни приводи, удержать её теперь сложнее. Особенно в условиях вновь процветающего пиратства, которое теперь спокойно живёт на «легальных» площадках.
Влад Копысов, автор канала «Заскриптованный»
Немного позанудствую, потому что если не я то кто.
Прежде всего нам надо определиться с терминами: «успех» и «качество».
С точки зрения маркетинга «успех» — это если куплен билет или просмотрено определенное количество минут на стриминге. Как при этом зритель относится к проекту, остается ли от него какой-то заметный след в поп-культуре, значения, в общем-то, не имеет. Я, вот, например, с огромным трудом посмотрел сериал «Эйфория», но с точки зрения платформы HBO Max я повилял на его безоговорочный успех. А что заставило меня давиться этим сериалом? Прежде всего ощущение культурной значимости, которое витало в воздухе, типа, «все смотрят».
Недавно в New York Magazine вышла большая статья о том, что, если коротко, все наши алгоритмы в соцсетях на 90% состоят из скрытого маркетинга. Все эти якобы органические посты о различных фильмах, сериалах, музыкантах и так далее, в большинстве своем — стэлс-маркетинг. Оттуда, частично, и создается ощущение FOMO, «страха упущения». Оттуда следует и мое убеждение, что «Эйфорию» «надо» посмотреть. И тогда, как бы противно это ни было, но ответ на вопрос становится: маркетинг влияет сильнее.
Но теперь о «качестве». Кино это все-таки не колбаса, ГОСТа тут нет. «Ведьма из Блэр» снята на дешевый камкордер, но не думаю, что у кого-то повернется язык назвать этот кинофеномен «некачественным» (кстати, говоря о маркетинге, вот где рекламная кампания была гениальной, когда многие зрители верили, что фильм — это реальная запись, и люди в кадре действительно пропали). А какой-нибудь «Дом дракона» снят так, что не докопаешься, но «качественным» мне этот сериал не кажется совершенно.
Однако я часто замечаю, что по-настоящему сильные проекты мимо зрителя не проходят, даже в отсутствии яркого маркетинга. Вспомните, что вообще-то первый сезон «Очень странных дел» стал популярным абсолютно органически, безо всякой раскрутки. Или, скажем, сейчас я от разных знакомых слышу про сериал «Бухта вдов», которого Apple TV будто бы стыдится — а зря. Это, пожалуй, лучший сериал года. Так что с этой точки зрения ответ на вопрос, пожалуй: качество проекта (в значении «проект приходится по вкусу большому количеству людей») влияет на успех сильнее.
Но, на самом деле, друзья, у каждого из нас свои стандарты качества. И критерии успеха тоже. И даже маркетинг подстраивается под каждого из нас, и чем дальше, тем больше. Так что привет от моего информационного пузыря вашему!
Кирилл Ежов, креативный продюсер mc2
Продолжаем делиться мудбордами «Волшебного участка»🔥
Сегодня смотрим, чем вдохновлялись художники при создании персонажа Мерлина.
Образ мага получился по-настоящему уникальным: его халат был отшит в единственном экземпляре из ретро-ткани, которой более ста лет. Об этом Аня Баштовая (художник по костюмам) рассказывала в нашем подкасте.
Эскиз образа, созданный Дарьей Белоусовой, — на фото 3. А каким получился финальный результат, вы можете увидеть на первых двух фотографиях!
Приветик! Маркин на канале.
Меня часто спрашивают: «Зачем ты обманываешь, что тебя о чём-то часто спрашивают?» После такого вопроса я стараюсь избежать ненужной полемики и сразу отвечаю на другой вопрос: «Что делать, если персонажи получаются одинаковыми?»
Самому сценаристу довольно сложно понять, что в истории персонажи одинаковые: ведь у нас в голове вся история работает ярко и все персонажи в ней исключительны и преисполнены индивидуальности. Но если редактор (или ещё кто-то) подкидывает вам замечание «персонажи говорят одинаково» или что-то схожее, то скорее всего вас не любят , или действительно персонажи вашей истории одинаковы. И замена речевой стилистики вам мало поможет, потому что это следствие непроработанности персонажа.
Как проработать персонажей?
Вы почти всегда знаете всё про главного героя. Проблема «одинаковости» — болезнь второстепенных персонажей. Их надо структурировать. И оттолкнуться следует от цели главного героя или его убеждения. Персонажи вокруг вашего героя — носители противоположной или альтернативной точки зрения на ситуацию/цель/убеждения героя. И их поступки должны быть мотивированы этой позицией.
Уффф. Окунулись в глубины теории драматургии. Но ничего, через неделю уравновесим — проведём мастер-квас по каламбурам.
Всех обнял с одинаковой силой сжатия!
Part 2
Мы ведём канал вдвоём, поэтому и ответов получилось два. У каждого – своя личная травма, показанная на VHS в неподходящем возрасте.
Вадим Дутов: Сложно сказать какой фильм травмировал меня окончательно и бесповоротно. В детстве, посмотрев фильм Гремлины (1984), получил удовольствие и казалось фильм закончился, а я в порядке, но затем прозвучала финальная фраза перед титрами: Если у вас сломался кондиционер, или взорвалась стиральная машина, или вышел из строя видеомагнитофон; прежде чем вызывать ремонтника, включите весь свет, проверьте все шкафы, загляните под все кровати, потому что никогда нельзя сказать наверняка — в вашем доме может быть гремлин.
Она заставила меня на долгое время бояться ходить в ванную, которая находится в тёмном закутке квартиры, особенно, когда шумно работала стиральная машина, болтаясь из стороны в сторону. Порой по ночам до сих боюсь вставать с кровати и идти в тот закуток, если приспичило, приходится включать свет во всей квартире. С тех пор не люблю смотреть ужасы, а моей защитной реакцией на них стал смех. Хотя Заку Креггеру удалось пробудить интерес к хоррорам, вот только теперь я боюсь ещё ярко-накрашенных женщин в парике.
Сергей Литвинов: я перебрал с десяток фильмов, которые оставили в душе заметные шрамы. Вот только короткий список того, что может травмировать любую психику:
— «Вий». Спасибо за мертвенно-бледный лик Натальи Варлей, который чудился в каждом тёмном закутке.
— А как вам злой заяц-робот с его безэмоциональным механическим смехом из «Ну, погоди!». Вот что по-настоящему ломает психику людей, а не волк с ружьём.
— «Белый Бим Чёрное Ухо»... до сих пор не пересматриваю.
Вспомнил даже куклу Чаки и инопланетных ёжиков-убийц Зубастиков. Из-за них я боялся темноты… до 30 лет! Но если серьёзно и честно, самый травмирующий опыт случился там, где совсем не ждёшь подвоха.
Я до сих пор не могу понять, как такое вообще показывали детям. В совершенно безобидном мультфильме «Том и Джерри» совершаются бесконечно жестокие издевательства над котом. Тома режут, сбрасывают с высоты, бьют сковородками, взрывают… А он всего лишь хотел поймать мышь – ну, знаете, как нормальный кот. Или просто поспать. Но нет, каждую серию его превращают в котлету.
Я люблю котиков. Не надо так.
Сергей Литвинов и Вадим Дутов, авторы канала script bro
Я с детства смотрю всевозможные хорроры, по-моему, лет в 8 тайком от родителей посмотрел «Муху» Кроненберга, но ничего из этого не травмировало меня так, как сцена из первой серии сериала «Сегун» (2024), где одного из матросов заживо сварили в чане. Это показано настолько жутко и натуралистично, что мне почему-то стало плохо и преследовало в кошмарах, хотя ранее ничего подобного не было.
Дамир Ханифуллин, автор канала «Чак-чак паланик»
мне было четырнадцать. я шла домой после первого свидания с мальчиком-художником — воодушевлённая, немного в облаках — и крутила в голове одну фразу, которую он обронил под конец вечера: «ты очень напоминаешь мне «Пианистку» Ханеке».Читать полностью…
я не знала этого фильма. но звучало красиво.
пришла домой, открыла интернет, нашла. начала смотреть. думала — вот оно, что-то важное, что он во мне разглядел. ну и фортепиано, конечно, совпадение приятное.
а потом наступила сцена в кинотеатре. потом ещё одна, которую я не буду описывать.
и я сидела перед экраном с одним большим вопросом: что именно он имел в виду?
с тех пор каждый раз, когда я вижу Изабель Юппер, я думаю об этом свидании. и о том мальчике. и о том, что некоторые комплименты лучше не проверять.
что там было в фильме … if you know you know.
Эрна Асатрян, автор канала «кино под белое сухое»
Всем привет!
С вами Елена Соколова — художник по гриму сериала «1703». Сегодня немного повспоминаем этот проект: расскажу, почему на съёмках мы боялись рассветов как вампиры и как создавались образы героев.
Эта нуарная комедия города белых ночей позволила нам погрузиться в мир мифов, легенд и библейских мотивов — всего того, что магическим образом переплелось в истории «1703».
Например, образ Авроры (фото 1–3) менялся на съёмках буквально со скоростью света: появлялись новые шрамы и татуировки, более яркие акценты в макияже, менялась причёска. На создание её грима уходило около двух часов. Дерзкий и одновременно романтичный стиль Авроры во многом вдохновлён героинями Патрисии Аркетт из «Настоящей любви» Квентина Тарантино и Доминик Суэйн из «Лолиты» Эдриана Лайна.
Полной противоположностью Авроры стала Маша (фото 4–5) — воплощение элегантности и утончённости классического Голливуда 1950-х. Кстати, актриса София Лебедева сама предложила использовать линзы с увеличенной радужкой — это добавило её героине ещё больше мистицизма.
Для образа Паши Подкользина (Единорога) мы тщательно изучали криминальные татуировки (фото 6–7), в том числе легендарную коллекцию Аркадия Бронникова — Russian Criminal Tattoo.
А вот главного героя Вадика (фото 9) приходилось гримировать буквально на ходу. Сцены проездов в машине снимались единым блоком: ребята делали круг на машине, мы прямо на дороге хватали его (Вадика), стирали старые синяки, рисовали новые — и они снова уезжали на круг. И так повторялось много раз. Представляете: четыре часа, и каждые пятнадцать минут тебе стирают глаза и заново наносят грим…
Ещё у нас было много вариантов смерти Черкасова. В одном из них героя должны были проткнуть насквозь. Решение появилось довольно поздно, поэтому весь день мы тестировали разные варианты на нашем втором режиссёре (смотрите видео). Нужно было понять, как закрепить реквизит на шее так, чтобы длина шипа выглядела правдоподобно и при этом он не перевешивал конструкцию. В итоге всё получилось, но в сериал так и не вошло))) Зато опыт был отличный!
Ну и главный страх на этом проекте — питерские белые ночи. По сюжету всё происходило ночью, а вот в реальности рассвет наступал слишком рано. Самые сложные сцены с кровью почему-то всегда оставались «на десерт». И вот ты стоишь в лабиринтах дворов, небо светлеет буквально на глазах, а актёра нужно успеть отмыть до следующего дубля. Мы правда боялись рассветов как вампиры — но, кажется, именно это и помогло создать нужную атмосферу.
Продолжаем разбирать наши архивы🔥
Сегодня делимся пробами Жаргала Бадмацыренова на роль Кэста в сериале «Актёрище». Изначально продюсеры KION рассматривали других актёров, но режиссер Дима Невзоров переубедил их своим «да, он (Жаргал) классный, его надо брать!» Об этом Дима, кстати, рассказывал в одном из выпусков нашего подкаста.
В итоге Жаргал прекрасно вписался в сериал и сделал роль Кэста яркой и запоминающейся. Показываем «до» и «после»: от первых проб актера и до финального монтажа!
Гоше Куценко – 59! 🥳
От всего сердца: с днём рождения, дорогой наш!
А идеальное поздравление тебе уже написал Саша Носков, нам остается только присоединиться и подписаться под каждым словом. 👍
Привет.
Это Место силы.
Мы проводим в офисе миллионы часов за разгонами на разные киношные темы — от претендентов на главную награду в Каннах до адаптации «Сверхъестественного» в России. Поняли, что такие обсуждения должны выходить за пределы нашего опенспейса. Поэтому запускаем новую рубрику — «5 мнений».
Каждый раз мы будем приглашать по 5 представителей киноиндустрии и задавать им один вопрос. Посмотрим, в чем мы совпадаем, а в чем, наоборот, расходимся. И, конечно, нам интересно не только мнение приглашённых экспертов, но и точка зрения всего нашего коммьюнити. Поэтому всегда ждём вас в комментариях!
Начинаем с важного для индустрии вопроса: Какое одно изменение сделало бы российское кино заметно лучше?
Ниже — 5 дебютных мнений👇
Одно из главных изменений, которое могло бы сделать российское кино лучше, — меньше страха перед новым языком и новыми людьми.
Наша индустрия всё ещё очень замкнута на проверенных именах, привычных интонациях и понятных формулах. А самое интересное кино в России сегодня появляется именно из под пера тех авторов, кто пытается говорить своим голосом, спотыкается, ищет новое. Ещё молодых и голодных до того, чтобы рассказать миру о чём-то важном.
кино про тебя
Если бы к маркетингу генеральные продюсеры относились, с такой же серьезностью, как они относятся к утверждению сценария, препродакшну, съемкам и постпродакшну.
То есть сделать разработку стратегии маркетинга на этапе девелопмента на уровне полноценного цеха, чтобы к выпуску фильма, люди, от которых продажи зависят чуть ли не в первую очередь, уже заранее знали КОМУ, ЧТО и КАК они собираются продать. Это бы способствовало росту малобюджетных жанровых экспериментов, которые рано или поздно создали бы то, что так рьяно пушит нашу индустрию: прецеденты, формулы и новые лица. Этапы согласования стратегий, материалов, путей распространения должны согласовываться за два года до выхода, а не за две недели, когда все смелые и дешевые решения банально не доходят до подписей на утверждения, потому что маркетологи просто не имеют временного ресурса донести все идеи до самой верхушки продюсерской цепочки.
Макс Шишкин, автор канала «ШишКИНО»
Мне глобально не кажется, что с российским кино что-то не так. Оно проходит те же пути, что и крупное американское кино. У нас сейчас все жалуются на засилие сказок, у них было засилие комиксов. И интерес к ним охладевает, как мы все видим. Так же будет и со сказками.
Я бы просто хотел, чтобы авторское российское кино вышло из сегмента авторского (= недружелюбного к зрителю) и попало в сегмент мейнстрима. То, что сделали А24, Neon, то, чем сейчас будет заниматься Шон Бейкер — курировать направление авторского кино и всячески его продвигать.
Мне кажется, это мы точно можем поправить в нашей индустрии — поднять авторское кино в раздел мейнстрима. Придумать, найти способы, как всем вместе (маркетингом и содержанием) сделать так, чтобы это кино, если было не наравне по сборам с «Чебурашкой», то хотя бы, чтобы оно давало возможность зарабатывать. Если это станет бизнесом, тогда вся индустрия авторского кино расцветет.
Слава Шмидт, креативный продюсер мс2
Когда ребята из «Места силы» озвучили свой вопрос, ответ я знал сразу, но сформулировать его так, чтобы меня самого не выгнали из индустрии, у меня не получалось несколько дней. Пока я не прочитал одно интервью Андрея Кончаловского. В нем он цитирует другого коллегу:
«Мы коррумпированы дружбой. Картина плохая, но мы никогда ее не ругаем, потому что снял друг. А как скажешь правду, он тут же становится врагом. Но может ли развиваться искусство, если не говоришь друг другу правду?»
Это 1988-й год. Почти 40 лет прошло, а ничего не изменилось.
Денис Данилов, автор канала «Самоучитель сценариста»
Нам нужна новая волна. У молодых кинематографистов должно быть больше возможностей. И больше творческой свободы, экспериментов. Свежих взглядов на кино много не бывает. Но тут важен диалог. Не назидательный монолог о том, каким кино должно быть. А именно диалог о том, каким его видят новые люди.Читать полностью…
Никита Лундин, креативный продюсер mc2
Всем привет! На связи единственная Надежда «Места силы» (насколько я знаю, других Надь в компании всё ещё не появилось, поэтому буду использовать этот заход, пока могу😅).
Я digital-продюсер, работаю в «Месте силы» больше трёх лет. За это время я успела погрузиться в киноиндустрию с головой, но всё еще считаю себя дилетантом в этом мире профессионалов. Среди наших креативных продюсеров и сценаристов я — обычный любопытный зритель, у которого часто возникают вопросы к создателям кино.
Раньше я просто эмоционально выговаривала все свои претензии и недоумения близким, но недавно поняла, что у нас тут вообще-то профессиональное комьюнити из 10 тысяч человек, которые разбираются в кино намного лучше меня. Грех этим не воспользоваться!
Поэтому теперь время от времени тут будет появляться рубрика #вопросыдилетанта, в которой я буду обращаться к вам за разъяснениями.
Начнём с наблюдения, которое мучает меня уже несколько лет.
Я люблю фильм Mamma Mia! (чистосердечное признание). Для меня это то самое comfort movie — включаешь и сразу поднимается настроение. Солнечная Греция, песни ABBA, прекрасный актёрский состав — что ещё для счастья нужно? Я вот сразу переношусь в лето💃🏼
НО. У фильма есть вторая часть. Про её качество ничего говорить не буду. Но есть там одна вещь, которая меня ЖУТКО бесит. И я думаю об этом каждый раз. В Mamma Mia! 2 создатели внезапно «воскресили» бабушку, хотя в первой части говорилось, что она мертва.
Так вот, господа-профессионалы, вопрос к вам!
Как вы считаете, это сценарная ошибка, осознанная жертва ради харизматичного персонажа (во второй части нет Мерил Стрип, а бабушку сыграла Шер) или в целом нормальная практика для сиквелов?
Ну я просто не верю, что сценаристы могли случайно так ошибиться. Они же не могли не смотреть первый фильм... А если это сознательное допущение, то в каких случаях сценаристы готовы пойти на риск (зная, что внимательный зритель заметит ошибку)?
P. S. В Mamma Mia! 2 вообще несколько косяков. На хронологию встречи с «отцами», описанную в первой части, создатели в целом тоже наплевали)))
Всем привет!
Помните чертей-разбойников из второго сезона «Волшебного участка»?
Сегодня предлагаем заглянуть в наш мудборд и поближе познакомиться с образами этих героев!
Персонажи получились по-настоящему «адовыми»: акцентные линзы, рога, фактурный грим сделали их одновременно сказочными и немного пугающими.
Образ чертовки задумывался как резкий и «хищный», поэтому художники заметно трансформировали внешность актрисы — изменили цвет и фактуру волос с помощью парика, поработали с формой носа, щёк и текстурой кожи. При этом было важно сохранить баланс: героиня должна была быть похожа на своего напарника, но не потерять женственность.
Отдельное внимание пришлось уделить практической части образов. В сцене ограбления герои много двигаются, поэтому их рога должны были оставаться прочными и выглядеть естественно в кадре. Именно поэтому их высота не превышала 15 сантиметров — более крупные конструкции были бы слишком хрупкими и неестественно шевелились при резких движениях.
Смотрим эскизы, первые наработки и референсы (фото 3-8) и сравниваем с финальными образами, которые вошли в сериал (фото 1-2)!
Какой тренд в кино вам хочется запретить на ближайшие пять лет?
Part 2
Я бы хотел, чтобы как можно скорее закончился тренд на сказочную ностальгию. Эта бестолковая волна ремейков, приквелов и переосмыслений народного / советского фольклора в формате мультфильмов, мультсериалов, полнометражных фильмов и лайв-экшен картин не вызывает у меня как у кинокритика ничего кроме разочарования.
Бесконечно мучить создателей на тему эскапизма — уже дурной тон. В интервью честно на вопрос «Почему вы обратились к теме Х» никто не отвечает, скрывая то ли банальную трусость, то ли невозможность честно говорить про (законодательное) ужесточение границ и выбора тем, на которые ещё можно что-то снимать.
С точки зрения маркетинга я понимаю, что это лёгкий вариант. Но кино — не только бизнес, а ещё и высказывание. Превращение фильмов в инструмент доения прибыли — угнетающий процесс, как минимум со стороны. А как же инновации? Как же оригинальные, свежие, новые истории? Кинематографисты так часто говорят, подхватывая государственный нарратив, что у России свой путь. Так почему, даже эксплуатируя собственное прошлое, вы повторяете стратегию сегодняшнего Голливуда?
Тимур Алиев, автор канала «Комендант кинокрепости»
Привет! С вами Маркин.
Просто хочу напомнить, что фильм по итогу — режиссёра, деньги — продюсера, а награда сценариста — максимальная приватность!
Всем привет! На связи Злата Калмина, художник-постановщик сериала «Встать на ноги». Сегодня расскажу про квартиру Оли — мы создавали её не как декорацию, а как живое пространство, в котором действительно могла бы существовать наша героиня.
Первым делом мы расширили межкомнатные проёмы, чтобы девушка могла свободно передвигаться на коляске.
Дальше взялись за кухню (фото 1-3). Наша задача была сделать её удобной для маломобильного человека, но при этом сохранить базу от тех времен, когда здесь жили родители Оли. «Ремонт» должен был выглядеть реалистично и соответствовать финансам девочки-студентки.
Со стенами, кстати, всё пошло не по плану. Изначально мы хотели оформить кухню иначе, но во время демонтажа старых обоев обнаружили родную плитку. Она нам понравилась, и мы решили её оставить, подобрав советские обои в тон. Правда, когда уже смотрели готовые серии на фестивале, мы с оператором так и не поняли, было ли это решение самым удачным из всех возможных или нет))
В комнате Оли (фото 4-5) тоже важно было учесть особенности её быта: удобный подъезд к столу и кровати, рейл с одеждой, зеркала, расположенные на комфортной высоте.
Тут, кстати, тоже всё пошло не так, как мы планировали) Изначально мы задумали комнату очень яркой: с розовыми советскими обоями, доставшимися от прежнего интерьера, поверх которых Оля вместе с друзьями наклеила бы фотообои с цветами. Но, наклеив их в первую очередь, и посмотрев на объект, мы с режиссёром Пашей и оператором Ваней поняли, что девушка скорее вложила бы силы именно в ремонт этой комнаты, где живёт каждый день. Поэтому мы отказались от советских обоев и сделали стены белыми — словно недавно обновлёнными. Так пространство стало выглядеть свежее и больше соответствовать характеру героини.
А ещё в комнате Оли есть зеркало (фото 6), которое мы все очень полюбили. Через него снято много сцен сериала. Нашли мы его совершенно случайно по дороге в Пятигорск. Остановились на ночь в небольшом городе, листали «Авито» от скуки, а через пять минут уже ехали по адресу забирать это зеркало. В итоге оно стало настоящим артефактом нашей квартиры!
При работе над ванной (фото 7) нам очень помогла моя тёзка Злата — консультант сериала. Она подробно рассказала обо всех бытовых нюансах и процедурах, с которыми сталкиваются маломобильные люди. Благодаря её рекомендациям пространство получилось действительно функциональным. Например, именно так у нас появился специальный стул на колёсиках, на который героиня пересаживается с коляски.
Ну и, конечно, комната Старого (фото 8-9).
Сюда мы хотели поместить максимум вещей, вызывающих чувство ностальгии. Важно было сохранить ощущение тесного пространства, к которому персонаж привык за годы заключения, и при этом показать его постепенно раскрывающиеся чувства от нахлынувших воспоминаний.
Сначала мы думали использовать фотообои с местными пейзажами — горами и водопадами, похожими на те, что окружают локации съёмок. Но чем глубже разбирали персонажа, тем яснее становилось, что ему ближе совсем другое. Так в комнате появились пальмы, солнце и пляж — как символ мечты о чём-то далёком и прекрасном.
В итоге кадр, где Старый стоит в солнечных очках (кстати, они принадлежат нашему оператору Ване) на фоне пальмы, стал одним из самых тёплых и запоминающихся во всём сериале.
Вот так квартира Оли постепенно превратилась не просто в локацию, а в одного из героев этой истории!
Привет.
Это Место силы.
Мы уже обсуждали здесь травмирующие фильмы, а сегодня вспомним проекты, которые, наоборот, способны исцелить.
В этот раз в нашей рубрике «5 мнений» представители киноиндустрии ответили на вопрос: Если бы психолог прописал вам три фильма/сериала в качестве лекарства, что это было бы?
Читайте ниже и делитесь в комментариях своими целительными проектами!
Part 1
Если накрывает уныние и опускаются руки, то мне помогают взбодриться фильмы про людей, одержимых целью. Например, «Самый быстрый Индиан». А фильмы про кунг-фу с Джетом Ли вроде «Однажды в Китае» как будто внутренне меня разгоняют, и я бессознательно наподдаю всем тревогам и печалям.
А если все совсем плохо, то на помощь всегда приходит сериал «Офис». Наверное, с его помощью я погружаюсь в знакомый мне ламповый мир, который уже никогда не смогут испортить никакие происходящие сегодня события.
Никита Лундин, креативный продюсер mc2
«Без свидетелей» — адаптация израильского сериала Хагая Леви («Любовники», «Сцены супружеской жизни»), больше известного по версии HBO In Treatment, сильно опередивший свое время, но так же сделавший много, чтобы нынешнее поколение тотально заботилось о своем психологическом здоровье. Четыре дня в неделю к психоаналитику приходят пациенты, а на пятый день он сам идет к своему психоаналитику. Только у нас в центре первого сезона женщина (Ксения Кутепова). Блистательные Мария Смольникова, Даша Мороз, Валерий Баринов, Наталья Рогожкина, Андрей Ильин говорили потом, что после своих ролей задумывались и начинали разбираться в себе. Горжусь, что была продюсером этого проекта и остаюсь его зрителем.
«Шерлок» ВВС с Камбербатчем — просто потому что с ним всегда хорошо. Такое рождественское настроение и привычка смотреть его в новогодние дни.
«Медведь» (первые три сезона, четвертый не порадовал, посмотрим, каким будет пятый финальный). Могу пересматривать с любого места и открывать все новое про мучительные пути героев из хаоса и бессмысленности бытия к осмысленности и гармонии.
Елена Афанасьева, автор канала «Афанасьева ТВ&Digital», ведущая программы «Се/Реальность» на радио «Серебряный дождь», продюсер
• «Человек, который изменил всё». Многие из нас не замечают в себе синдром самозванца, и Аарон Соркин написал кино, которое без излишней романтики работает с этой проблемой.
История Билли Бина — идеальный гид по выживанию в ужатых экономических условиях да ещё и с негативно настроенными коллегами. Фильм учит менять не себя под систему, а саму систему под свои задачи, опираясь на холодный расчет и упрямство.
• «Идеальные дни». Вим Вендерс снял чистейший дзен-манифест. История чистильщика туалетов Хираямы учит находить абсолютное подлинное счастье в рутине, аналоговых кассетах, чтении по ночам и фотоплёнке. Фильм напомниает о том, что мир не рухнет, если вы на пару часов выключитесь из режима выгорания и просто сядете в парке порефлексировать с природой.
• «Сны поездов». Это глубокая, медитативная история о принятии неизбежного. Она действует как терапевтическое одеяло-утяжелитель. Погружая в меланхоличный ритм, драма помогает пережить внутреннее разрушение после психологических потрясений, возвращая к базовым настройкам.
• «Человек на Луне». Наверное очень близкое по настроению со «Снами поездов». Дэмьен Шазелл снял не кино о космосе, а глубокую драму о потере. Нил Армстронг строит вокруг себя эмоциональный панцирь после смерти дочери. И итоговое напряжение, присущее фильмам Шазелла, улетает в лунный кратер, отпуская всю боль и переживания. Фильм для тех, кто привык держать лицо и прятать травмы за работой. Ну и саундтрек Гурвица, мелодично проигрывающийся в разных аранжировках на протяжении всей картины. Основную тему включаю во время взлета и посадки на самолёте.
Кирилл Шиверновский, автор канала «Кинотеатр Шрёдингера»
Всем привет, это Слава Шмидт и сценарный приём, о котором вспоминают так же редко, как и о виджее Арчи с Муз-ТВ. Что в случае с Арчи — логично, но в случае с драматургией — никак нет.
«Конфликт в сценарии можно не решать. Его можно исчерпать».
Принято считать, что в сюжете необходим конфликт, а если он есть, то его надо непременно разрешить. Герой чего-то хочет, мир сопротивляется, потом катарсис, развязка — кто-то победил, кто-то проиграл. Схема рабочая, но вот уже некоторое время я думаю о том, что конфликт может и не решаться, он может быть просто исчерпан, из него как будто будет удален один важный элемент, и конфликт перестаёт существовать, будучи не решенным.
Далее спойлеры, но, друзья, тут одному произведению почти 150 лет, а второму — 20.
Пример 1 — «Анна Каренина». Её война с мужем, с обществом, с собой так и не получает решения. Под колёсами поезда исчезает один из полюсов (сама Анна) — и конфликту просто не из чего больше состоять. Никто не выиграл. Читатель такого не ждёт, но и не возмущается, ведь почва для обнуления конфликта была подготовлена заранее.
Пример 2 — «Старикам тут не место». Тоже литературный первоисточник, но и на кинопочву этот приём лёг вполне удачно. Зрителя весь фильм готовят к финальной дуэли Мосса и Чигура, а по итогу Мосса убивают где-то в дешевом мотеле залётные мексиканцы, и мы даже не видим, как именно это произошло. Главное противостояние не получает кульминации вообще, лишив фильм классической голливудской развязки.
Этот приём чаще используют в авторском кино, ведь там мир зачастую как раз равнодушен, и иногда всё просто заканчивается, потому что, как и в жизни, половина наших конфликтов не получает чёткого финала: мы просто устаём, выдыхаемся, идём дальше.
Присмотритесь, возможно, ваша история проигрывает как раз из-за прямолинейного решения конфликта и этот приём для вас.
Но тут важно помнить: чтобы конфликт можно было исчерпать, его сначала надо доверху наполнить. Иначе зритель почувствует не горькую правду жизни, а то, что сценарист поленился придумать финал.
Привет.
Это Место силы.
Сегодня обсуждаем вопрос, который уже давно не даёт покоя индустрии: что важнее для успеха проекта — его качество или маркетинг?
Своими мыслями на эту тему поделились представители киноиндустрии в рубрике «5 мнений».
Читайте ниже и делитесь в комментариях, что думаете вы!
Part 1
Что такое успех проекта? Сборы, количество зрителей, сарафан в соцсетях? «Бегущий по лезвию» в свое время провалился в прокате, но позже стал культовым.
Допустим, успех — это когда проект посмотрело как можно больше зрителей. И сейчас, и во все времена на это сильнее влияет маркетинг.
Силу маркетинга мы, наконец-то, смогли физически ощутить, «пощупать», когда в 2022 году с рынка ушли все мэйджоры, а с ними — их региональные офисы, бюджеты и стратегии. И прекрасные голливудские блокбастеры внезапно перестали собирать — потому что зритель был не в курсе их существования в прокате. А многим маркетологам без готовых голливудских стратегий «сверху» пришлось сильно перестраиваться и учиться работать с нашим контентом с нуля.
Ты можешь снять невероятно классный проект, но если зрители о нем не узнают — они его не посмотрят.
Ольга Белик, автор канала «КиноКотик»
50 на 50.
Ну ладно, 30 на 70, где 70 всё же маркетинг.
Я из тех, кто шарится по соцсетям и внимательно читает посты обо всех новинках. А еще, меня легко увлечь в какую-то историю эдитом о том или ином фильме/сериале. Если сериал качественный, контент по нему разлетается, как горячие пирожки.
Качество проекта важно, как подъемная сила для самолета, что не дает ему потерять высоту. А вот маркетинг — это тяга, помогающая взлететь. Так что, наверное, мой ответ: маркетинг. Но опять же, даже самый хороший маркетинг не спасет некачественный проект.
Янина Костицына, креативный продюсер mc2
Мне кажется, эти вещи невозможно разделять. Они существуют в тесной связке и постоянно взаимодействуют друг с другом.Читать полностью…
Но если цинично выбирать что-то одно, то, наверное, маркетинг. Потому что, мне кажется, любое говно можно красиво упаковать, и люди на него пойдут А если фильм окажется плохим, люди потом скажут: «Нас обманул маркетинг». И сам факт существования этой фразы говорит о том, что маркетинг иногда способен оказаться впереди качества картины.
Но это именно циничный взгляд.
Глобально же вообще не хочется думать такими категориями: «Что важнее?» Важно всё. Нужно уметь делать хороший контент и нужно уметь правильно рассказывать о нём аудитории, продавать его. При это маркетинг не должен манипулировать зрителем или искусственно создавать ожидания, которым фильм не соответствует. Всё должно быть аккуратно и нежно по отношению к человеку, который приходит смотреть кино.
Подводя итог: правда не хочется делить одно художественное произведение и выбирать, что важнее. Нужно уделять внимание обоим аспектам: в первую очередь — качеству, во вторую очередь — маркетингу. И учиться соединять это в одно!
Артём Ремизов, автор канала «Ремизорро»
У меня есть соавтор — Яна Костицина. Совсем недавно она подписала эксклюзив с «Местом силы» и, видимо, на этих радостях купила себе собаку. Собака крутая, зовут Морошка. Но не об этом. Речь о другом, точнее, о другой собаке: Яна гуляла по улице, нашла ещё одного обезвоженного щенка и притащила к себе домой, выходила, вылечила и назвала Черника (прям беда у неё с ягодами). Но в общем, Черника оказалась довольно крутой собакой и, очевидно, ищет дом. Как выяснилось, она на 20% овчарка, а на 80% — булочка (собака, не Яна). Если вдруг кто-то хочет себе местосиловскую собаку — пишите в комменты, только если у вас хорошие руки.
Кто заберёт — обещаю прочитать драфт вашего сценария и дать подробные комментарии. 🐶
ТОП-10 кинопостов за весну 2026 года по просмотрам*🍿
1️⃣ Драма «Нюрнберг» получила отказ в прокатном удостоверении: БК медиа — 142 842 просмотра
Почему фильм Джеймса Вандербилта не будет показан в России
2️⃣ Новая экранизация сказки А.С. Пушкина: БК медиа — 136 844 просмотра
Кинокомпания братьев Андреасян и телеканал ТНТ снимут «Сказку о мёртвой царевне и о семи богатырях»
3️⃣ РКН заблокировал IP-адреса банковской инфраструктуры: Фёдор, Бонд и Чук — 133 680 просмотров
Мем, который многое объясняет
4️⃣ Фильмы ГПМ РТВ и КБА заработали 5 млрд рублей в 2026 году: БК медиа — 107 394 просмотра
О том, что стоит за кассовым успехом проектов
5️⃣ Александр Сокуров остался без награды ММКФ: БК медиа — 107 196 просмотров
Комментарий режиссёра о решении ММКФ
6️⃣ «БАТЯ-2. ДЕД» — лучший полнометражный фильм по версии АПКиТ: РУССКОЕ КИНО В ТОПЕ — 95 264 просмотра
Фото момента награждения на церемонии
7️⃣ «Гулливер в стране Лилипутов» снимут в России: Alperina — 81 671 просмотр
Синопсис нового семейного фильма
8️⃣ Российский фильм «Группа крови» победил на кинофестивале в Макао: БК медиа — 65 493 просмотра
Новость о международном признании проекта кинокомпании «Триикс Медиа»
9️⃣ Большой Казахстан и малые соседи: БК медиа — 65 224 просмотра
Данные анализа итогов 2025 года для кинорынка СНГ
🔟 Новости Каннского кинорынка 20 мая 2026 года: БК медиа — 65 175 просмотров
Новые сделки кинокомпаний в рамках Каннского кинорынка
🔺ТОП-10 кинопостов за весну 2026 года по репостам и комментариям — по ссылке!
Привет.
Это Место силы.
Фильмы, которые хочется пересматривать? Легко. А вот те, что травмировали… вспомним о них?
В этот раз в нашей рубрике «5 мнений» представители киноиндустрии рассказали о картинах, которые нанесли им душевные раны.
Читайте ниже и делитесь в комментариях, какой фильм травмировал вас👇
Part 1
Больше всего меня травмировал первый фильм «О чем говорят мужчины».
Чтоб вы понимали, сначала я посмотрела «Груз 200» и тогда, я думала, моя психика сказала мне до-свиданья, но нет, пришел Квартет И и доломал.
Я уже слабо помню о чем первый фильм именно сюжетно, но точно помню, что про измены. Только во взрослом возрасте я поняла (вроде как), что они как раз-таки показывали как мужчины изменяют, чтоб люди одумались и так не делали. Либо я уже сама это допридумала!
Тогда я смотрела в ужасе, как каждый герой проходил путь измен, а их жены даже подумать не могли об этом. Помню сцену, где их жены собрались дома и такие:
- Я бы не смогла изменить, ведь другой мужчина - это же другой мужчина, у него волосатые ноги, к своему я уже привыкла. А к тому у меня нет чувств! (что-то в таком духе)
Пока их мужья боролись с тем, изменить ли сейчас или потом.
У них слоган фильма «все мужья изменяют, кроме твоего». Я после фильма хотела написать петицию или уехать в рехаб, что-то из этого. Но просто поплакала. Мне тогда казалось, что нельзя так нагло пропагандировать измены. У меня не было ощущения, что мужчины посмотрят и такие: какие мы мудаки, что так себя ведем, не будем.
Было полное ощущение, что посмотрят и подумают «ммм, жиза».
Короче, почему-то бомбит на этот фильм, наверное, стоит его пересмотреть.
Оксана Мафагел, креативный продюсер mc2
Прикосновение (1992)Читать полностью…
Будучи ярым приверженцем агрессивного позитива этот фильм сильно травмировал меня в юношестве. В этой истории героев ждала смерть за фразу "Жизнь прекрасна и удивит№%ьна!"
Саша Маркин, креативный продюсер mc2
Меня часто спрашивают: «Янина, а что делать сценаристу, если он застрял на середине истории и не понимает, куда двигаться дальше?»
Всем привет, это Янина Костицына, и конечно же, блин, меня никто о таком никогда не спрашивал. Но я люблю иногда представлять себе, что я даю кому-то интервью. Ха.
И конечно же, задавшему такой вопрос я ударю книгой Воглера по лицу. А может, книгой Кэмпбелла. Но точно не книгой Макки, её я не читала…
Структура, мои дорогие. Это все, что нужно знать.
В структуре чаще всего скрыты все подсказки по сюжету: достаточно только придумать хотя бы 1/8 фильма. Например, вы придумали концовку. Круто! Вообще с этого и нужно начинать. Если известна концовка, уже можно придумать мидпоинт (это середина и главный поворот в сюжете) и начало.
Например, в фильме «Интерстеллар», наш финал —это Купер, который возвращается к дочери, а потом летит к доктору Брент. Единственной из экспедиции, кто добрался до нужной планеты. Отмотаем до середины и… вы не поверите, в мидпоинте — ха! — тот самый программный монолог Энн Хэтауэй, который считают главной ошибкой фильма.
В нём она говорит о том, что любовь это тоже сила, схожая с гравитацией и бла-бла-бла. Все грязные токсики кричат: «Фу, учёная бы такую чушь не сказала», но по сути она озвучила главную идею фильма. Любовь отца к дочери и дочери к отцу — это та сила, что спасла все человечество несмотря на расстояние и время.
И да, в тот момент Брент оказалась права: планета, которую она выбрала действительно оказалась пригодной для жизни. То есть, мидпоинт по-сути спойлерит финал. И это тот поворот, который нас к этому финалу разворачивает.
С началом так же. Если ты знаешь, что вся история это про любовь отца и дочери, что преодолевает пространство и время, что ты делаешь в начале? Да: задаешь эту тему и конфликт, который заставит их разлучиться.
Пожалуйста. Три основные точки фильма. И да, между ними примерно страниц пятьдесят сценария… большой путь. Но там тоже огромное количество точек, если ты опять же шаришь за структуру.
Когда перед героем формируется его цель — мы добавляем еще две структурные единицы. Его сопротивление и тот самый «выход за порог». Герой всегда отказывается от приключения. Всегда. Его нужно вытащить туда, объяснить ему и зрителю необходимость этого шага.
Это не всегда буквальный выход. Не надо обязательно лететь на другую планету или есть красную таблетку. Новосельцев, который идет в гости к Калугиной — это тоже выход за порог, и да, перед ним было много сопротивления. Чуете да? Уже как минимум 5-6 сцен в сценарии есть. Рядом с тремя опорными точками очень легко что-то придумывать.
Я еще долго могу рассказывать про структуру и рисовать её в подробностях на доске, но суть моего ответа такова: если вы застряли, открывайте Воглера. Возвращайтесь к базе, заново расставляйте точки и смотрите, каких не хватает. Сценарий это не сухое творчество, там есть правила. Когда совсем сложно: пользуйтесь ими.
А если у вас прям парализующий ступор и вы просто не знаете, откуда брать силы и как раскачать свою историю… мой ответ: кислородная маска. Просто представьте, что сценарий это ваш ребенок и вы на борту самолета. Все знают это правило: маску сначала надеваешь на себя. Не надо геройствовать. Надень на себя маску. Подыши, отдохни. Ты не спасешь сценарий, если убьешь себя. Мозги — это твой инструмент. Когда у тебя начинают виснуть программы, ты можешь хоть до посинения ждать их отклика.
А можешь просто перезагрузить компьютер или дать ему чуть остыть.
Сегодня исполняется 59, прости господи, лет Гоше Куценко. Для меня это особенный актёр. Актёр-талисман, который шагает со мной из проекта в проект: «Капельник», «Волшебный участок», «Встать на ноги» — я уверен, что дальше их будет больше.
Гоша — невероятной внутренней силы человек, который притягивает всех вокруг себя своим появлением. Я желаю ему, чтобы рука больше не болела, чтобы роли — самые лучшие, чтобы съёмки — самые дорогие.
А ещё во время съёмок «Встать на ноги» Гоша присылал мне видео, где жаловался на группу. Прикрепляю их здесь.
(Да, он не умеет пользоваться кружочками. Желаю ему научиться!)
«Волшебный участок 2» победил сразу в двух номинациях на премии АПКиТ 2026🏆
🔺Лучшая работа художника по гриму — Анастасия Эсадзе, Татьяна Шайгарданова
🔺Лучшие визуальные эффекты — Студия BLACKPOINT
За каждой такой наградой стоят годы работы и огромное количество людей, без которых ничего не получилось бы. Спасибо всем причастным! И спасибо вам, наши дорогие зрители, за то, что смотрите, поддерживаете и любите — для нас это очень ценно❤️
Привет. С вами Маркин.
Сегодня, обсудим, как сценаристу научиться писать живые диалоги.
На самом деле сформулировать чёткий свод правил, при соблюдении которых наши диалоги ВСЕГДА будут живыми, — крайне сложно. Я бы даже сказал — невозможно.
Но есть несколько направляющих, которые могут помочь:
1) Всегда интересен диалог с подтекстом. Когда один из персонажей скрывает что-то или хочет обмануть и специально говорит не то/издевается.
2) Кто задает вопросы, тот доминирует. Следите, чтобы это билось с вашими характерами.
3) Кто не уверен в себе, тот много говорит. Спокойные, сильные персонажи — немногословны.
4) Обратите внимание, как люди говорят в жизни — они зачастую не договаривают до конца, перебивают и постоянно переспрашивают! Не используют сложные конструкции, чтобы донести свои мысли в бытовой ситуации.
5) И самое главное. Диалог всегда должен быть от персонажа. И это не про речевые характеристики. Словами он должен намекать или прямо говорить про то, что его по-настоящему волнует. Через речь должен угадываться или сквозить его характер.
А ещё важно помнить, что самая интересная сцена — та, в которой всё понятно без слов.
P. S. В качестве бонуса делюсь сценой из первого полнометражного фильма, написанного мной. 2011 год. Фильм, к сожалению, пока не снят. Но послужил бустом моей карьеры.
Победители розыгрыша:
@LiS_Wise
@Anna_Yakin
@Iyavera
@in_kino_veritas1
@volodinscript
Поздравляем🔥
Мы свяжемся с вами в ближайшее время!