748
Нетрадиционное радио По всем вопросам: https://t.me/mclydy
На этом альбоме десятки, если не сотни "солистов". При отсутствии основного вокала на фоне периодически слышатся отрывки в исполнении детей, хоры местных жителей и шёпот зевак. Такаги объединил полевые записи с игрой на фортепиано и пением в стиле камерного фолка. В каждой ноте этих треков есть мысль, маленькие картины собираются вместе в нечто масштабное. Весь лонгплей похож на прекрасную колыбельную, вызывающую душевное тепло. Звук и мелодии альбома представляют собой идеальный баланс между грустью, ностальгией и умиротворением. Хрупкие вокальные паттерны мгновенно создают атмосферу присутствия, а мелодичный вокал звучит как таинственный дух, присматривающий за всем свыше. Kagayaki – сборник историй и сказок, которые нам рассказывает сама природа.
Альбом состоит из 23 треков. Ярким образцом стиля Такаги является одиннадцатиминутный "Nurse them, Make a fire, Feed yourself, Express your mirth". Он начинается с медитативной мелодии на традиционном деревянном духовом инструменте, переходящей в атмосферу фестиваля или праздника. Ритм бубна и смех случайных прохожих подхватывает фортепиано, наращивая экспрессию. Постепенно напряжение достигает высшей точки, а потом плавно стихает посредством тёплой и раскатистой мелодии. Она, в свою очередь, рассеивается по ветру редкими нотами, сопровождаемыми записями разговоров. Далее мы слышим этно-фолк пьесу с женским вокалом, а затухает композиция в компании озорного детского хора и тихого цудзуми. Трек будто демонстрирует Kagayaki в миниатюре, перенося слушателя в другой мир.
Хотя Такаги и был новым жителем Хёго, он настолько полюбил его традиции и культуру, что сроднился с ними и добавил свой вклад. Переплетение этнологического и природного, Kagayaki затрагивает те же струны души, что и фильмы студии Ghibli. Своей музыкой композитор рисует картину деревни, где каждый голос является важным персонажем. На протяжении всего альбома мы слышим самые разные стили неоклассических мелодий нью-эйджа, исполненные в самых разных гаммах. Некоторые песни мягкие и интимные, другие же яркие и взрывные. При прослушивании кажется, будто все эти прекрасные пейзажи находятся рядом с вами. Хочется насладиться каждым моментом.
Наполненный до краёв чистыми эмоциями, Kagayaki создан, чтобы быть жизнеутверждающим альбомом. Рождённый на обломках скорби, он тепло обнимает вас сзади и даёт понять, что после заката всегда бывает рассвет.
:)
#флешбэк
О Джейке Багге.
На фоне всех молодых исполнителей (до 30 лет) Джейк отличается двумя вещами. Первая – он охуительно выглядит. Тут не подобрать другого эпитета. Меня, как мужчину, это не должно интересовать, но не отметить нельзя. Любая фотосессия, любой клип, любой концерт – от одного взгляда можно растаять. Не очередной лощёный голливудский чёрт, а обычный брит, которого мало заботит немытая голова. Всё по заветам братьев Галлахеров. Вторая – у него очень крутой голос. Не в смысле восемь октав и десять доступных стилей, а в смысле услады для поклонников бритпопа. Поскольку отношусь к оным, едва услышав такой вокал, сразу ловлю приятные флешбэки. Если бы этот чувак делал чистый инди-рок или что-то, похожее на пост-бритпоп, я бы уже давно всё заслушал и другим расструбил. Но Багг пошёл более тернистым путём.
Дебют состоялся в 18 лет. Альбом с простым названием Jake Bugg просто разорвал Европу, мгновенно сделав певца звездой. Платиновый статус лонгплея, много удачных синглов, высокие рейтинги у критиков. Даже в США, где молодых британцев не особо жалуют, был определённый успех (топ-80 Биллборда). С внешностью чувака из лучшей эры бритпопа Джейк решил исполнять фолк, порой даже с небольшим уклоном в кантри. На главных инфосайтах Джейку ставят тег автор/исполнитель, и это не совсем верно. Лишь с третьего альбома он начал полностью сам писать стихи (до того сильно помогали), а за музыку постоянно отвечали другие люди. Не очень свойственно фолку, не правда ли? Многие удивлялись, что все песни, сделавшие певца знаменитым, ему не принадлежат.
Парня быстро заметил Рик Рубин и сказал: "Браточек, давай делать музыку вместе, я сделаю тебя ещё знаменитее". Продюсером второго альбома выступил бородач-магнат, и он получился сильно отличным от дебютника. Начались первые поползновения в сторону рока и гаражного, более сырого звучания. Не до конца понимаю зачем, уж второй альбом вполне можно было выполнить в том же стиле, с теми же акцентами. Лишь три песни Джейк написал сольно – беспредел. В общем, план Рика провалился, больше они не сотрудничали. После тура в поддержку альбома певец решил взять перерыв и обдумать, куда ему двигаться дальше. Стало понятно, что слава вечной не будет.
Обдумал он всё не очень хорошо. On My One, вышедший три года спустя, просто отвратительный альбом. Невообразимо пустой, амёбный. Достаточно послушать первые две песни – такой ужасный контраст, что сразу чувствуется пустота внутри. Багг будто в секунду лишился своей индивидуальности. Фолка почти не осталось, основным жанром стал инди-рок. Из синглового чарта песни Багга пропали (и не вернулись до сих пор), да и сам альбом продавался вяло. Джейк снова попробовал исправиться, выпустив Hearts That Strain уже через год, а продюсером выступил сам Дэн Ауэрбах. Эта запись была уже поинтереснее, но всё равно не вернула веры, что когда-то мы услышим того-самого Багга. А ведь между первым и четвёртым альбомом прошло чуть меньше пяти лет… В 23 года Джейк взял новый творческий рехаб.
Кто работал над пятым альбомом не очень интересно. Ясно одно – ориентир очень далеко ушёл от фолка и кантри. На Saturday Night, Sunday Morning много инди-попа, не свойственного Баггу ранее, а также присутствует подобие альтернативного рока. Явный намёк на завоевание новых фанатов, заход на новые территории. И мне, консерватору, сейчас бы постукать палкой оземь и поругаться, но нет. Две вещи решают. Исполнитель явно кайфует от всего происходящего. Это чувствуется, и этого не было на 3-4 альбоме. А главное – вернулись цепляющие мелодии, вернулся задор. Ну и какая cute обложка! Поэтому вполне тянет на статус "хорошо". Однако особых перспектив у артиста нет.
All I Need
#итоги
Топ-10 лучших альбомов октября:
10 место: Helena Deland — Goodnight Summerland. На дебютном Someone New, выпущенном в самый разгар пандемии, Хелена Деланд пыталась спасти всех нас. Мягкие, пропитанные теплом песни с романтичной лирикой и верой в светлое будущее создавали необходимый мини-мир, стать частью которого было очень приятно. На Goodnight Summerland певица спасает уже саму себя. За три года между релизами с ней случилось много потрясений, главным из которых стала смерть матери. В одиннадцати по-особенному осенних треках Хелена ищет успокоения и мира для собственной души. Музыка с очищающим эффектом.
9 место: Priya Ragu — Santhosam. Настоящая фамилия артистки – Рагупатилингам, а "santhosam" в переводе с тамильского означает счастье. Удивительно, что этот альбом вышел в один месяц с Madres Софии Куртесис, потому что у них слишком много общего. Обе женщины эмигрантки (Прия переехала из Шри-Ланки в Швейцарию), обе прошли через массу лишений и хапнули горя, обе решились на выпуск соло-студийника в возрасте уже далеко за 30. И, главное, обе сделали это с танцевальными лонгплеями, базирующимися на этно-корнях. Только в отличие от коллеги Прия ещё и жжёт глаголом, ведь её вотчина это современный r&b. Музыка Santhosam может работать как лекарство от меланхолии, в то время как лирика – это поиск ответов на важные вопросы и духовный поиск свободы.
8 место: Sampha — Lahai. После прекрасного Process, мгновенно сделавшего Самфу теневым королём альтернативного r&b (на лавры Фрэнка Оушена претендовать тяжело), прошло слишком много времени. Те, кто слушал тот альбом, готовясь к вступительным экзаменам, уже закончили институт и трудятся на любимой работе. Поразительно, но за этот период больше не было никаких релизов, даже EP. О британце вполне могли забыть, но уж слишком велик талант и слишком мало в современном r&b исполнителей с настолько уникальным взглядом на мир. Новость о скором выходе Lahai всколыхнула общественность. По итогу альбом оказался мудрёнее предшественника, но свою фан-базу обрёл мгновенно. Самфа по-прежнему в отличной форме.
7 место: Evian Christ — Revanchist. Первые соло-релизы Джошуа Лири aka Evian Christ вышли в промежутке между 2012 и 2014 годом. Сочетание клауд-рэпа, эмбиэнта и конкретной музыки мгновенно привлекло внимание власть имущих к его персоне. Микстейп и два EP были настолько хороши, что обеспечили продюсеру работу на топ-студиях. Он приложил руку к Yeezus Канье Уэста и Atrocity Exhibition Дэнни Брауна. После этого Лири слегка выпал из медиаполя, но, как оказалось, все эти годы он писал альбом. Получивший первые намётки ещё в 2014-ом, Revanchist вышел на Warp Records осенью 2023-го. Лонгплей является ярким примером транса, сделанного без конъюнктуры. Такого объединения жанра с техно и клубной деконструкцией мне ранее слышать не доводилось.
6 место: Dylan LeBlanc — Coyote. Аляповатая обложка с золотистым койотом, стоически переживающим попадание в себя восьми стрел, вызывает скорее улыбку, но на этом юмор заканчивается. Все альбомы Дилана ЛеБлана в той или иной степени автобиографичны, а так как жизнь у него не сахар, творчество нэшвиллского ковбоя с гитарой заставляет даже брутальных американских реднеков смахивать со щеки скупую слезу. Бродяга и одиночка, он давно бы стал пылью рядом с каким-нибудь захудалым баром, если бы не музыка. На своём пятом лонгпплее Дилан поёт от лица героя по прозвищу Койот – человека, бегущего от своего прошлого. Он хочет освободиться, но из-за грехов прошлого становится членом мексиканского картеля. Чтобы узнать развязку истории, альбом придётся прослушать целиком. Самая амбициозная, строго концептуальная работа ЛеБлана.
#хроника
Отчёт по октябрьским альбомам.
Шедевры (9,5 – 10):
нет таких.
Отлично (8 – 9):
Robert Finley — Black Bayou (Soul Blues)
Хорошо (6,5 – 7,5):
Ana Frango Elétrico — Me chama de gato que eu sou sua (Sophisti-Pop, Funk)
Avenade — Our Raging God Unknown to Us (Noise Rock, Alternative Metal)
betcover!! — Uma (Jazz-Rock)
Black Pumas — Chronicles of a Diamond (Psychedelic Soul)
Bombay Bicycle Club — My Big Day (Indie Pop, Neo-Psychedelia)
CMAT — Crazymad for Me (Pop Rock)
Creation Rebel — Hostile Environment (Dub)
Creeper — Sanguivore (Gothic Rock, Rock Opera)
Dream Unending / Worm — Starpath (Death Doom Metal, Symphonic Black Metal)
Duff McKagan — Lighthouse (Hard Rock)
Dylan LeBlanc — Coyote (Country Rock)
Emma Anderson — Pearlies (Dream Pop)
Evian Christ — Revanchist (Trance)
Furia — Huta Luna (Black Metal, Ambient)
Glen Hansard — All That Was East Is West of Me Now (Chamber Folk)
Goat — Medicine (Psychedelic Rock)
Green-House — A Host for All Kinds of Life (Ambient, New Age)
Hania Rani — Ghosts (Ambient Pop)
Hannah Diamond — Perfect Picture (Electropop)
Helena Deland — Goodnight Summerland (Indie Folk)
Holly Humberstone — Paint My Bedroom Black (Alt-Pop)
Israel Nash — Ozarker (Heartland Rock)
ITZY — Ringo (K-Pop)
Jamila Woods — Water Made Us (Neo-Soul, Contemporary R&B)
Lamp — Dusk to Dawn (Shibuya-kei, Jazz Pop)
Łona, Andrzej Konieczny & Kacper Krupa — TAXI (Jazz Rap, Conscious Hip Hop)
L'Rain — I Killed Your Dog (Neo-Psychedelia)
Malokarpatan — Vertumnus Caesar (Black Metal, Heavy Metal)
Maria BC — Spike Field (Psychedelic Folk)
Mary Lattimore — Goodbye, Hotel Arkada (Ambient, New Age)
Metric — Formentera II (Indie Rock)
MIKE — Burning Desire (Abstract Hip Hop, East Coast Hip Hop)
ML Buch — Suntub (Neo-Psychedelia, Dream Pop)
Myrkur — Spine (Ethereal Wave, Post-Metal)
Nytt Land — Torem (Dark Folk, Neo-Pagan Folk)
Pangaea — Changing Channels (UK Bass, Tech House)
Paramore — Re: This Is Why (Indie Rock)
Priya Ragu — Santhosam (Contemporary R&B, Dance-Pop)
RAY — Camellia (J-Rock, Shoegaze)
Reverend Kristin Michael Hayter — SAVED! (Hymns, Southern Gospel)
Rival Sons — LIGHTBRINGER (Hard Rock)
Sampha — Lahai (Alternative R&B)
Slauson Malone 1 — Excelsior (Neo-Psychedelia, Art Pop)
Sofia Kourtesis — Madres (Deep House)
Squirrel Flower — Tomorrow's Fire (Slacker Rock)
Stortregn — Finitude (Technical Death Metal)
Sufjan Stevens — Javelin (Indie Folk, Singer-Songwriter)
Svalbard — The Weight of the Mask (Post-Hardcore, Blackgaze)
Taylor Swift — 1989 (Taylor's Version) (Synthpop, Dance-Pop)
The Gaslight Anthem — History Books (Heartland Rock, Alternative Rock)
The Kills — God Games (Garage Rock Revival)
The Mountain Goats — Jenny from Thebes (Soft Rock)
The Rolling Stones — Hackney Diamonds (Pop Rock, Blues Rock)
Titanic — Vidrio (Post-Minimalism)
Tomorrow X Together — The Name Chapter: Freefall (K-Pop)
Troye Sivan — Something to Give Each Other (Dance-Pop, Contemporary R&B)
Vertebra Atlantis — A Dialogue with the Eeriest Sublime (Death Metal, Black Metal)
Wargasm — Venom (Nu Metal)
Ὁπλίτης — 'Aντιτιμωρουμένη (Black Metal, Technical Thrash Metal)
Три дня дождя — melancholia (Alternative Rock, Pop Rock)
#карапуля
Sofia Kourtesis — Madres
Дата релиза: 27.10.2023
Такие люди, как София Куртесис, поражают. Судьба вставила ей кучу палок в колёса, а она всё преодолела и не сломалась. Каждая неурядица делала её сильнее. Подобные истории редко заканчиваются триумфом, но если заканчиваются – становятся легендарными. И кажется, это именно наш вариант.
Маленькая София росла в Лиме и ходила в католическую церковь. Сложно скрываемое сексуальное влечение к девочкам сделало её объектом насмешек, а случайный поцелуй с подругой и вовсе отправил в кабинет психиатра. За считанные месяцы превратившись из озорной девчонки в "нерукопожатную", она не ощетинилась на жизнь. Учитывая тягу Софии к искусству, она решила переехать в Германию, подальше от озлобленных перуанских преподавателей. Далее был план стать режиссёром, но в жизнь он не воплотился. Ни с ходу, ни через несколько лет обучения не удалось сдать экзамены в киношколу. Зато получилось стать риелтором! Скучная юридическая работа приносила прибыль, но не удовлетворение. Тяга к творчеству постоянно давала о себе знать, и однажды берлинские друзья уговорили девушку стать за вертушки. Так началась её карьера ди-джея.
Нетрадиционная сексуальная ориентация не оттолкнула от Софии её родителей. Наоборот, они во всём её поддерживали и на протяжении всей жизни были главной опорой. После старта музыкальной карьеры Куртесис долго не выпускала собственную музыку, но, став узнаваемой персоной клубного Берлина к концу 2010-ых, решилась. Взлёт Софии как продюсера совпал с трагичной новостью – умер её отец. Ему был посвящён Fresia Magdalena EP, ключевой релиз в карьере (он заинтересовал Ninja Tune). В свои последние дни папа завещал дочери больше путешествовать и не бояться использовать собственный голос. Этот совет предопределил авторский почерк творца.
Как только София окончательно осмелела и села за полноценный альбом, пришла новая печальная новость: раком заболела её мама. Большинство людей в такой ситуации отложили бы перо с бумагой, но не Куртесис. Воспользовавшись благами социальных сетей, она обратилась к знаменитому онкологу: "Дорогой Петер Вайкочи, вылечите мою маму, и я посвящу вам трек". Сообщение завирусилось, и по итогу обе стороны выполнили свои обязательства. Петер сделал сложную операцию, продлив человеку жизнь, а третьим номером на лонгплее, получившем всем понятное название Madres, значится трек "Vajkoczy".
Дебютный альбом Куртесис базируется на опорах, делающих его уникальным произведением для современного хауса. Первое – тот самый совет отца, обернувшийся путешествиями Софии по интересным странам. Там она не только впитывает культурные традиции, но и записывает подобие field recordings, которые потом неординарно преобразовывает в собственных треках. Второе – уважение к техно-корням. Неудивительно, что, живя в Берлине, София начинала не с хауса. Элементы тек-хауса и умеренная холодность композиций теперь стали её фишками. Третье – кинематографичность. Не притупившаяся с годами любовь к другому виду искусства даёт о себе знать, музыка перуанки эмоциональна и построена на ярких образах. Четвёртое – боль и скорбь, ставшие творческим источником. Это привычно для блюза или какого-нибудь слейкер-рока, но не для хауса. И пятое – целительная сила солидарности. Её музыка создана для объединения людей.
Даже если не знать всей предыстории, перед нами отличный образчик современного танцевального хауса. Есть здесь и одна "остановочка", мрачный эмбиэнтовый "Moving Houses". Подавляющее большинство рецензентов отмечают трек как ложку дёгтя, а оценщики на популярных агрегаторах ставят самые низкие баллы. Видя это, так и хочется сказать: "Ребята, видимо вы не очень-то понимаете музыку Софии Куртесис". Кто хотел просто подвигаться и отдохнуть – это вам в другое место. Здесь живут другие эмоции, и их было необходимо возвести в абсолют хотя бы в рамках одного трека. Madres – прекрасный дебют, стоивший долгих лет ожидания.
Слушать: Spotify | ВК | Apple | Bandcamp
#некролог
Не стало Шейна Макгоуэна. Один из главных ирландских маргиналов, у которого панк был в крови, прославился как фронтмен The Pogues (и The Nips до того), а также благодаря своей группе The Popes и нескольким сольным альбомам. Именно с ним The Pogues записали свои лучшие работы, ставшие классикой кельтского панка. В последние годы жизни он отошёл от дел, почти не работая в студии, но оставался в медиаполе. Например, получил Ivor Novello Inspiration Award пять лет назад. В 2022-ом певцу диагностировали энцефалит. Шейну было 65 лет.
RIP. 25.12.1957 — 30.11.2023
#карапуля
Robert Finley — Black Bayou
Дата релиза: 27.10.2023
Какие детские воспоминания всплывают в вашей памяти первыми? Пятёрки в школе, посиделки с друзьями, парки аттракционов и игровые автоматы? Всякое хорошее, в общем. У Роберта Финли всё немного иначе. Когда он был маленьким, отец брал его с собой на рыбалку и охоту. Представители бедных афроамериканских семей объединяли усилия в поисках дичи и "рыбных" мест. Однажды дед попросил мальца пройтись по брёвнам, плавающим неподалёку от берега. Ничего не предвещало беды, пока одна из деревяшек не зашевелилась… Оказалось, Роба использовали как наживку для аллигатора. Вздыбившегося крокодила сразу убили, все хором засмеялись и похвалили охотника за находчивость. И хоть сам Роб не пострадал, случай мрачно отпечатался в его подсознании. Всё происходило рядом с рекой Блэк-Байю. Спустя 60 лет посредством тех воспоминаний она дала название музыкальному альбому.
Судьба Роберта Финли витиевата и схожа с героями довоенного блюза. В 11 лет он по дешёвке купил гитару, научился играть и петь госпелы. В 16 поступил в армию, где несколько лет был гитаристом в армейском оркестре. Объездил с "туром" всю Европу. Вернувшись в Луизиану, он начал совмещать выступления в госпел-группе с профессией плотника. О карьере музыканта Финли не помышлял, пока не случился горький жизненный эпизод. В 61 год из-за развивающейся глаукомы его признали слепым, запретив заниматься плотничеством. В этот момент Роберт понял, что кроме музыки у него ничего не осталось.
Старую собаку новым трюкам не научишь? Возможно, но Финли отказался проводить остаток жизни как пёс в конуре. Карьера развивалась стремительно. Дебютный альбом с говорящим названием Age Don't Mean a Thing Роберт выпустил через год после грустного известия. Далее случилась судьбоносная встреча с Дэном Ауэрбахом. Один из главных ценителей американской старины был очарован Робертом при записи саундтрека к графической новеле Murder Ballads и пригласил его на свой недавно открывшийся лейбл Easy Eye Sound. Второй и особенно третий альбом Финли, выпущенные там, сделали его ярчайшим представителем современного соула и блюза. Масса хвалебных рецензий добавили музыканту смелости. В 2019-ом новоявленный блюзмен поучаствовал в передаче "America's Got Talent", дойдя до полуфинала.
Ауэрбах не перестаёт восхищаться Финли. В этом году он поместил его лицо на обложку позитивно принятой компиляции Tell Everybody! от Easy Eye Sound, а также предложил эксперимент. Песни для Black Bayou не были готовы заранее, как с предыдущими альбомами. В этот раз лидер The Black Keys собрал на студии музыкальную команду мечты, чтобы записываться вместе в одно время. Семейная атмосфера была подчёркнута приглашёнными звёздами – ими стали дочь и внучка Финли, исполнившие бэк-вокал. Пока блюзмен неторопливо превращал задумки в полноценные стихи, музыканты наращивали синергию. Когда все песни были готовы, их начали записывать единым дублем. Таким образом джем из 11 номеров превратился в полноценный альбом.
Каждый лонгплей Финли похож на исповедь. Опорой для Black Bayou стали как детские воспоминания, так и боль настоящего. Лирический герой альбома многогранен, что обусловлено большим опытом певца при отсутствии возможности высказаться до седьмого десятка лет. Роберт порой примеряет на себя образ развязного героя-любовника, а порой грустит о друзьях, всеми покинутых и тихо доживающих свой век в доме престарелых. При этом каждая секунда пропитана чистыми и искренними эмоциями, мгновенно пробуждающими эмпатию. Под гипнотические гитарные риффы, лихо сдобренные плотной ритм-секцией и изящными клавишными и духовыми, Финли делится свои мудрыми, но всем понятными мыслями. Его баритон, периодически переходящий на фальцет, пышет жизнью. Десятилетиями певший госпел, певец находит путь к сердцу слушателей без труда. Здесь есть всё, за что можно любить соул-блюз: сила мелодий, драйв, сырость и шарм американской глубинки. Хочется верить, что история Роберта Финли только начинается.
Слушать: Spotify | ВК | Apple | Bandcamp
#фильм
История музыки в стиле даб (Dub Echoes, 2008)
IMDB | КП
Многие не вспомнят, поджанром чего является даб, и вряд ли назовут место и время возникновения. А меж тем, в отличие от других жанров, где на такие вопросы есть только размытые ответы, здесь всё очевидно. Ямайка, конец шестидесятых, регги – три основных маркера. Даб отслоился от продавленного глубоким басом регги, а также вобрал в себя некоторые элементы психоделического рока. Если документальные фильмы о поп-искусстве строятся по очевидным лекалам, то ленты о нишевых жанрах всегда таят в себе изюминку. "Dub Echoes" едва ли поспорит с разнообразными "Историями рок-н-ролла" в плане звучности имён, но в информативности – вполне.
Удивляет страна-производитель фильма – Бразилия. Было бы логичнее видеть такой проект от США или Британии, где жанр был популярен ещё в конце семидесятых. Молодой режиссёр Бруно Натал начал карьеру со съёмок концертов и мини-документалок о турах бразильских звёзд. Вряд ли идея снять фильм о дабе пришла в голову именно ему, но у местной студии хватило и финансирования, и веры в постановщика. Продюсированием фильма занимался лондонский лейбл Soul Jazz Records, а снялись в нём люди со всего мира.
"Dub Echoes" представляет собой сборник интервью с минимальными перебивками из ямайских студий для поддержания атмосферы. При 82 минутах хронометража потрясает количество респондентов: около 50. Они делятся на три группы: стоящие у истоков, историки и аналитики, современные продюсеры. И если Congo Natty и Ллойд Барнс для стандартного зрителя могут показаться "новыми" лицами, то ребята из Audio Bullys и Basement Jaxx – нет. История развития жанра подана с разных точек зрения, а изюминкой съёмки стали мизансцены. Некоторые сидят в студиях или на удобном диване, некоторые в саду, а Адам Фриленд спокойно отвечал на вопросы, сидя на обочине весьма оживлённой английской дороги. Съёмочной группе пришлось поездить по миру, и интересные локации даже с отсутствием внутрикадровой динамики создают нужный уровень уюта.
Стартовой задачей создателей стало представление трёх столпов: Кинг Табби – человек, изобретший даб (и автор первого ремикса), Ли "Скрэтч" Перри – продюсер, развивший жанровую форму и выведший даб на новый уровень, U-Roy – первый тостер (читай: первый рэпер). Каждому посвящается значительная доля хронометража, при этом последние двое ещё и дают интервью. После кучи эпитетов не остаётся сомнений в значительности этой троицы для ямайской культуры, а околомузыкальные байки добавляют образам красок. На острове всегда умели развлекаться.
На портрет героев уходит треть хронометража, а дальше история планомерно развивается до наших дней. Каждый из опрашиваемых концентрируется на моменте взлёта даба, свидетелем которого был сам. В семидесятых даб встал на ноги и внедрился в панк-культуру, поскольку панки любили то же, что и растаманы: громкость, грув и кач. Многие ведущие панк-группы работали с даб-продюсерами и выпускали экспериментальные альбомы, сочетавшие оба жанра. В восьмидесятых начинает распространяться хип-хоп, один из первых представителей которого – DJ Kool Herc – привёз в Америку звук родного Кингстона. В девяностых миру является жанр джангла, а потом и драм-н-бейса, вышедшие из даба. Ну а в нулевых появился дабстеп, один из корней которого недвусмысленно заявляет о происхождении.
По итогу каждый гость получает свои пару минут хронометража. Монологи складываются в красочную историю жанра, который действительно изменил музыку. По зернистости кадра и операторским приёмам кажется, что все беседы, включённые в окончательный монтаж, сняты специально для фильма. Полностью оригинальное произведение. Не понадобилось никаких архивов – только людская отзывчивость и ответственность. И хотя изложение в целом выглядит суховатым, экспрессия и фразы вроде "даб останется на земле, даже когда всех завоюют китайцы" делают фильм увлекательным и в меру весёлым. Остаётся только согласиться со сказанным.
#сборник
Прослушал дискографию Ladytron.
Когда-то очень давно, году в 2005-ом, радио служило для меня практически единственным источником информации относительно музыки. У "Радио Юность" (также известного как ЮFM) был свой филиал на "Радио России" – один час модной молодёжной музыки, о которой полным жизни голосом рассказывал весёлый ди-джей. Именно тогда я услышал некоторые группы, позже ставшие частью моего обихода (Gorillaz, например). И тогда же я услышал слово "электроклэш" по отношению к группе Ladytron. В последующие годы коллектив выпал из моего инфополя, но вот термин не отпускал. Я по-прежнему не понимаю, как звучит максимально чистый, "фирменный" электроклэш, и где та тонкая грань, когда заканчивается синтипоп и начинается клэш. Во многом поэтому было решено вернуться к Ladytron и тщательно их изучить.
У группы удивительная статистика. Они никогда не были сверх-популярны ни в родной Британии, ни в США. Пик в альбомном чарте UK – 67 место, US – за пределами сотни. Ни одного сингла не входило в UK Top-40. Нет ни одной мало-мальской награды на муз.премиях. О каких-то захватывающих живых выступлениях и клипах также не наслышан. Но при этом группа имеет у нас культовый статус, да и на стримингах цифры приличные. Как так вышло? Кажется, не в последнюю очередь благодарить нужно футбольные симуляторы и другие игры. Музыка Ladytron кинематографична и отлично вписывалась в различные саундтреки, где её впервые и встречали представители прогрессивной молодёжи. Ну а дальше дело техники.
Временем Ladytron можно назвать нулевые. Четыре альбома и несколько EP, выпущенные в ту декаду, сформировали лицо группы и обозначили их место в электронной тусовке. Ярким фактом является закрепление успеха посредством выпуска компиляций Best of Remixes, Best of 00–10 и Best of 00–10 Videos в 2011 году. Участники будто сами понимали, что всё главное уже сказано, и если не получилось заработать миллионов с такой музыкой, то дальше уже не станет лучше. Так оно и вышло. В последующие 12 лет вышло лишь 3 студийника. На них группа не отступала от своего классического звучания слишком сильно, поэтому выделять какие-то периоды в музыкальном плане не стоит.
Далее тезисно.
Понял ли я с помощью Ladytron, что такое настоящий электроклэш? Нет. Если от вопроса "а включи мне чистый электроклэш" будет зависеть свидание с сексапильной блондинкой, останусь без сладкого. На анг.Вики вообще бессовестно написано "The band's sound blends electropop with new wave and shoegazing elements". Зато на ру.Вики есть такое: "Определённого «фирменного» звучания (как гоа или евродэнс) электроклэш не имеет, скорее можно говорить о неком настроении". Кому верим больше?
Понравился ли хоть один альбом целиком? Нет. Ни музыка, ни вокал, ни сумасбродные включения лирики на болгарском языке не возбуждают до такой степени, чтобы признаться группе в любви. Но если выделять какой-то один лонгплей, это Witching Hour.
Пожалел ли о потраченном времени? Нет. Хороших песен хватает, они разбросаны по разным LP. Одна из таких, размещённая чуть ниже на вершине топа, великая.
Сейчас группа в низшей точке своего развития. Январский Time's Arrow оказался малозаметным (хотя критики приняли его хорошо), а о том, что группа превратилась в трио, узнал при подготовке этого поста. Рубен Ву сконцентрировался на карьере фотографа и завязал с музыкой. И хоть перспективы Ladytron туманны, есть уверенность, что база поклонников в будущем от них не отвернётся.
Лучший альбом: Witching Hour.
Лучшие треки:
3 место – "Seventeen"
2 место – "Ghosts"
1 место – "Destroy Everything You Touch"
И 64 минуты музычки.
#флешбэк
О моём любимом осеннем альбоме.
Моя жизнь устроена так, что я чаще среднестатистического человека обращаюсь к музыке как к средству спасения от душевной боли. Последние 6,5 лет я живу один и, не имея ни одного родственника, общаюсь о проблемах только с друзьями. Но когда до встречи с товарищем много времени, а душа требует успокоения прямо сейчас, зачастую выручает музыка. Особенно это касается осени – времени, когда к стандартным бытовым тяготам добавляется промозглая погода, вирусы и невзрачные тусклые природные пейзажи. Есть много альбомов, которые способны при любых жизненных обстоятельствах поменять моё настроение с минуса на плюс, но один выделяется особенно. Это самый согревающий лонгплей из всех.
Дело было лет 15 назад. Не имея дома интернета, я пользовался услугами друга и только начинал узнавать, что такое мировая сеть и торренты. Тогда же обретало силу моё увлечение музыкой. Хватать хотелось всё подряд и кушать большими ложками. К пойнтам типа "Выкачать все группы на букву А с Джетюна" или "Послушать все альбомы The Beatles" добавилась временная одержимость премией Grammy. Было решено начать с главных номинаций и самых ранних церемоний, потихоньку продвигаясь вглубь. Хватило меня ненадолго, но всех победителей в категории "Album of the Year" послушал в течение пары недель. Это было сверхполезно для неокрепшего ума, на тот момент не отличившего бы поп-рок от синтипопа.
Фрэнк Синатра и Джуди Гарленд, Барбра Стрейзанд и Кэрол Кинг, Стиви Уандер и Лайонел Ричи, Уитни Хьюстон и Аланис Мориссетт, Лорин Хилл и Outkast. Я влюблялся в них всех (и ко многим до сих пор питаю самые нежные чувства)! Но когда из колонок начали доноситься первые ноты песни "Don't Know Why" с альбома Норы Джонс Come Away with Me, подо мной будто разорвалась бомба. Земля ушла из-под ног, дыхание перехватило. Я сидел в том же месте, где и обычно, выглядел так же, как обычно, вдыхал тот же воздух, что и вчера, но моё сознание менялось с непостижимой скоростью. Что это, как это?! Мне хотелось обнять весь мир. Мне никогда до того момента не было так хорошо от прослушивания музыки.
Обволакивающий "кошачий" вокал мисс Джонс мгновенно завладевает сознанием. То, как она играет своим голосом, нежно окрашивая эмоциями каждую нотку, неописуемо. Будто щекочет кожу, но не с наружной, а с внутренней стороны. Проверяет на выдержку капилляры. Это был её дебютный альбом, специалисты потом посчитали – диапазон в 3,3 октавы. С таким можно что угодно спеть! Как и положено джаз-попу, здесь нет строгой куплетно-припевной структуры. Песни просто переливаются одна из другой, объединяясь теплотой и лаской певицы. Минималистичный инструментал сочетает в себе приглушённые перкуссию и бас, шёпот скрипки, энергию акустических и электрогитар и интимность пианино, за которым сидела сама исполнительница. Немного органа, немного аккордеона – и рецепт готов. Ох, а эта обложка, эти губы… Могу говорить о Come Away with Me часами.
Альбом стал легендарным по всем возможным критериям и дал карьере певицы мощный толчок. Для меня же имя Норы Джонс мгновенно стало нарицательным, а любая певица, попадающая с ней в один ассоциативный ряд, сразу переходит в мой список must-listen. Сколько раз я слушал Come Away with Me, по кусочкам или целиком, математики ещё не придумали такое число! Моя прелесть.
Don't Know Why
целиком на ЯМ
Junior Delahaye — Love
Любовь!
Это момент, которого мы ждали.
Почему бы тебе не сказать мне, что ты действительно хочешь моей любви?
#классика
Смерть Боба Марли в 1981-ом наложила большой отпечаток на развитие регги-культуры. Мало того, что пик популярности жанра остался позади, так ещё и его главный светила неудачно поиграл в футбол и решил не откладывать в долгий ящик свою встречу с Джа. Второго Марли у Ямайки не нашлось, и постепенно регги обосновался вдалеке от мировых чартов. Сейчас бытует мнение, что в восьмидесятых уже не было значимых регги-альбомов. Однако с этой точкой зрения поспорят поклонники одного примечательного лейбла, набравшего форму как раз в то время.
Всех звёзд золотой эпохи регги, от Кинга Табби до Линтона Квеси Джонсона, можно благодарить за популяризацию жанра в мире. Нахлынувшие в Ямайку журналисты и музыканты с других материков, растаскивавшие пластинки с диковинкой, и сами звёзды регги, с удовольствием шедшие на контакт с малознакомыми людьми, создали симбиоз. Во второй половине семидесятых регги-концертом в Лондоне или Стокгольме уже было никого не удивить. Однако Ллойд "Bullwackie" Барнс, молодой ямайский продюсер, наблюдал за всем пиршеством на расстоянии.
Он родился в Тренч-Тауне в 1944-ом, но уже в 1967-ом эмигрировал в Нью-Йорк. Его детство и юность проходили под рёв дешёвых аудиосистем и мантры первых тостеров, и в США он не собирался предавать свои корни. Идеей Барнса стало открытие регги-лейбла здесь, вдали от родины. Заинтересовать подобным старт-апом местных меценатов не получилось, поэтому Ллойд стал усиленно работать. За девять лет он накопил нужную сумму, и в 1976-ом, как раз на пике популярности регги, мечта была исполнена. Лейбл назвали Wackie's, главная студия располагалась в Бронксе.
Первые годы лейбла были непростыми. Звёзды жанра активно гастролировали и продолжали записываться с уже знакомыми продюсерами, а новички либо боялись, либо вовсе не знали о заморской студии. Потихоньку Барнс собирал вокруг себя внушительную базу музыкантов и вырабатывал особенный стиль звучания. Молва о лейбле дошла до адресатов, и с конца семидесятых Wackie's стали выпускать релизы исполнителей уровня Хораса Энди. Все они, отправляясь в Америку, думали: "Ну, там-то точно не такие кустарные условия, как у нашего старины Ли Перри", – и обламывались, видя всё примерно то же самое и слыша звук с чётким упором на лоу-фай эстетику.
Со временем Барнс стал культовым персонажем в регги-тусовке, а о его лейбле даже сняли документальный фильм в 1985 году. Однако это не отменяет факта, что подавляющее большинство релизов лейбла издавалось в количестве 100-200 копий, и ни один не стал бестселлером. Сейчас те оригинальные пластинки стоят немыслимых сумм.
Одним из главных рабочих лейбла был Джуниор Делахэй (также известен под именами Ноэл и Рас). Он играл на нескольких инструментах, был техником, звукоинженером и продюсером в одном лице. Рубаха-парень, никому не отказывавший в помощи и трудившийся за идею. Его имя значится во многих буклетах релизов Wackie's. Возможно, какое-то время он не рассказывал боссу, что умеет ещё и петь, но когда правда вскрылась, Барнс не оставил выбора: будем писать альбом. Именно этот лонгплей сейчас вспоминается первым в золотом наследии маленького, но гордого лейбла.
#одиссея
#италия
Об альбоме The Frozen Autumn — Fragments of Memories.
Зародившийся в конце 80-ых на стыке нью-вейва, синтипопа и индастриала, жанр дарквейва мощными шагами завоёвывал планету в девяностые. Diary of Dreams, Lacrimosa, Das Ich, Clan of Xymox, Dead Can Dance… Список можно продолжать долго. Однако спустя 20 с лишним лет можно прийти к выводу, что тотально завладеть умами слушателей, как это сделали гранж, бритпоп и евродэнс, явившиеся миру примерно в то же время, дарквейв не смог. Возможно дело в жанровой конкуренции, но скорее всего ответ проще: стиль изначально задумывался как экспериментальный и не претендовал на большее, чем локальная известность и статус "широко обсуждаемого в узких кругах". В итоге с наступлением нулевых группы разбрелись кто куда – готик-рок, эмбиэнт, пост-индастриал.
В наше время остались верны дарквейву только такие одиозные личности, как Крис Поль, а в популярности он проигрывает даже синтивейву. Спорить же с тем, что девяностые успели оставить нам наследие из кучи добротных релизов этого интересного и необычного жанра, глупо. В числе прочих несколькими альбомами отметился итальянский коллектив The Frozen Autumn. Многие источники говорят о культовости первых лонгплеев группы – популярность к TFA прошла без особой раскрутки и продюсерского вмешательства. При этом счётчик last.fm в 2017-ом, когда они впервые попали в мой плейлист, отображал жалкие 25,6 тысяч слушателей (сейчас в два раза больше). Нестандартная ситуация.
Второй альбом группы хочется назвать лёгким и мягким. Основатель группы Диего Мерлетто в юношеские годы наверняка был поклонником Duran Duran и Depeche Mode, поскольку влияние этих двух синтипоп команд прослеживается фактически во всех песнях и даже в формировании треклиста. Известный факт, что группы девяностых, исповедовавшие новое дарквейв-звучание, не были революционерами, а лишь сделали более готически направленными уже известные жанры. При этом основа у всех была разной. От дарквейв-вариаций Laibach у вас кровь будет стынуть в жилах (ребятки тащились от грязного индастриала), в то время как TFA – словно их антиподы.
Готика здесь живёт в минимальном количестве, светлая грусть – в максимальном. При этом музыку TFA не поворачивается назвать меланхоличной, как, впрочем, и синтипоп-лонгплеи восьмидесятых, пробудившие в итальянцах жажду творить. У Depeche Mode есть песня 'Blasphemous Rumours' (одна из моих любимых). Её уникальность в том, что куплет в ней живёт с припевом разной жизнью, что музыка, что вокал буквально из разных измерений. Вместе же – сумасшедшая гармония, дань уважения всем идолам группы и статус идеальной песни-закрывашки альбома. Fragments of Memories периодически навевает такие же мысли – базируясь на правильных стилистических аспектах, музыканты и себя показали, и дань уважения восьмидесятым отдали. В итоге получился гибрид синти-культуры с The Cure (очень схож вокал), который только юродивый назовёт вторичным продуктом.
Эта пластинка понравится не только тем, для кого направление дарквейва до сих пор актуально, но и тем, кто прожигал свою молодость (физически или ментально) в восьмидесятых. Доказательств того, что группу можно считать культовой, у меня нет. Но можно предположить, что именно таким был рецепт успеха для альбома середины девяностых: тёплый синтезаторный звук с каплей меланхолии и тихим вокалом а-ля Роберт Смит. Любопытный релиз, заставляющий говорить об эпохе, олицетворением которой является.
Удивительно, но группа существует до сих пор и даже выпустила осенью этого года новый альбом.
Dusk Is Like a Dagger
#фильм
Суперсоник (Supersonic, 2016)
IMDB | КП
Высшей точкой развития Oasis является выступление на Knebworth Festival в 1996 году. Тем летом они были на пике популярности после выхода двух сверхуспешных лонгплеев. Общая аудитория фестиваля насчитывала 2,5 миллиона человек, а конкретно Галлахеры играли перед 145 тысячами. Ни до, ни после этого выступления за всю историю Небуорта никто столько не собирал. Гиг стал как творческим триумфом группы, так и водоразделом её истории. Братья внезапно почувствовали, что всего добились, и снизили к себе требования, в чём потом сами признавались. Если до концерта их называли лучшей английской бандой со времён The Beatles, то после критики начали планомерно разносить все их записи, а популярность постепенно убывала (как и всё бритпоп-движение). Документальный фильм посвящён созданию и развитию Oasis вплоть до того момента в августе 1996-го.
Мат Уайткросс знаменит своим режиссёрским дебютом: на Берлинском кинофестивале военная драма "Дорога на Гуантанамо" получила "Серебряного медведя" в середине нулевых. Потом постановщик стал обращаться к темам, смежным между музыкой и кино. Так, он снял байопик о жизни знаменитого британского панка Иэна Дьюри, комедию, основанную на истории двух поклонников The Stone Roses, документальный фильм о Скотте Уокере, а также несколько клипов для Take That и Coldplay. К моменту начала работы над "Supersonic" он набрался опыта в разных жанрах и подходил к задаче во всеоружии. В руки Уайткроса попали архивные записи, которые вплоть до релиза фильма не видел никто, кроме самых близких к Галлахерам людей. Одним этим фактом проект привлёк к себе внимание всех поклонников британского рока.
Перед режиссёром стал непростой вопрос: как объединить монологи людей, которые между собой не разговаривают уже несколько лет? После распада группы в 2009-ом братья начали избегать друг друга, не забывая публично кидаться какашками. Не было ни одного шанса, что ради фильма они сядут рядышком и мирно, с толком и расстановкой расскажут свои истории. В итоге Уайткросс пошёл на хитрость: он опросил всех по отдельности, но смонтировал прямые речи действующих лиц так, что создалось ощущение совместной беседы, диалога. Получилось очень недурно.
Загвоздка в том, что лица человека, которому принадлежит закадровый голос в конкретный момент времени, на экране нет. Вся документалка полностью состоит из архивных хроник: записи с репетиций, интервью, концерты, выходы в свет или просто домашние посиделки за просмотром матча "Манчестер Сити". Имена респондентов мелькают в углу экрана, постоянно меняя друг друга. Учитывая, что в голосах нет экспрессии, а субтитры постоянно чередуются, можно упустить, какая фраза кому принадлежит. Но в конечном счёте это не так важно, ведь мысли участников группы во многом схожи.
Фильм обстоятельно показывает все главные события первой половины девяностых, проводя зрителя от истории отца Галлахеров, тирана и абьюзера, до того самого концерта и вселенской известности. Герои откровенны в своих монологах, никто не пытается обелить собственный образ или перетянуть одеяло на себя (именно из-за этого распалась группа, поэтому были опасения). Нет никаких претензий к монтажу и звуку, из имеющегося материала режиссёр выжал максимум. Есть только две общих проблемы, из-за которых документалка не смогла стать чем-то по-настоящему значительным.
Первая – невысокая художественная ценность. Два часа безэмоционального аудиоспектакля направлены на аудиторию оголтелых фанатов, что до последнего способны развивать в себе интерес и следить за внутренней драматургией фильма, а не воспринимать всё показываемое с кислой миной. Вторая – выбранный временной промежуток. На 1996-ом всё внезапно обрывается. Закадровый голос лишь немного добавляет, что было после. Группа будто сама признаёт, что Be Here Now и последующие работы недостойны обзора, ибо были большим шагом назад. Грустно признавать такой факт. Но, даже с учётом сказанного выше, фильм обязателен к просмотру каждому поклоннику. Остальным – по желанию.
#классика
Ко мне домой приходят музыканты и записывают на портативный диктофон пение птиц с горы. Я спрашиваю их, зачем? Они отвечают, что хотят принести это в свою студию и использовать на компьютере, смешав с чем-нибудь. Для меня это странно: если хотите сотрудничать с природой, можете делать это здесь, в режиме реального времени. Обычно я открываю окна и играю на пианино, и, возможно, птицы меня слушают. Когда я играю громко или странно, они поют очень сильно. Если я играю тихо, они поют тихо. Так я записываю связь между природой и моей музыкой.
Каждому талантливому человеку для оценки собственного творчества нужен эксперт. Тот, кто подскажет, в правильном ли направлении ты двигаешься и всё ли у тебя получается. Для двенадцатилетнего Масакацу Такаги таким "специалистом" стала женщина с синдромом Дауна. Малец любил играть на фортепиано, но не мог пойти в музыкальную школу – она была слишком далеко. Он открывал окна и играл так, чтобы было слышно прохожим. Обычно на улице не было реакции, но в те дни, когда чувствовались улучшения, женщина садилась на велосипед и ездила вокруг дома. Это был единственный показатель хорошей игры, ведь у мальчика не было постоянного преподавателя. Позже музыкант признавался, что в каком-то смысле именно она научила его играть на фортепиано.
Акцент на возрасте важен. Вплоть до 12 лет Масакацу почти не интересовался музыкой, да и после она занимала в его жизни опосредованное значение. Главными увлечениями японца были дизайн и фотография. Он запечатлевал различные природные явления и случайных людей, делая из них коллажи. Потом перешёл на видеосъёмку. Много путешествуя по миру, Такаги начал создавать клипы и мини-фильмы для друзей, а также делал видеопрезентации в клубах и галереях.
Новый виток увлечения музыкой случился в 22 года. Своеобразные "саундтреки" из своих простеньких кинотворений (обычно это были просто природные шумы) японец превращал в эмбиэнт и глитч. Критики плохо приняли первые альбомы Такаги, и поэтому следующие 10 лет он выпускал музыку для галочки. Дохода от неё не было, зарабатывать приходилось прежними методами.
Всё изменилось в марте 2011 года. Землетрясение у восточного побережья острова Хонсю стало ужасающей катастрофой для всего японского народа. Такаги говорил о том времени: "Если раньше мы хотели трудиться всё больше и больше ради прогресса и денег, по западному образу жизни, то в этот момент многие, особенно молодые люди изменили свою жизнь и стали выглядеть более традиционно". В поисках умиротворения Масакацу переехал в горную деревню в Хёго и начал заниматься сельским хозяйством. Он помогал на огородах 90-летним старикам и всё меньше вспоминал о своём культурном прошлом, но местные сами попросили его написать музыку. Выпустив несколько саундтреков в следующие два года, самым значимым из которых был "Волчьи дети Амэ и Юки", Такаги быстро приобрёл статус талантливого композитора. Советы жителей деревни изменили его жизнь, и он решил отплатить им оригинальным способом.
Вдали от города музыкант будто обрёл вторую семью. Он неоднократно возвращался в деревню и решил обустроить там небольшую студию. Создал он её по образу из детства: фортепиано, стоящее возле огромного, всегда открытого окна, вид на гору и микрофоны, выведенные на улицу. Они записывали пение птиц, обрывки разговоров, шумы ветра и дождя. Помимо этого Масакацу сам брал у местных жителей своеобразные интервью: просил что-нибудь рассказать или спеть, записывая всё на диктофон. По итогу все записи, собранные за несколько лет, стали основой для альбома Kagayaki. В переводе слово означает "блестящий", но музыкант отсылался к школьным классам специального образования. Они так и называются, Класс Кагаяки. Когда-то Такаги состоял в таком.
#новость
Вчера в сети появилась удивительная новость, объединяющая два культурных явления, которые я обожаю всей душой – фильм "Реальная любовь" (Love Actually в оригинале) и группу Keane.
На момент продакшна рождественского фильма, важной частью которого должен был стать саундтрек, у Keane было только три сингла. Только "Everybody's Changing" хорошо продавался. Тем не менее группа отважилась и записала песню, которую даже назвала в честь фильма – "Love Actually". Отправила её режиссёру. Далее история умалчивает, что стало причиной, но в фильме песня не появилась. Возможно, на фоне Girls Aloud, Sugababes и Dido молодые британцы смотрелись совсем зелёными, а может сама песня не слишком соответствовала творению Кёртиса из-за повышенного градуса меланхолии. Саундтрек вышел 17 ноября 2003-го, и вот сейчас, спустя 20 лет, Keane решили выпустить синглом свою песню. Мне понравилось, всё в духе пиано-рока на старте их карьеры. Думаю, в фильме им нашлось место, если бы в арсенале уже был студийник.
5 место: Avenade — Our Raging God Unknown to Us. Если быть критически настроенным, можно обвинить Мэтта Хоукинса во всех смертных грехах и признать жутко неоригинальным. Всё стырил! Начиная от The Velvet Underground, транзитом через Sonic Youth и Fugazi, вплоть до Deftones. Построил свой саунд на том, что кто-то до него сделал знаменитым. На деле же очевидно, что Мэтт – жуткий музыкальный гик, который делает музыку для таких же гиков. Весь рок, в котором есть хоть немного шума, попадает под его нож, разрезается на множество кусочков и искусно интерпретируется в рамках выбранной концепции. Кого-то такой подход может оттолкнуть, но если нет – "отлипнуть" будет сложно.
4 место: Holly Humberstone — Paint My Bedroom Black. Новая звёздочка британского альт-попа не стала откладывать дело в долгий ящик и тоже порадовала разрастающуюся базу поклонников дебютным альбомом под занавес 2023 года. 5 место в британском чарте и общий балл 7,5/10 от критиков можно считать успехом. Сейчас ей 23 (скоро стукнет 24), и это главный пойнт. Альбом дышит молодостью, подростковыми переживаниями и ощущениями первых чувств в разных жизненных аспектах. Без просадок и филлеров, очень качественный поп. "Kissing in Swimming Pools" – абсолютный бэнгер.
3 место: Reverend Kristin Michael Hayter — SAVED! Прошло уже много времени с прослушивания этого альбома, а мне по-прежнему тяжело что-то сказать. То, что кто-то в 2023 году отважится записать тёмный госпел, звучащий будто из табуретки, а фончиком оформит собственные крики и гипер-реакции в духе Йоко Оно, можно было назвать безумием. Но то, что этот госпел начнут разбирать на молекулы и восхищаться, безумие в квадрате. Самый безбашенный альбом года. Кристин Хейтер, ты напрочь ёбнутая женщина. Я тебя люблю.
2 место: Sofia Kourtesis — Madres.
1 место: Robert Finley — Black Bayou.
Динь.
О лидерах здесь и здесь.
Cредне (5 – 6):
††† — Goodnight, God Bless, I Love U, Delete (Synthpop, Electropop)
Aho Ssan — Rhizomes (Epic Collage, Electroacoustic)
Au5 — Bridges Between (Melodic Dubstep)
Autopsy — Ashes, Organs, Blood and Crypts (Death Metal)
awakebutstillinbed — chaos takes the wheel and i am a passenger (Midwest Emo)
Bad Bunny — Nadie Sabe Lo Que Va a Pasar Mañana (Trap latino, Pop Rap)
Beartooth — The Surface (Alternative Metal, Pop Rock)
Bobbing — Year of the Newt (Indietronica)
BOOKER — Злачное Место (Rap Rock)
Cirith Ungol — Dark Parade (Heavy Metal)
DJ Shadow — Action Adventure (EDM)
Dorian Electra — Fanfare (Hyperpop, Industrial Rock)
Drake — For All the Dogs (Trap, Pop Rap)
Dreamwell — In My Saddest Dreams, I Am Beside You (Screamo, Post-Hardcore)
Duran Duran — Danse Macabre (Synthpop, Pop Rock)
END — The Sin of Human Frailty (Metalcore)
Forest Swords — Bolted (Post-Industrial)
G Jones — Paths (Hybrid Trap, Future Bass)
i61 — SHELBY IIII (Experimental Hip Hop)
Icarus — Change (Progressive House)
Jane Remover — Census Designated (Shoegaze, Post-Rock)
Joel Corry — Another Friday Night (Dance-Pop, House)
Katie Dey — Never Falter Hero Girl (Indietronica, Art Pop)
Ken Carson — A Great Chaos (Rage, Southern Hip Hop)
King Gizzard & the Lizard Wizard — The Silver Cord (Neo-Psychedelia, Progressive Electronic)
Kölsch — I Talk to Water (Melodic Techno)
Lee Gamble — Models (Ambient, Glitch Pop)
Lost Girls — Selvutsletter (Art Pop)
Marina Herlop — Nekkuja (Avant-Folk, Art Pop)
MEDUZA — MEDUZA (Tech House)
Moksi — Moksi Crew (Tech House)
Of Mice & Men — Tether (Alternative Metal)
Orchestral Manoeuvres in the Dark — Bauhaus Staircase (Synthpop)
Poppy — Zig (Alt-Pop, Post-Industrial)
PRAANA — Supernal Dawn (Progressive House)
Ragana — Desolation's Flower (Atmospheric Sludge Metal, Atmospheric Black Metal)
Sulphur Aeon — Seven Crowns and Seven Seals (Death Metal, Black Metal)
Tardigrade Inferno — Burn the Circus! (Alternative Metal)
Vanishing Twin — Afternoon X (Neo-Psychedelia, Indietronica)
Wayfarer — American Gothic (Atmospheric Black Metal)
Westside Gunn — And Then You Pray for Me (Gangsta Rap, East Coast Hip Hop)
Will Sparks — Accepted Concept (Future Rave)
Within Temptation — Bleed Out (Alternative Metal)
Year of the Knife — No Love Lost (Metalcore, Deathcore)
Аффинаж — Общество с ограниченной ответственностью (Post-Hardcore)
Порез на собаке — Произвол Ныряние (Post-Industrial)
Плохо (2,5 – 4,5):
Afterbirth — In But Not Of (Progressive Metal)
Black Tiger Sex Machine — Portals (EDM)
Citadelle — Pilot (Progressive House)
Ecstatic — Quantum Leap (Rawphoric)
ISOxo — kidsgonemad! (Hybrid Trap)
Level One — Reversed Reality (Hardstyle)
Martin Solveig — Back to Life (Tech House)
Nídia — 95 Mindjeres (Batida)
Oolacile — Be Curious (EDM)
Reinier Zonneveld — Heaven Is Mad (For You) (Hard Trance)
Vorso — Holonomy (EDM)
Отвратительно (0,5 – 2):
нет таких.
Непонятно, когда он начал, когда были тяжёлые времена, хотел ли перестать принимать и прочее. Даже если Нил и обладал точной информацией о взаимоотношениях Джими с веществами, он утаил их от читателя. Они здесь не вписываются. Причины подобного подхода понятны, но всё же чувство недосказанности велико. Последние пара страниц, на которых Хендрикс рассуждает о смерти, – это единственное, что автор переставил в плане хронологии. Едва ли чувак, только-только собравший новую группу и оборудовавший студию своей мечты, предполагал, что через несколько месяцев он захлебнётся рвотными массами во сне. Возможно, что красивое "прощание" Нил дописал сам, но он к тому моменту абсолютно соединился с лирическим героем. Имел полное право.
За точными сведениями о жизни Хендрикса и историей его болезни обращайтесь к другим литературным источникам. Думаю, публицистики навалом (в том числе и на русском языке), картину сложить можно. Что же касается других особенностей "Начать с нуля", невозможно не отметить оформление. Оно просто фантастическое. Необычайное количество различных шрифтов, стилей, орнаментов, рисунков. Сиреневый и чёрный цвет крепко подружились на страницах книги. Плюс стоит отдельно похвалить наших переводчиков, которые с блеском адаптировали не только текст, но и стихотворения, многие из которых я читал на русском языке впервые. Грандиозная работа, молодцы. Цинику такое оформление может показаться вычурным, но здесь очевидна угода концепции. Как менялись почерк (в зависимости от условий труда) и жизнь Хендрикса, так и строки на страницах ведут себя крайне разрозненно. Ощущение, будто в руках держишь не книгу, а действительно дневник из обрывков фраз и воспоминаний.
Отрывок:
Хотя ничего особо оригинального я не делаю, обо мне уже пишут в таких журналах, как «Life» и «Time». Странно – ведь они, эти самые люди, поначалу надо мной смеялись. Ха! Теперь я уже не дурачок Джими, а мистер Хендрикс. Меня анализируют, пишут мои психологические портреты, в которых я ничуть на себя не похож. Они и понятия не имеют, что у меня внутри. Мы живём в совсем другом мире. Ведь что такое мир? Это голод, трущобы, дикая расовая ненависть. А счастье – лишь то, что можно держать в руках.
~~~
Умолкла музыка, огни не светят,
А содержимое бокала докончил пыльный пол.
Пьянящий хмель глаза мне стелет,
И кажется — вот-вот откажет мозг.
Огонь свечи играет с перстнем на моей руке,
В неярком отблеске рука — словно чужая.
Бар закрывают, что ж, пойду к себе —
В красную бархатную комнатку в подвале.
Бреду, пошатываясь, вдруг — гудят, по имени зовут,
И на мгновенье мысли разом сбились в груду.
Потом смешок внутри — как, неужели старый друг?
А я искал тебя повсюду.
Затрепыхалась память и смела улыбку с губ,
Но слов моих не слышит тот, кому однажды доверял я.
Много воды ушло, а я по-прежнему бреду
В красную бархатную комнатку в подвале.
Купить: Под заказ
#флешбэк
О Gorgon City.
Хаус больше не имеет веса на мировой музыкальной сцене. В конце восьмидесятых, когда жанр выбирался из андеграунда, было написано огромное количество отличной музыки. Тогда хаус стал профильным, самым "попсовым" жанром электроники. В девяностых из гей-клубов и всяких полузакрытых вечеринок он перебрался на стадионы и топ-клубы культурных столиц мира. Мировые продюсеры выдавали продукт, на равных боровшийся в чартах с гранжем, бритпопом и даже попом. Во второй половине десятилетия чуть более сложные направления, отслоившиеся от хауса, – брейкбит, джангл, хэппи-хардкор, трип-хоп – также имели успех. В нулевые был всплеск, связанный с активностью французских мастеров: пошумели Дэвид Гетта, Мартин Сольвейг, Боб Синклер, Жоаким Гарро и Daft Punk со своим Discovery. Ну а десятые стали временем шведов, ведь Avicii, Eric Prydz и Swedish House Mafia (в группе и поодиночке) тоже звучали отовсюду.
Однако именно в прошлое десятилетие хаус-движение стало чем-то локальным. Электроника, как и масса других жанров, уступила в популярности хип-хопу. В какой-то степени это можно связывать и с ухудшением качества хаус-музыки. Если мелодии Фрэнки Наклза и Masters at Work пробуждали чувства даже у сторонних наблюдателей, то сейчас треки каких-нибудь Afrojack и Hardwell тяжело отличить. Положительные эмоции вызывают только прог и дип-поджанры, представителей которых иногда можно увидеть в списках типа "100 лучших альбомов года" от влиятельных изданий. Из чартов хаус практически исчез (до топ-10 доезжают единицы типа Келвина Харриса). Говоря проще, за современным хаусом следят только гики.
Всё произошедшее можно проследить в миниатюре на дискографии дуэта Gorgon City. Британский хаус имеет определённый шарм. Его можно узнать в толпе себе подобных, хотя это сложно объяснить словами. Когда Gorgon City появились в 2014-ом, это был мини-взрыв. Альбом Sirens залетел сразу на десятое место, четыре сингла обосновались в топ-20. "Ready for Your Love" и "Here for You" крутились по ТВ довольно часто (у меня тогда ещё была тарелка НТВ+ с массой зарубежных музыкальных каналов, следил). Что интересно, это был не поп-хаус типа позднего Тиесто, а довольно интересный дип с элементами тек-хауса, гэриджа и дэнс-попа.
Разнообразное звучание и масса именитых гостей на фитах сделали своё дело: альбом поселился в плеерах тысяч жителей UK, и за его пределами музыка группы тоже нашла поклонников. Но прошло 4 года, за которые мода сделала несколько кувырков, и вышедший в 2018-ом Escape оказался уже почти никому не нужен. Сингл "Real Life" зацепился за топ-40 (благодаря дуэту с тогда популярным Дюком Дюмоном), остальные релизы прошли незаметно. Помню, что звучание осталось тем же, и трек "No More", выходивший бонусом. Понравился больше всех.
Далее Gorgon City выпустили несколько синглов и один EP, совсем незаметные. И вдруг, новость – третий студийник. Вроде бы не так много времени прошло со второго, но в 2021-ом группа казалась сильно забытой. 18 треков, 71 минута, oh boy… Вводные говорили, что дуэт расписался в собственном бессилии, решив взять если не качеством, то хоть количеством.
Но что мы слышим? С первого же трека вниманием завладевает не привычный дип, а прог и даже тек-хаус. Жанры, далёкие от коммерции. И в них ребята себя прекрасно чувствуют. Да, здесь нет хитов для MTV, а приглашённые вокалисты-ноунеймы не берут таких нот, как Энн-Мари или Джен Хадсон, но у меня прямо на душе потеплело от того, насколько целостным и приятным получился Olympia. Очень неожиданно слышать подобное от radio-friendly группы, на которой большинство прогрессивных слушателей поставили крест. Если бы таких пластин было больше, может и моду получилось бы поменять. Трек "Waiting for the Right Time" просто снёс мне башню.
Увы, но в своих восторгах я остался в меньшинстве. Никакого нового толчка группа не получила. Вышедший в этом году Salvation уже ничем не смог удивить и вообще не попал в британский чарт, впервые в истории группы.
#флешбэк
О Durand Jones & The Indications.
История группы начинается в 2012 году, когда певец Дюран Джонс, барабанщик Арон Фрейзер и гитарист Блейк Рейн встретились и, основываясь на любви к ретро, решили писать музыку вместе. Шутка в том, что если в ваш плейлист попадёт любой релиз группы, с первого раза вряд ли получится дать верный ответ, когда записана эта музыка. Ребята хорошо маскируются, хотя и пишутся на независимом лейбле со всеми прелестями современной звукозаписи. Жанрово на Джонса и компанию пытаются навесить ярлык ретро-соул или даже соул-ревайвл, но это лишнее. Классический соул – вполне подходящее словосочетание. Пламенный привет Джеки Уилсону и Кёртиса Мейфилду.
Если при упоминании термина "соул" внутри вас что-то колыхается, этой музыке нужно дать шанс. Один из лучших примеров классического звучания среди современных команд. Три альбома, и все прекрасны. Как только включаешь, комната сразу наполняется светом и любовью. Если после первого лонгплея были сомнения, то теперь группу можно считать знаком качества.
Они выпускаются на виниле (помимо стандартных CD и цифровых релизов), и хотел бы я на мгновение побыть аудиофилом. Покупаешь новый винильчик Джонса, запускаешь на граммофоне и отправляешься на машине времени куда-нибудь в 1975-ый. Что поражает вдвойне: третий альбом Private Space засветился в чарт Биллборда, в отличие от своих предшественников. На топ-100 прыти не хватило, но то ли ещё будет. Казалось, без серьёзной поддержки мейджор-лейбла такие релизы обречены оставаться в андеграунде и инди-чартах, ан нет.
Музыка Дюрана Джонса и его шайки – это чистый соул. И чистый секс. Мягкий вокал, пришёптывания, многоголосия, постоянные эротичные переливания мужского и женского голоса. Откровенные, но лёгкие для восприятия тексты. Стандартный набор из гитары, синтезатора и перкуссии то и дело аккуратно разбивается то виолончелью, то скрипкой, то флейтой, чётко встроенными в микс. Ну и куда без самого сексуального инструмента – саксофона. Линн Лигамари из Birch Creek Academy Band своей игрой добавляет нотку пикантности и утончённости. Радует, что такая музыка продолжает быть востребованной.
Под музыку Durand Jones & The Indications я испытал один из самых приятных моментов в своей жизни. Друг, не искушённый в плане меломанства, попросил подобрать сборник для собственной свадьбы. Я выбрал много песен, он отобрал самые лучшие и передал ди-джею. Мне было очень хорошо на празднике, это был действительно потрясающий вечер. Но когда в момент сразу после танца новобрачных заиграла "Don't You Know", и в эту же секунду мы с женихом пересеклись взглядами… Особенный момент и особенные чувства, которые навсегда останутся со мной.
🍁 Осенний марафон 🍁
Совместно с авторами прекрасных ТГ-каналов поучаствовал в эксперименте, чутко обозначенном как "Подогреем осень". Сегодня для вас – самые-самые осенние релизы по нашему мнению. Мы не совещались, поэтому музыка здесь разная. Полный список:
– Дмитрий ("Карусель") ловит осень, гуляя с Tindersticks в наушниках;
– Дмитрий ("Отборные Мурашки") наслаждается инструменталом The Declining Winter;
– Олег ("Альбом дня") делится целительной скорбью от Helena Deland;
– Михаил ("Непохоже") скользит по льду гармоний Jane's Addiction;
– Дамир ("Groovy Sweets Radio") вспоминает уникальную анимацию и саундтрек от Clint Mansell;
– Фёдор ("Деколонизируем музыку") телепортирует нас в Сенегал к Mansour Seck;
– Евгений ("Зыка Му") медитативно созерцает мир с Blithe Field.
Переходите к участникам забега (и подписывайтесь!), слушайте их фаворитов и по желанию голосуйте, чей альбом более всех ассоциируется с осенью по вашему мнению.
На дворе стоял 1982 год. Регги уже успел пустить корни во многие жанры, но Делахэй всё равно смог удивить. В отличие от стандартных для Wackie's даба и рутс-регги, предметом его любви оказался лаверс-рок. Жанр, зародившийся в Ямайке ещё в шестидесятых, но расцветший в Англии семидесятых, был плодом жарких чувств между рокстеди и филадельфийским соулом. Какое-то время жанр считался "женским", потому что в семидесятых его звёздами становились в основном представительницы слабого пола, но к концу десятилетия Грегори Айзекс и Шугар Минотт обозначили "мужское" видение. Оно также нашло своего слушателя, и Делахэй присоединился к приятной компании.
На альбоме Showcase всего 6 песен, 3 из которых являются каверами. Казалось бы, не самый обстоятельный подход к дебютному альбому, но все сомнения исчезают с первых секунд. Стартовая "Love" воссоздаёт всё лучшее, что впитал лаверс-рок. Сладкий соул с тяжёлыми и глубокими басами объединяется с текстурами классического даба. Мягкое, но вместе с тем психоделичное звучание вызывает массу эмоций, от щемящей неги до тревоги. Пение Джуниора мастерски варьируется от утончённого тенора до нежного фальцета, а трогательная лирика вызывает ещё больше переживаний. Далее Делахэй развивает форму, обращая к миру свои гимны любви, братству и Богу. Если музыкально не составит труда найти точки пересечения с другими представителями лаверс-рока, то голос Джуниора делает опыт прослушивания незабываемым.
Отдельный пойнт – обложка альбома. На ней Джуниор в раста-шапке и куртке с логотипом лейбла будто внезапно откликается на обращение: "Бро, посмотри в камеру". Чёрно-белая, несимметричная, со странной подписью REGGAE сверху (возможно, так хотели назвать лонгплей в оригинале, а для переизданий придумали новое) – всё это точно не способствовало большим продажам. Так оно и вышло. Отметившись ещё несколькими синглами, а также альбомом в составе группы The Chosen Brothers, Делахэй исчез с радаров и больше не давал о себе знать. Вы не найдёте в сети его биографии или хотя бы статуса, жив ли он. Но благодаря одному короткому альбому, заслужившему уже несколько переизданий, его имя останется в истории ямайской культуры.
#флешбэк
О Crowded House.
С тех пор как я впервые осознанно послушал Crowded House в 2017-ом, музыка группы стала мне очень близкой, а вокал Нила Финна роднее некуда. То и дело встречая песни группы на всяких сборниках, всё больше проникался их звучанием. Поклонником не стал, но в любви признаться могу. И Woodface, который я тогда рецензировал, теперь имеет оценку повыше. Узнав о том, что в 2021-ом группа снова (уже в четвёртый раз) собралась вместе, поклялся сам себе, что теперь уж точно с толком и расстановкой всё послушаю. От нового опыта получил огромное удовольствие.
Crowded House сложно назвать суперзвёздной группой, но факт: в 1980-90-ые они были популярны на трёх материках разом. Очень хорошие продажи в США и Канаде, отличные в Соединённом Королевстве и потрясающие в родной Австралии и Новой Зеландии. Притом что за исключением "Don't Dream It's Over" у них не было однозначных хитов, популярность альбомов до первого распада не подвергается сомнению. Все четыре становились платиновыми, и теперь я воспринял их в связке. Как четыре части одной большой истории.
Возможно, лишь первый из-за порой сильного уклона в пауэр-поп и немного сыроватого звучания выделяется, а вот дальше пошло всё очень гладко. Душевно, тепло, в меру меланхолично. Нил Финн – это любовь. Музыкально Crowded House легко можно запараллелить с другими героями той эпохи типа Simple Minds или U2, но вот вокал Финна не похож ни на какой другой. Он и поёт потрясающе, и замечательно играет своим голосом. Вкладывает разные чувства, которые всегда здорово коррелируют с эмоциональным окрасом песни. "Горько-сладкая поэтичная нега, в которой можно раствориться; музыка, под которую легче расставаться с любимым человеком", – такой образ у ранних Crowded House. Не могу не согласиться. Выпущенный перед распадом сборник лучших хитов стал 13-платиновым в Австралии. Думаю, много слёз было выплакано.
С пятого студийника начинается история новых Crowded House, так сказать "поздних". Учитывая все обстоятельства, коммерческий успех Time on Earth можно назвать чудом. В тот момент группа была эмоционально подавлена уходом из жизни одного из участников, а сам Финн ещё и раздражён тем, что сольно у него так и не получилось стать большой звездой. Однако народ очень соскучился по любимым проникновенным гитарным балладам и смёл альбом как горячие пирожки. Однозначно могу назвать тот лонгплей и последовавший за ним Intriguer хорошими работами, но всё же форма у Финна была не та, что в девяностые. Crowded House стали более похожими на стандартный поп-рок, хотя и смогли сохранить определённое обаяние и свой австралийский шарм. А главное – ребята не стали прибегать к автотюну и прочим прелестям нового мира. Потом был ещё один сборник "best of" (уже куда менее успешный) и снова распад. Казалось, мужики полностью выложились и всё высказали.
Однако старт нового десятилетия Финн и товарищи отметили новым студийником. Новость о Dreamers Are Waiting была воспринята русскими слушателями положительно, да и плохих отзывов не было. Все, кому "немного за тридцать", обрадовались, что в потоке рэпа и всяких выскочек на минуту появились ещё не потерявшие тягу к прекрасному австралийцы. Да, это всё те же Crowded House, милые и лиричные, но при этом принять их новую музыку становится сложнее из-за её предсказуемости.
На одной харизме вокалиста выезжать тяжело, а в плане инструментала никаких сдвигов не сделано, да и вряд ли нужно. Собранные на лонгплее песни нельзя назвать посредственными, но выветриваются они слишком быстро. Где-то понравилось многоголосие, где-то гитарка, где-то вступление, но ни одна композиция не могла бы выдержать конкуренции, попади она на Together Alone, например. Так что главное чувство, которое может вызвать Dreamers Are Waiting – ностальгия. И это не очень хорошо.
To the Island
#фильм
Без обратного пути (No Distance Left to Run, 2010)
IMDB | КП
"No Distance Left to Run" приурочили к первому воссоединению группы после продолжительного перерыва (оно состоялось в 2008-ом, а фильм вышел в начале 2010-го). Основой стал видеоконтент трёх типов. Первый – наиболее классический – хроника событий с самого начала формирования группы. Режиссёры Уилл Лавлэйс и Дилан Саузерн не дают ответа, что из показанного снималось для потенциального формирования документалки, а что имело случайный характер, но кажется, что случайного больше. Второй – старые интервью участников. Благодаря им можно проследить, как менялись взгляды музыкантов на Blur и музыку в общем. Третий – мини-фильм, снятый специально для документалки. Он как бы объединяет два предыдущих пункта, при этом чередуя их по форме. Отрывки современных концертов и поездок перекликаются с новыми монологами участников. Теперь, когда они снова вместе, есть смысл оглянуться на два прошлых десятилетия и всё внимательно проанализировать, расставив точки над i.
За исключением пары не самых знаменитых клипов, творческий дуэт Лавлэйс-Саузерн на момент съёмок не имел за плечами совершенно никакого опыта. Это была их первая документалка. Даже по прошествии больше 10 лет режиссёры не имеют страничек на Википедии, оставаясь в андеграунде. Blur выбрали именно этих постановщиков, чтобы максимально следить за съёмочным процессом и иметь право голоса при финальном монтаже. Распространённая практика для доков на музыкальную тематику. Последовавший за релизом успех у критиков подтвердил правильность такого решения. Удивительно, но благодаря фильму Blur первый раз появились на Grammy – номинация "Best Long Form Music Video". Проиграли проекту о The Doors, о котором я когда-то уже писал.
Фильм действительно крепко сбит и ладно сшит. С точки зрения режиссуры и монтажа к нему не подступиться, всё сделано на высоком уровне. Архивные съёмки качественно обработаны, звук выровнен, противопоставление старых лайвов новым и старых бесед новым имеет должный эффект. История группы по кирпичику выстраивается в умах зрителей, а герои-участники постепенно наделяют свои образы необходимыми для понимания сюжета качествами. Казалось бы, всё идеально, но…
История группы даже спустя 20 лет существования не имеет должного количества твистов и судьбоносных поворотов. Оттого всё повествование кажется слегка выхолощенным, ненасыщенным и неинтересным. Невозможно представить, какие бури кипят в душах участников коллектива, что встретились и вновь начали выступать вместе, но под взором камеры они кажутся академиками с тросточками. Многие потенциально интересные моменты не договариваются или прерываются на полуслове. "Ну, мы часто дрались", "Ну, мне было очень плохо", "Ну, я лежал в клинике"… Десятки эпизодов, о которых бы хотелось знать больше. Полный творческий контроль всё же сыграл с группой злую шутку.
В глазах музыкантов невозможно прочесть как ностальгии по горячим денёчкам девяностых, так и счастья нового воссоединения. Не чувствуется нерва, какого-то самого простого сюжетного базиса, вокруг которого можно построить драматургическую составляющую. Как следствие – вымученность, немой вопрос "разве мы кому-то нужны в новом десятилетии?". Выражение о том, что жизнь – лучший выдумщик, в случае с Blur неожиданно забарахлило. Глупо требовать от Деймона и Грэма позерства, наигранных эмоций, что им не свойственны. Но было бы куда приятнее увидеть фильм с более чёткими приоритетами и грамотной сценарной основой. Даже при интересной форме он оставляет скорее ощущение недоумения, чем приятного послевкусия.
Minnie Riperton - Lovin’ You
На днях освежил в памяти, что такое компиляции «LateNightTales» (миксы от совершенно разных музыкантов - Jamiroquai, Arctic Monkeys, Fatboy Slim). Слушал ту, которая от французской группы Air.
Там я обнаружил хорошо знакомую мне песню, которую не слышал много лет. Lovin’You от Minnie Riperton. В итоге, за последние сутки раз 13 (а то и больше) уже послушал ее.
Несколько инересностей.
Написана песня была Minnie и ее мужем. Альбом на который она вошла, продюссировал Стиви Уандер. Это было желанием самой певицы, когда лейбл Epic спросил «кого она хочет видеть в качестве продюсера?»
Уандер и сам был рад во всем этом поучаствовать, но обязательства перед Motown Records накладывали на него ограничения. И чтобы избежать контрактных разногласий между лейблами, его указали на альбоме певицы “Perfect Angel” под псевдонимом El Toro Negro. На испанском это означает Черный Бык [Black Bull]. Что было не просто так, поскольку по знаку зодиака Стиви Уандер Телец.
Во время записи Lovin’ You в студии присутствовала дочь Minnie Riperton по имени Maya. Так что, в конце песни очень хорошо слышно, как певица пропевает несколько раз имя дочери Ma-ah-aha-aha-ah-ya
На протяжении всей песни слышно щебетание птиц. По словам певицы, это было записано случайно еще во время работы над демо-версией Lovin’ You. Но всем понравилось, как этот мелодичный шум сочетается с песней в целом, и звуки птиц включили в финальную версию.
Lovin’ You имеет солидный возраст и за 40 лет ее перепевали многие. Среди известных имен Ariana Grande и Olivia Newton-John.
Youtube | Spotify
