2908
mus-col.com VK.com/sobraniemuseum
Экспонат в деталях: ярмарочный орган
В день святого Валентина – праздника, посвящённого любви и романтическим отношениям, предлагаем познакомиться с экспонатом коллекции музея «Собрание» – ярмарочным органом, созданным французскими мастерами Александром Гаспарини (A. Gasparini) и Пьером Бютелем (Piere Butel) в 1913-1928 годах.
Деревянный корпус ярмарочного органа, о котором пойдёт речь, богато украшен фигурной накладной резьбой и росписью. На центральной части фасада изображена влюбленная пара, отдыхающая на лоне природы. Это изображение повторяет один из четырёх сюжетов серии пасторалей Франсуа Буше «Четыре сезона» – «Весна» (1755). Художник создал знаменитый цикл пасторалей для своей главной покровительницы, маркизы де Помпадур. Полотна этой серии имели необычную форму, так как предназначались для размещения над дверными проемами (десюдепорт) в одной из резиденций маркизы де Помпадур.
Оригинал картины в настоящее время находится в Собрании Фрик (The Frick Collection), в Нью-Йорке.
Вместо традиционных для того времени изображений сельскохозяйственных работ (пахоты или сева), Буше интерпретировал тему времен года через галантные сцены. «Весна» представлена как идиллическое свидание молодой пары на фоне пасторального пейзажа. Изображенный на картине юноша вплетает цветы в волосы сидящей пастушки, что символизирует пробуждение природы и зарождение любви. Рядом с ними изображены корзины с цветами, подчеркивающие атмосферу легкости и неги.
Картина выполнена в характерной для Франсуа Буше светлой гамме с преобладанием розовых, голубых и нежно-зеленых оттенков, создающих эффект «фарфоровости» и декоративности.
Франсуа Буше (1703-1770) – выдающийся французский живописец, рисовальщик, гравёр и художник-декоратор, ставший воплощением стиля рококо в XVIII веке. «Первый живописец короля» Людовика XV и любимец маркизы де Помпадур, он создавал картины на мифологические, аллегорические и пасторальные сюжеты в светлых, нежных тонах. Буше был необычайно плодовит, работая также над картонами для гобеленов, росписями севрского фарфора и декорациями для опер.
В 1765 году Буше был назначен на должность директора Королевской академии живописи и скульптуры и получил звание «первый живописец короля». За несколько месяцев до смерти, Буше избрали почётным членом Академии художеств в Петербурге.
Франсуа Буше можно считать основателем целой художественной школы, мастером виртуозных рисунков – художник сделал их более 10 тысяч.
Анонс: лекция «Хрустальные миры Мальцовых»
В четверг 12 февраля 2026 года в музее «Собрание» пройдет лекция историка, к.ю.н., директора музея брянских меценатов, Ирины Кеня.
Исследователь познакомит слушателей с историей одной из известнейших российских династий, «хрустальных королей» России, Мальцовых. Этот род прославился благодаря продукции своих стекольно-хрустальных заводов: она неоднократно завоевывала награды на престижных международных выставках и украшала столы царских резиденций.
Гости музея не только увидят изящный хрусталь, но и познакомятся с выпуском разнопрофильных предприятий Мальцовых: например, будут представлены первые русские рельсы, паровая машина, пароход, паровой двигатель и мартеновская печь. Кроме того, Ирина Кеня расскажет о своих опубликованных научных исследованиях, посвященных благотворительной деятельности семьи Мальцовых, их вкладе в формирование уникальной системы жизни рабочих, а также о связях представителей династии с А.С. Пушкиным, Л.Н. Толстым, В.М. Гюго и И.А. Бродским.
Встреча с ученым будет интересна всем, кто интересуется историей культуры, промышленности и меценатства в Российской империи.
Записаться на лекцию можно на сайте музея в разделе «Лекторий».
Лекция пройдет на минус первом этаже музея. Продолжительность лекции 60 минут.
Обращаем Ваше внимание, что посещение музея с детьми младше 6 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
https://mus-col.com/contacts/lectures.php
К 125-летию Яши Хейфеца. Музыкальная подборка
Яша Хейфец (02.02.1901–10.12.1987) — русский и американский музыкант еврейского происхождения, один из величайших скрипачей XX века.
Игре на скрипке он начал учиться в трёхлетнем возрасте у своего отца, а с четырёх лет занимался у известного педагога Ильи Малкина. Уже в шесть лет Хейфец дал первый концерт, исполнив Концерт Ф. Мендельсона с оркестром. К десяти годам в его репертуаре были крупные скрипичные концерты Макса Бруха и Петра Чайковского. В 1909 году талант юного музыканта привлёк внимание профессора Петербургской консерватории Леопольда Ауэра, который принял Хейфеца в свой класс.
Международная известность пришла к нему в 1914 году после концерта в Берлине под управлением Артура Никиша. Оглушительный успех закрепился дебютом в Карнеги-холле в 1917 году, после которого критики назвали Хейфеца «настоящим гением» и «идолом американской публики». В 1925 году музыкант получил гражданство США и стал одной из главных фигур американской музыкальной жизни.
Хейфец активно гастролировал по Европе, Австралии, Азии, Южной Америке и Ближнему Востоку, выступал в СССР, сотрудничал с крупнейшими звукозаписывающими компаниями и снимался в кино. С 1940 года он преподавал в Университете Южной Калифорнии, а во время Второй мировой войны выступал перед солдатами и в госпиталях.
В репертуаре Хейфеца — практически вся мировая скрипичная классика, включая редкие и малоисполняемые сочинения. Его дискография насчитывает сотни записей. Последние публичные выступления состоялись в 1970 году. Яша Хейфец ушёл из жизни в 1987 году, оставив наследие, которое до сих пор считается эталоном скрипичного искусства — сочетанием безупречной техники, выразительного звука и высочайшего художественного вкуса.
https://mus-col.com/events/39352/
Раритетная запись: сцена из 4-го акта комедии Грибоедова «Горе от ума»
Александр Сергеевич Грибоедов (1795–1829) – дипломат, историк и востоковед, русский писатель, прозаик и драматург, пианист и композитор, автор бессмертной комедии «Горе от ума».
Жизнь А.С. Грибоедова – редкий пример гармонии между государственной службой и творческим призванием.
Комедия «Горе от ума» – сатира на аристократическое московское общество первой половины XIX века – яркий образец драматургии и поэзии, один из самых цитируемых текстов в русской культуре. Оценив масштаб произведения, А.С. Пушкин предсказал: «Половина стихов должна войти в пословицу».
К дню рождения А.С. Грибоедова предлагаем послушать фрагмент легендарного спектакля Московского Художественного театра (МХАТ), оцифрованный с грампластинки, представленной в коллекции музея «Собрание»:
«Горе от ума», комедия А. Грибоедова. Сцена из 4-го акта. Исполнители: В.Я. Станицын и М.И. Прудкин.
Эта грампластинка – ценный документ эпохи, сохранивший сценическую речь и актерскую манеру великих мхатовцев середины XX века в одной из главных русских пьес. Сцена из 4-го акта – ключевой момент финала комедии, где происходит разоблачение Молчалина и окончательный разрыв Чацкого с фамусовским обществом. На этикетке грампластинки задокументирован уникальный состав исполнителей:
Марк Прудкин – Молчалин (вкрадчивый, «бессловесный» секретарь, раскрывающий свою истинную натуру в финале); Виктор Станицын – Чацкий (страстный обличитель, застающий Молчалина врасплох).
Оба артиста являются яркими представителями мхатовской традиции и признанными классиками советской театральной школы.
Запись выпущена Апрелевским заводом, который до создания фирмы «Мелодия» в 1964 году, был главным производителем пластинок в СССР.
Надпись «Комитет по делам искусств при Совете Министров СССР» указывает на то, что это была официальная фондовая запись радиовещания, сделанная в период между 1946 и 1953 годами (время существования комитета под таким названием).
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=7202
Джанго Рейнхардт – один из основателей стиля «джаз-мануш»
Сегодня, в день рождения Артура Джанго Рейнхардта, французского джазового гитариста-виртуоза и одного из создателей стиля «джаз-мануш», вспоминаем путь музыканта. Подборка его композиций представлена в Фонотеке музея.
Джанго Рейнхардт родился 23 января 1910 года в цыганском таборе в Бельгии, а вырос на окраине Парижа. Музыке он учился самостоятельно: в детстве освоил банджо и гитару, аккомпанировал на праздниках и быстро стал виртуозом. В 18 лет его карьера едва не оборвалась — пожар в вагончике привёл к тяжёлым травмам левой руки и ноги. Несмотря на прогнозы врачей, Рейнхардт не только вернулся к игре, но и создал уникальную технику, играя преимущественно двумя пальцами.
Оставив табор, Джанго выступал в парижских кафе и кабаках, где познакомился с американским джазом. В 1930-е годы он создал квинтет «Hot Club de France», объединивший свинг, цыганские мотивы и французский шансон. Необычный состав без ударных и сотрудничество со скрипачом Стефаном Граппелли сделали ансамбль культовым. Во время Второй мировой войны Рейнхардт гастролировал и странствовал по Франции, а в 1944 году играл с американским военным оркестром.
После войны музыкант записал значительную часть своей дискографии, выступал в Европе и США, хотя американская публика уже увлекалась электрогитарой. В начале 1950-х Рейнхардт всё больше обращался к живописи. Он умер 16 мая 1953 года в возрасте 43 лет. По словам Стефана Граппелли, Джанго Рейнхардт изменил не только гитарную игру, но и сам джаз.
https://share.google/BcUQR4k63cV0tdz9n
200 лет. Юбилейная выставка университета имени С.Г. Строганова в Зарядье открыта до 12 апреля 2026 года
Место проведения: Паркинг Галерея Зарядья, ул. Варварка, д. 6, стр. 1
Подробнее на сайте: https://академия-строганова.рф/events/315/
Британский лейбл звукозаписи «His Master’s Voice». История компании
His Master’s Voice (HMV) — один из самых известных брендов в истории звукозаписи. Он принадлежал компании The Gramophone Company, входившей в корпорацию EMI, и ведёт свою историю от акционерного общества Gramophone and Typewriter Ltd., основанного в 1899 году на базе предприятий, связанных с изобретателем граммофона Эмилем Берлинером.
История бренда началась с трогательного образа. В 1898 году художник Фрэнсис Барро написал картину с фокстерьером по кличке Ниппер, который слушает записанный голос своего умершего хозяина. В 1899 году Gramophone Company выкупила права на изображение, заменив на картине фонограф на граммофон.
10 июля 1900 года название «His Master’s Voice» было зарегистрировано как торговая марка. Первоначально логотип использовался в США фирмой Victor Talking Machine Company, а с 1909 года стал официальным лейблом Gramophone Company в Великобритании. HMV быстро приобрёл репутацию «премиального» издателя, специализирующегося на классической музыке и опере, выпустив первые масштабные записи выдающихся исполнителей.
Логотип с Ниппером получил международное распространение: в Германии — Stimme seines Herrn, во Франции — La Voix de son Maître, в Италии — Voce del Padrone. С 1913 года марка вошла в состав EMI, а в 1921 году была основана сеть магазинов His Master’s Voice. В 1920-е годы компания стала одним из крупнейших производителей граммофонов и пластинок в мире.
В 1931 году Gramophone Company объединилась с Columbia Graphophone Company, при этом HMV стал суб-лейблом EMI. Последним британским релизом под маркой His Master’s Voice стал альбом Моррисси «Beethoven Was Deaf» (1993). Бренд прекратил существование как лейбл, но торговая марка сохранилась и продолжает использоваться по лицензии. С 2023 года логотип HMV применяется компанией Victor Musical Industries Inc. для выпуска бытовой аудиотехники.
Образ Ниппера — собаки, слушающей граммофон, — стал культовым символом музыкальной индустрии и одним из самых узнаваемых логотипов в истории звукозаписи, существующим уже более 120 лет.
История Ниппера подробно рассказана в рубрике «Аудио рассказы».
В коллекции музея представлены грампластинки с логотипом His Master’s Voice, граммофоны, репродукция картины Фрэнсиса Барро и памятные карманные часы Victor 1930-х годов.
https://mus-col.com/events/39064/
Рождественский выпуск рубрики «Аудиорассказы». Панно «Святое семейство»
В рождественском выпуске рубрики «Аудиорассказы» мы обращаемся к одному из самых трогательных и устойчивых образов христианской культуры — Святому семейству. В центре внимания — настенное панно с музыкальным механизмом «Святое семейство», представленное в коллекции музея «Собрание».
Предмет был создан швейцарскими мастерами фирмы Thomas & Krannig в Цюрихе на рубеже XIX–XX веков. Это изящный пример соединения сакрального образа и механической музыки — характерного явления для европейского декоративно-прикладного искусства того времени.
В резной деревянной раме под стеклом размещена скульптурная композиция из белого бисквита: Дева Мария с младенцем Христом и Иосиф Обручник. Мягкая полихромная роспись, золотистые ткани, декоративная арка и обилие символических деталей создают камерное, почти домашнее ощущение рождественского чуда. В корпус панно встроен музыкальный механизм с программным валиком и звуковой гребёнкой, приводимый в действие заводным ключом.
Интерес к образу Святого семейства особенно усилился в Европе в конце XVIII — начале XIX века. После закрытия церквей во Франции в период Революции рождественские сцены постепенно переместились в частные дома. Так возникла традиция домашних вертепов и сантонов — небольших фигур, изображающих персонажей евангельской истории. Эти скромные по форме, но глубокие по смыслу образы позволяли сохранить праздник Рождества даже в условиях запретов.
Панно «Святое семейство» — отражение этой традиции, соединяющее религиозный сюжет, декоративное мастерство и музыкальное сопровождение. Оно напоминает о том, как вера, искусство и техника объединялись, создавая особую атмосферу домашнего праздника.
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=3771
День былинного богатыря: портсигар с миниатюрой «Богатыри»
В самом начале календарного года отмечается день памяти былинного богатыря, защитника Руси — Ильи Муромца. С детства он известен нам как воин Земли Русской, заступник слабых и беззащитных. Эта дата включена в российский календарь необычных праздников и ежегодно напоминает о диалоге поколений, о сохранении народной памяти о доблести и верности героев своей земли. Это не только дань уважения предкам, но и напоминание о единстве нации и духовной преемственности культурных ценностей.
Образ Ильи Муромца представляет собой сложный синтез эпох, соединяя дохристианские представления о защитнике земли с христианским идеалом служения людям и Богу. В былинном эпосе он олицетворяет физическую мощь и охрану границ Руси, противостоя силам хаоса. С принятием христианства его сила наполняется новым смыслом: герой остаётся образцом мужества и чести, служа Отечеству и Творцу. В православной традиции 1 января чтится память преподобного Илии Печерского, чудотворца Муромского — воина и монаха времён княжения Владимира Мономаха.
В знаменитой картине Виктора Васнецова «Богатыри» Илья Муромец изображён могучим воином, доминирующим в композиции. Его уверенная осанка, подчеркнутая сила и спокойная решимость передают образ несокрушимого защитника Русской земли. Этот художественный образ стал важной частью национального самосознания конца XIX века, когда интерес к древнерусскому наследию служил утверждению духовных и исторических ценностей.
В коллекции музея «Собрание» представлен серебряный портсигар, созданный мастерами Фабрики по производству золотых и серебряных изделий Е. Черятова в 1908–1917 годах. На верхней крышке портсигара, в килевидном медальоне, в технике матовой живописной эмали en plein, воспроизведена картина В. М. Васнецова «Богатыри» (1898). Изображение обрамлено чеканным растительным орнаментом, а замок украшен вставкой хризолита-кабошона. Портсигар выполнен в неорусском стиле и является ярким примером обращения декоративно-прикладного искусства начала XX века к образам национального эпоса.
https://mus-col.com/events/39138/
С наступающим Новым годом!
Дорогие друзья и гости музея «Собрание»,
команда музея сердечно поздравляет всех с наступающим Новым годом.
Пусть наступающий 2026 год будет добрым, радостным и щедрым на счастливые моменты и яркие события!
Пусть он пройдёт под знаком позитивных событий, будет щедрым на успешные проекты, подарит благополучие, душевный мир и отличное самочувствие.
Мы благодарны вам за интерес к музею, внимание к нашим проектам и преданность искусству. Надеемся, что и в новом году музей «Собрание» по-прежнему будет вдохновлять вас, служить надежным ориентиром в мире искусства и местом, где бережно хранится история и всегда есть пространство для дискуссий.
Особую ценность представляют не современные аранжировки, а аутентичное звучание, сохранённое на ранних механических носителях. Именно такие записи позволяют услышать музыку так, как её воспринимали слушатели конца XIX — начала XX века.
В коллекции музея «Собрание» хранится редкий металлический диск фирмы Polyphon Musikwerke — одного из крупнейших европейских производителей музыкальных автоматов рубежа веков. Подобные диски предназначались для самоиграющих музыкальных шкатулок и дисковых автоматов и позволяли воспроизводить популярные мелодии в гостиных, салонах и домах по всей Европе. Каждая перфорация и выступ на поверхности диска — это своеобразная нотная запись, переводящая механическое движение в музыку.
Запись гимна «Тихая ночь» на этом диске отличается камерным, мягким звучанием и лишена концертной помпезности. Она создаёт ощущение уюта и сосредоточенного покоя — именно того настроения, которое изначально было заложено авторами гимна.
Сегодня эту историческую запись можно услышать вновь. Мы приглашаем вас прослушать «Тихую ночь» в аутентичном звучании с металлического диска из коллекции музея «Собрание» — так, как её слушали более ста лет назад.
Экспонаты музея «Собрание» на выставке «Все Бенуа — Всё Бенуа»
Центральный выставочный зал «Манеж» при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга представляет масштабный межмузейный проект «Все Бенуа — Всё Бенуа». Это своеобразная энциклопедия русского искусства, рассказанная через судьбы и наследие одной из самых блистательных творческих династий России. Выставка раскрывает историю не только семьи Бенуа, но и широкой культурной среды, которую они формировали и объединяли вокруг себя.
Проект демонстрирует зрителям множество неожиданных связей и смелых гипотез. В экспозицию вошли более 600 экспонатов — живопись, графика, скульптура, костюмы, документальные материалы, личные вещи и предметы быта, объединённые оригинальной кураторской концепцией.
Выставка создана в партнёрстве с ведущими музеями России. Среди участников — Государственный Эрмитаж, Государственный музей-заповедник «Петергоф», Государственный Русский музей, Театральный музей им. А. А. Бахрушина, Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Российский этнографический музей, Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого (Кунсткамера), музей «Собрание», галерея искусств KGallery и другие. Всего в проекте приняли участие более 60 российских музеев и частных коллекционеров.
Анна Ялова, директор ЦВЗ «Манеж», отмечает, что династия Бенуа по праву считается одной из самых влиятельных и многочисленных художественных семей, чьё наследие обогатило не только русскую, но и мировую культуру. Выставка ставит перед собой задачу представить феномен целого рода, проследить его корни, развитие и неиссякаемый творческий потенциал, охватывая более полутора веков их деятельности.
Куратор проекта, заслуженный деятель искусств Павел Каплевич, подчёркивает, что лейтмотивом выставки становятся мечты всех Бенуа. Через созданные ими образы зритель обращается к историческому прошлому и одновременно заглядывает в будущее, выходя за рамки пространства и времени.
Арт-директор музея «Собрание» Светлана Чураева рассказывает, что предметы из коллекции музея иллюстрируют знаменитую «Азбуку» А. Н. Бенуа. Впервые зрителям представлены уникальные листы с авторскими пометками и акварельными выкрасками художника, сохранившиеся в архивах Гознака. Кураторское решение Павла Каплевича соединяет иллюстрации с живописными, скульптурными и декоративно-прикладными предметами. Так, букву «П» иллюстрируют полотно Зинаиды Серебряковой и попугай работы Луиса Киспе из коллекции музея. В зоне буквы «Е», посвящённой теме еды, представлен серебряный корабль-неф, а в разделе «Щ. Щеголь» — редкие трости и драгоценные аксессуары ведущих ювелирных фирм Российской империи.
Очевидно, что эта выставка стала настоящим подарком всем, кто увлечён русским искусством. В таком масштабе и с такой концентрацией безусловных шедевров, многие из которых демонстрируются впервые, история династии Бенуа ещё не рассказывалась. Выражаем искреннюю признательность организаторам проекта и наилучшие пожелания замечательной команде петербургского Манежа.
Выставка продлится до 19 апреля 2026 года.Читать полностью…
Подробнее:
https://manege.spb.ru/events/vystavochnyj-proekt-vse-benua-vsyo-benua/
https://manegebenua.ru/
Женщина, которая пела жизнь: К 110-летию Эдит Пиаф
19 декабря 2025 года музыкальный мир отмечает 110 лет со дня рождения Эдит Джованны Гассион – женщины, навсегда вошедшей в историю как Эдит Пиаф (Édith Piaf). Ее называли «Парижским воробышком» (фр. La Môme Piaf), и этот образ – хрупкой, маленькой женщины с мощным, пронзительным голосом – стал символом не только ее собственной трагической судьбы, но и всего французского шансона XX века.
Феномен Эдит Пиаф в том, что она не просто пела, а проживала каждую песню на сцене, вкладывая в нее всю свою душу и эмоции. Не имея формального музыкального образования и не зная нотной грамоты, она учила песни на слух, обладая при этом безупречным музыкальным чутьем и абсолютным слухом.
Ее вокальная манера отличалась исповедальностью – каждая песня в звучала как откровенный разговор по душам или личная история. Пиаф умело использовала огромный диапазон своего голоса – от еле слышного шепота до эмоционального крика, чтобы передать всю гамму чувств.
Певица не придерживалась строгого ритма. Она пела не по нотам, а так, как чувствовала, могла в любой момент растянуть фразу или пропеть ее быстрее, что придавало песням особую драматичность.
Узнаваемый тембр её голоса (слегка надтреснутый, сильный голос) мгновенно вызывал глубокий эмоциональный отклик у публики. Эдит Пиаф удалось создать уникальный стиль французской музыки, на котором учились многие поколения певцов. Ее репертуар («Жизнь в розовом цвете», «Нет, я ни о чем не жалею» и другие) – это музыкальный дневник ее непростой жизни, полной любви и разочарований.
Именно благодаря Эдит Пиаф появился тот самый, фирменный французский шансон, который мы знаем. Ее песни — это отражение ее бурной жизни, которые до сих пор служат примером для артистов по всему миру.
Эдит Пиаф не просто исполняла песни; она создавала фирменный стиль французской эстрады, который повлиял на целые поколения артистов. Ее репертуар — это хроника жизни, полной взлетов и падений, любви и разочарований, что нашло отражение в таких знаковых композициях, как: “La Vie en rose" («Жизнь в розовом цвете»): Песня, ставшая ее визитной карточкой и мировым гимном любви.
“Non, je ne regrette rien” («Нет, я ни о чем не жалею»): Философское произведение, выражающее квинтэссенцию ее жизненной философии и стойкости.
Влияние Эдит Пиаф выходит за рамки музыки, олицетворяя собой дух Парижа и находя отклик у публики по всему миру. Сегодня, спустя 110 лет после ее рождения, музыка Эдит Пиаф продолжает жить, вдохновляя артистов самых разных жанров и напоминая о том, что для великого искусства не нужны ноты – нужна душа.
https://mus-col.com/events/38986/
В музее «Собрание» прошла презентация арт календаря Фонда «Русский Силуэт»
Календарь Благотворительного фонда «Русский Силуэт», который более 25 лет оказывает поддержку молодым дизайнерам, традиционно объединяет сразу несколько видов искусства: фотографию, кинематограф, литературу, телевидение и моду. Страницы издания – это творческая коллаборация именитых дизайнеров, известных актрис, медийных персон и фотохудожников.
«Календарь — настоящая энциклопедия дизайнеров, многие из которых давние друзья Фонда: Татьяна Парфенова, Виктория Андреянова, Татьяна Котегова, Виктория Газинская, а также те, кого больше нет с нами: Валентин Юдашкин и Вячеслав Зайцев. Наряду с именитыми кутюрье в календаре мы традиционно представляем и молодых дизайнеров: в этот раз ими стали Александра Гапанович, Миша Манаков и Павел Ковалевский», — рассказывает президент Фонда Татьяна Михалкова.
Как отмечает учредитель Фонда Александр Митрошенков, героинями календаря выступают востребованные звезды кино, телевидения и эстрады: «В этом году в него вошли такие известные актрисы, как Екатерина Климова, Анна Пересильд, Лукерья Ильяшенко, Маргарита Галич, Мирослава Карпович, Елена Лядова, Ника Здорик, Пелагея Невзорова, Зарина Менгли, Ксения Утехина. Это люди, которые способны оказать влияние на формирование национального самосознания, популяризировать особенности российской культуры среди молодого поколения».
За фотокамерой календаря «Две стихии: мода и вода» — легенда fashion-фотографии Александр Мультиков.
Хэдлайнером вечера и модного показа выступила Алёна Ахмадуллина, которая в свое время также участвовала в конкурсе «Русский Силуэт», а теперь является одним из ведущих российских дизайнеров.
Подробнее о мероприятии:
https://smotrim.ru/video/3058514?ysclid=mj4cckbaem364826029
https://www.vesti.ru/article/4826904?ysclid=mj4cgdvwy1349312997
Экспонат в деталях: самоиграющий орган «Aeolian»
В коллекции музея Собрание хранится редчайший «резиденционный» орган «Aeolian Pipe Organ», созданный в 1913 году мастерами компании The Orchestrelle Company. Подобные инструменты изготавливались по индивидуальным заказам для богатых особняков и сочетали ручную игру органиста с автоматическим воспроизведением музыки с бумажных перфорированных лент. Благодаря расширенным регистрам орган способен исполнять не только классический репертуар, но и джаз, блюз, регтайм и свинг 1910–1920-х годов.
Аналогичные органы находились в Виндзорском замке, Императорском дворце в Пекине и в домах крупнейших промышленников своего времени. В 1930-е годы их устанавливали также в кинотеатрах, концертных залах и на круизных лайнерах.
6 декабря 2019 года орган «Aeolian» получил статус Памятника науки и техники I категории.
Инструмент состоит из корпуса с органными трубами и выносного пульта с двумя мануалами и ножной клавиатурой. Встроенный электропневматический механизм считывает информацию с перфолент шириной 286 мм и управляет звучанием труб. Всего в комплект входит около 500 роллов, записанных с участием живых органистов. Эти ленты являются одним из первых способов фиксации авторского исполнения и предвосхитили развитие авторского права.
Реставрация органа в музее длилась более двух лет: была полностью восстановлена электрическая система, пересобран пульт и отремонтировано более 300 труб. Сегодня звучание инструмента вновь позволяет услышать музыку начала XX века в аутентичном виде. В карточке экспоната доступны 16 оцифрованных треков, записанных с оригинальных перфорированных лент.
В коллекции музея представлены и другие самоиграющие инструменты фирмы «Aeolian», а также более сложная модель резиденционного органа компании «Welte-Kimball».
https://mus-col.com/events/38842/
Обновление раздела коллекции «Западноевропейская скульптура»
Раздел коллекции музея «Западноевропейская скульптура», в котором особое место занимает скульптура эпохи ар-деко, пополнен яркими работами известных французских скульпторов, представителей этого художественного направления – Пьера Ле Фагэ (1892-1962) и Марселя Андре Бурена (1886-1948), речь о которых шла в недавно опубликованном аудио рассказе о скульпторах, совершивших художественный прорыв в пластике начала XX века.
https://mus-col.com/collection/fine-art/sculpture/zapadnoevropeyskaya-skulptura/
Февраль. Мелодии уходящей зимы
Февраль – второй месяц календарного года, завершающий месяц зимы. Несмотря на то, что он самый короткий месяц в году, февраль играет важную роль в нашем восприятии времени, природы и культурных традиций. Мы воспринимаем февраль как переходный период между суровой зимой и первым робким весенним теплом.
В климатическом отношении февраль демонстрирует большое разнообразие в зависимости от широты, которая определяет климатический пояс, и региона. В северных широтах это один из самых холодных месяцев: температуры остаются низкими, земля покрыта снегом, а реки и озера могут быть в ледяной хватке. В то же время, чем севернее находится регион, тем заметнее в феврале прибывает день, буквально «включая» наше весеннее настроение. Дни удлиняются – разница в продолжительности дня по сравнению с декабрем уже заметна, и это придаёт особое ощущение приближения скорых перемен. Несмотря на морозы, в феврале у растений начинают активироваться внутренние процессы – набухают почки и запускаются механизмы подготовки к вегетации; у животных меняется поведение в связи с приближающимися сезонными изменениями.
Временные и климатические особенности февраля формируют характерные акустические образы — музыку февраля, представленную низкими зимними тонами (ветер, скрип снега). Постепенно их сменяют лёгкие, прозрачные тембры – мажорные мотивы капели и солнечных бликов. Вместе эти акустические образы создают ощущение постепенного перехода от зимней стагнации к ранним весенним переменам.
Музыка февраля одновременно меланхолична и успокаивающе оптимистична: она настраивает на задумчивый лад, оставляя после себя чувство уютного ожидания перемен, словно старый друг, обещающий скорую встречу...
https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=7242
Декоративные элементы орнамента: жемчужник
Жемчужник — рельефный орнамент древнегреческого происхождения, который на протяжении веков использовался в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Его основа — ритмично повторяющиеся круглые элементы, напоминающие жемчужные бусины. Простая по форме деталь оказалась удивительно универсальной и легко адаптировалась к различным стилям и материалам.
Возникнув в античном декоре, жемчужник применялся как самостоятельный мотив или как дополнение к другим орнаментальным элементам. Уже в древности он служил средством визуального упорядочивания формы и подчеркивал границы предметов.
Существует несколько основных разновидностей жемчужника: рельефный, выполненный в резьбе, лепнине или керамике; простая точечная кайма; вариант с чередованием шаров и цилиндров (bead-and-reel), характерный для ионического ордера; многорядные композиции, а также комбинированные формы, соединяющие жемчужник с растительным или геометрическим орнаментом.
Несмотря на внешнюю простоту, жемчужник играет важную композиционную роль. Ритмический повтор придаёт декору структурную чёткость, гармонию и завершённость. В античности он украшал края сосудов, элементы мебели и одежды. В византийском искусстве мотив приобрёл сакральное значение, став частью икон и мозаик. Эпоха Ренессанса вернула его в архитектурный канон, а барокко и рококо использовали жемчужник как выразительный акцент, подчёркивающий роскошь и пластичность форм.
В XIX веке, в период неоклассицизма и эклектики, жемчужник вновь стал востребован, а в модерне трансформировался, подражая природным линиям. Ар-деко, напротив, вернул ему геометрическую строгость и лаконичность, превратив в элемент упорядоченной декоративной структуры.
Различные вариации жемчужника можно увидеть в декоре предметов из коллекции музея «Собрание», представленных в новом тематическом альбоме. Этот орнамент встречается в разделах «Эмаль», «Художественное стекло и керамика», «Художественный металл», «Часы и механизмы», «Табакерки и портсигары», «Украшения и аксессуары», демонстрируя богатство форм и исторических интерпретаций одного из базовых мотивов европейского декора.
Лекция «История картографии: от звездного неба к горным вершинам»
В четверг 29.01.2026 в 18.00 запланировано проведение лекции «История картографии: от звездного неба к горным вершинам» (лектор Екатерина Ефремова).
На лекции мы совершим увлекательное путешествие в мир старинных карт. Начнём с карт звездного неба, первые из которых создавались ещё в каменном веке. Исследуем карты античности и эпохи великих географических открытий, а затем познакомимся с картами, представленными в коллекции музея «Собрание». Завершится наше путешествие в XVIII веке – в эпоху становления и расцвета российской картографии. Обсудим какие карты бывают; разберёмся в инструментарии, который требовался для создания карт и познакомимся с технологиями прошлого, использовавшимися для определения топологии пространства и составления карт высот.
В картах отражается момент истории, переплетаются политические интересы, уровень научных знаний и представлений о мироздании. Гравированные известными мастерами и изданные знаменитыми издательствами, они могут поведать многое о своём времени и его восприятии. В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные по содержанию карты – общегеографические, определявшиеся в терминологии своего времени как «военно-топографические», политико-административные, карты путей сообщения, топографические, планы отдельных территорий и этнических областей и другие.
С биографиями известных картографов прошлого – Александра Михайловича Вильбрехта
(1757-1823), Мартина Вальдземюллера (1470-1520), Иоахима Оттенса (1663-1719), Конрада Мальт-Брюна (1775-1826), Йоханна Кристофа Вейгеля (1654-1725) и Иоганна Баптиста Гоманна
(1664-1724) можно познакомиться в разделе «Авторы/Производители».
В разделе «Статьи и обзоры» опубликована статья «История русской картографии: ключевые моменты».
Посещение лекции с детьми младше 7 лет не рекомендовано.
На каждого посетителя следует оформлять отдельную заявку.
Лекция проводится в лектории музея на минус 1 этаже. Продолжительность лекции – 60 минут.
Аудио рассказ «Синергия судеб трёх скульпторов эпохи ар-деко»
Коллекция музея «Собрание» представляет собой репрезентативный срез пластического искусства, где особое значение имеет сегмент ар-деко. Исследование творческого наследия Пьера ле Фаге, Марселя Андре Бурена и Макса ле Верье позволяет проследить, как творческие биографии авторов конвертировались в единый художественный язык эпохи.
Несмотря на то, что становление этих мастеров происходило в условиях экзистенциального кризиса Первой мировой войны, их деятельность стала манифестом витализма. Группа творцов, формально относимая к «потерянному поколению», на практике осуществила деконструкцию этого термина, заместив многоаспектный опыт торжествующей эстетикой. В их работах зафиксирована конвергенция классических сценических искусств – театра и цирка – с новейшими для того времени технологическими достижениями. Таким образом, скульптура ар-деко стала не просто декоративным элементом, но визуальным кодом новой урбанистической среды и современной концепции телесности.
Аудио рассказ о трёх скульпторах, совершивших художественный прорыв в пластике начала XX века – на сайте музея в рубрике «Аудио рассказы».
Наш видео-гид «Скульптура эпохи ар-деко» в разделе «Прогулки по музею» познакомит вас с ключевыми событиями в истории возникновения стиля ар-деко и отличительными чертами этого многоликого художественного стиля.
Раздел коллекции музея «Западноевропейская скульптура», в котором представлен ряд ярких работ европейских скульпторов, представителей эпохи ар-деко, можно детально изучить на сайте музея.
https://mus-col.com/events/39222/
200 лет. Юбилейная выставка университета им. С.Г. Строганова
Когда говорят об Университете им. Строганова, непременно добавляют «Знаменитая Строгановка». Творческая биография многих выдающихся классиков, имена которых известны сегодня всему миру, начиналась с поступления в это знаменитое учебное заведение.
Масштабный проект приурочен к 200-летнему юбилею РГХПУ имени С.Г. Строганова. Выставка впервые вне стен университета рассказывает его историю — от основания до сегодняшнего дня, представляя все периоды развития учебного заведения, главные имена преподавателей и выпускников.
В экспозицию вошли работы более 140 авторов разных лет. Среди них: Федор Шехтель, Лев Кекушев, Алексей Щусев, Константин Коровин, Михаил Врубель, Юрий Пименов, Илья Машков, Ольга Розанова, Александр Родченко, Александр Дейнека, Владимир Фаворский, Гелий Коржев и другие.
Проект подготовлен при участии 30 музеев, а также частных фондов и коллекционеров. Куратор — кандидат искусствоведения, заведующий кафедрой истории искусств и гуманитарных наук РГХПУ имени С. Г. Строганова Кирилл Гаврилин.
Музей «Собрание» предоставил более десяти предметов, созданных талантливыми студентами этого известного учебного заведения.
Выставка открылась 26 декабря 2025 года и продлится до 12 апреля 2026 года.
На обложке: Поднос с изображениями скачущего богатыря и Бабы-Яги. Императорское Строгановское училище. Россия, Москва. Начало ХХ века.
https://mus-col.com/events/39228/
Аудиорассказ. Скульптура Д. Чипаруса «Полярный медведь»
В 2025 году было много юбилейных и памятных дат, но для людей увлеченных искусством, этот год прошел, в первую очередь, под знаком столетия стиля ар-деко.
Музей «Собрание» располагает обширной коллекцией предметов этого художественного стиля. На третьем этаже постоянной экспозиции расположен тематический блок скульптуры ведущих мастеров эпохи ар-деко.
В новом выпуске нашей регулярной рубрики «Аудиорассказы, мы представляем вашему вниманию интересный экспонат. Скульптура «Полярный медведь», созданная Деметром Чипарусом, – одна из последних документированных работ мастера, редкий пример анималистики в его творчестве.
В рассказе представлена эволюция стиля Чипаруса: от ранних хрисоэлефантинных скульптур к терракотовым и гипсовым фигурам животных, ставших для него основными работами в годы войны. Скульптура «Полярный медведь» демонстрирует ключевые черты ар-деко: обтекаемые геометрические формы, графичный силуэт и декоративную трактовку образа, сохраняя при этом динамику и характер.
Рассказ также освещает связь работы Д. Чипаруса с наследием Франсуа Помпона, историю её создания на знаменитой литейной мануфактуре Chardon и значимость этой анималистической композиции как финального аккорда в творчестве Чипаруса и в эпохе ар-деко в целом.
Видео-ролик «Скульптура эпохи Ар-Деко» познакомит вас с ключевыми событиями в истории возникновения стиля Ар-Деко и отличительными чертами этого многоликого стиля, где любовь к классическому искусству здесь уживалась с авангардными экспериментами, а сложные ремесленные техники – с увлечением передовыми промышленными технологиями. По ходу виртуальной прогулки вы познакомитесь с разделом экспозиции музея «Собрание», где представлен ряд ярких работ европейских скульпторов, представителей эпохи Ар-Деко, каких как Деметр Чипарус, Арманд Годар, Клер Колине, Фердинанд Прайсс и других. Их работы можно детально рассмотреть в разделе коллекции музея «Западноевропейская скульптура».
https://mus-col.com/events/39182/
Экспонат в деталях. Роялофон «Piano Melodico»
Друзья, надеемся, вы отлично проводите первые дни января в кругу близких и в добром настроении.
Когда-то, в начале XX века, зимние праздничные недели были временем встреч и балов, проходивших в роскошных городских особняках. Нередко на них звучали затейливо украшенные самоиграющие инструменты, похожие на роялофон фирмы «Piano Melodico», которому посвящен новый выпуск рубрики «Экспонат в деталях».
Этот инструмент из коллекции музея «Собрания» представляет собой уникальный механизм, воспроизводящий мелодии с картонных складных перфорированных книжек. Изящная резьба в виде путти и муз украшает роялофон – эти мифологические покровители искусства словно визуализируют саму гармонию, сопутствуя каждому звуку.
Вслед за звуками рождественских гимнов и неаполитанских мелодий, вы сможете перенестись на роскошный бал начала XX столетия.
https://mus-col.com/collection/mmp/stringed-instruments/mechanical-pianos/38724/
Новогоднее поздравление от основателя музея «Собрание»
Пусть грядущий год ознаменуется для Вас процветанием и свершением всего задуманного!
От всей души желаем, чтобы каждый день наступающего года был преисполнен вдохновения, неизменного успеха и гармонии.
Для создания праздничной атмосферы примите поэтическое поздравление
от основателя музея «Собрание» Давида Якобашвили:
Друзья, мой тост за Новогодность!
За веру, за Богоугодность!
За кумачовых лошадей,
За Мир порядочных людей!
За наши общие возможности,
За ореол благонадежности!
За вместе прожитые годы,
За сохранение свободы!
За ангелов под небесами!
За солнца луч в оконной раме!
За здравье ваше, за гормоны,
За справедливые законы,
За фейерверки и гирлянды,
За полуночные куранты,
За интеллект, за уважение
И за Любви приумножение!
Расписание работы музея в новогодние праздники
31 декабря 2025 и 1, 2, 5, 7 января 2026 года экскурсии в музее проводиться не будут.
В новогодние каникулы посетить музей можно
3, 4, 6 января и 8, 9, 10, 11 января 2026 года.
Принять участие в экскурсиях можно по предварительной записи на сайте музея.
https://mus-col.com/contacts/tours.php
История создания рождественского гимна «Тихая ночь»
В ночь с 24 на 25 декабря Рождество празднуют католики и протестанты, а также православные церкви ряда стран. Для православных верующих, живущих по юлианскому календарю, Рождество также наступает 25 декабря, но по григорианскому календарю этот день приходится на 7 января. И католики, и православные отмечают одно и то же событие — рождение Иисуса Христа в Вифлееме.
Музыка всегда сопровождала зимние праздники, а статус Рождества как одного из главных церковных торжеств подразумевал создание особых музыкальных произведений. Понятие «рождественская песня» объединило народную и церковную традиции, музыку разных эпох и стран.
Особое место среди них занимает гимн «Тихая ночь, святая ночь», история создания которого окутана поэтичной легендой. Согласно преданию, в Рождественский сочельник вдохновение снизошло на молодого священника Йозефа Мора, а затем и на органиста Франца Грубера.
Незадолго до Рождества в церкви сломался орган, и Мор, переживая, как служить мессу без музыки, отправился гулять по заснеженным горам. Увиденная им сцена — младенец в колыбели и склонившаяся над ним мать — напомнила о Вифлеемском чуде. Вернувшись, он написал текст гимна и отнёс его Францу Груберу, который сочинил простую, камерную мелодию, рассчитанную на гитарный аккомпанемент.
Сегодня установлено, что текст «Тихой ночи» был создан в 1816 году. Йозефу Мору тогда было всего 24 года. Он был направлен служить в Оберндорф, в церковь Святого Николая, где органистом работал Франц Грубер. Именно к нему Мор обратился в сочельник 24 декабря с просьбой написать музыку к стихотворению.
С этого момента началось триумфальное шествие гимна по миру. Важную роль в его популяризации сыграла и Россия. В 1822 году «Тихую ночь» впервые услышал император Александр I во время визита в Австрию. Произведение произвело на него столь сильное впечатление, что вскоре гимн зазвучал и в России.
В коллекции музея «Собрание» хранится металлический диск фирмы Polyphon Musikwerke с редкой записью этой мелодии. Среди всех рождественских песен «Тихая ночь» остаётся одной из самых нежных и камерных — тихой молитвой о мире и покое.
В 2011 году ЮНЕСКО объявила гимн «Тихая ночь» нематериальным культурным наследием человечества.
Поздравляем всех с Рождеством!
Пусть этот светлый праздник наполнит вашу жизнь теплом, радостью и гармонией.
Сегодня эта тихая и светлая мелодия продолжает звучать. Послушать «Тихую ночь» в аутентичном звучании можно на сайте музея «Собрание» https://mus-col.com/music-library/groups.php?section=6684
Декоративный элемент: волна Витрувия или витрувианский свиток
«Волна Витрувия» – поэтический образ, означающий идеальную гармонию формы, функции и прочности, ритм вечных принципов красоты.
Витрувианская волна (также известна как витрувианский свиток, «бегущая собака») – орнамент, декоративный мотив, состоящий из повторяющихся волнообразных форм. Чаще всего такой декоративный элемент можно встретить в архитектуре – в оформлении фасадов зданий, построенных в стиле неоклассицизма или ар-деко, где важны отсылки к античным канонам. В интерьерах библиотек и театров, в университетах концертных залах – то есть в пространствах, связанных с знанием, искусством и гармонией. Волна Витрувия встречается в дизайне и оформлении предметов роскоши – на корпусах часов, в ювелирных изделиях, в эксклюзивной мебели как знак следования высшим принципам ремесла.
Название орнамента связано с именем Витрувия (лат. Marcus Vitruvius Pollio; ок. 80-70 гг. до н. э. – после 13 г. до н. э.) – древнеримского учёного-энциклопедиста, архитектора и механика, известного написанным в I веке до н.э. трактатом «De Architectura» («Об архитектуре»). Стремясь найти универсальные законы красоты и гармонии через математику и геометрию, Витрувий обобщил знания своего времени о строительном искусстве и, в частности, вывел «три закона» архитектуры – знаменитая «Триада Витрувия»: прочность, польза, красота (лат. firmitas, utilitas, venustas).
Волна Витрувия широко используется в архитектуре и в различных областях декоративно-прикладного искусства. Некоторые исследователи называют ее округлой вариацией меандра – орнамента, построенного на ритмическом чередовании и сочетании геометрических элементов. Участки между волнистыми завитками могут быть декорированы другими стилизованными формами, а узор может быть расположен в обратную сторону, с ломаными в беспорядке волнами.
Волна олицетворяет силу природы, динамизм, жизненную энергию и вечный круговорот времени. Этот орнамент часто использовался для украшения разных предметов и строений, от колонн и фресок до декоративных элементов на посуде и одежде. Так как волна – это линия, используют этот орнамент в основном для «окантовки», то есть в качестве декоративного бордюра.
https://mus-col.com/events/38740/
Продолжаем делиться атмосферой презентации арт-календаря Благотворительного фонда «Русский Силуэт», которая прошла в музее «Собрание». В этот вечер мода стала частью музейного пространства, органично соединив современный дизайнерский язык с историческими интерьерами.
Показ коллекций, ставший центральным событием вечера, наглядно продемонстрировал философию проекта — диалог поколений, поддержку молодых талантов и уважение к традициям отечественной моды. Образы, представленные на подиуме, отражают идею арт-календаря как синтеза искусства, визуальной культуры и времени.
Подробнее о деятельности фонда и проекте — на официальном сайте «Русского Силуэта»:
https://russian-siluet.ru
Оттенок «Облачный танцор» стал цветом 2026 года по версии Pantone
Американский институт цвета Pantone объявил цветом 2026 года оттенок белого «Облачный танцор» (PANTONE 11-4201 Cloud Dancer). Этот выбор стал неожиданным: в последние годы преобладали яркие и насыщенные тона, тогда как нейтральные оттенки крайне редко становились «цветом года». Впервые за 26 лет существования программы Pantone выбрал ахроматический цвет.
Институт цвета Pantone описывает «Cloud Dancer» как «возвышенный белый, символизирующий успокаивающую тенденцию в обществе». Это особый оттенок — чуть холоднее молочного, мягче стерильно-белого, с лёгкой дымчатой глубиной, делающей его живым и выразительным. По словам директора Института цвета Леатрис Эйсман, «Облачный танцор помогает услышать голос внутреннего “я” и сосредоточиться, освобождаясь от внешнего шума».
Эксперты связывают этот выбор с философией времени: эпохой информационной перегруженности, тревожности и постоянных отвлекающих факторов. Белый в данном случае символизирует паузу, ясность и «чистый лист» — основу для обновления и творчества. Pantone подчёркивает, что цвет года не является директивой, а скорее отражает общее настроение и стремление к простоте, покою и осмысленности.
Pantone — международный визуальный стандарт, определяющий цветовые тенденции в дизайне, моде, архитектуре, рекламе и промышленности. Объявленный цвет года быстро находит отражение в коллекциях брендов, интерьерных решениях и визуальной культуре, поскольку он отражает глубинные изменения в восприятии мира и эстетике времени.
В искусстве белый цвет традиционно ассоциируется с чистотой, светом, духовностью и началом, подчёркивая форму и усиливая выразительность других цветов.
В коллекции музея «Собрание» представлены разнообразные предметы, выполненные в главном цвете 2026 года — оттенке белого «Облачный танцор».
К 110-летнему юбилею Фрэнка Синатры – символа эпохи
ХХ век подарил миру немало выдающихся музыкантов, но имя Фрэнка Синатры занимает среди них особое место. Его называли Голосом эпохи, эталоном вкуса и стиля, артистом, чьё творчество завораживало несколько поколений слушателей. Синатра стал легендой ещё при жизни, а его «бархатный» тембр и сегодня остаётся узнаваемым во всём мире.
Фрэнсис Альберт Синатра (1915–1998) — американский певец итальянского происхождения, актёр, режиссёр и продюсер. Лауреат «Оскара», одиннадцатикратный обладатель премии «Грэмми», четырёхкратный лауреат «Золотого глобуса», обладатель Золотой медали Конгресса США. За 60 лет карьеры он исполнил более двух тысяч песен, гастролировал в десятках стран, а тираж его пластинок превысил 150 миллионов экземпляров.
Певческая карьера Синатры началась в 1930-х годах, а к середине века он стал символом эстрады, джаза, свинга и стиля «крунинг». Его репертуар включал произведения Джорджа Гершвина, Кола Портера, Ирвинга Берлина, Генри Манчини, Берта Кемпферта и многих других композиторов. Ему были присущи безупречная техника фразировки, чёткая дикция и редкое чувство музыкальной формы.
Не меньших успехов Синатра добился и в кино. Он снялся более чем в 60 фильмах, а вершиной его кинокарьеры стала премия «Оскар» за роль в фильме «Отныне и во веки веков» (1953). Среди самых известных работ — «Человек с золотой рукой», «Высшее общество», «Одиннадцать друзей Оушена», «Маньчжурский кандидат».
На протяжении десятилетий Фрэнк Синатра оставался на вершине славы, умело адаптируясь к меняющимся музыкальным тенденциям. Его жизнь и карьера переплетались с важнейшими событиями американской истории — от эпохи биг-бэндов до расцвета Лас-Вегаса. Он стал олицетворением американской мечты, послевоенного оптимизма и музыкального совершенства.
Фрэнк Синатра — не просто артист, а подлинный символ эпохи.
https://mus-col.com/events/38730/