1403
Рок джаз классика этно и ДР. Мало известные и совсем не известные коллективы и исполнители мировой музыки.https://t.me/Volfserg
The Emerald Dawn - The Land, The Sea, The Air Vol I (2025). Также добавлю первый альбом.
Читать полностью…
#Bent_Sørensen – Birds and Bells 1997. В принципе понятно, откуда у северян такое внимание и такая любовь к мельчайшим деталям окружающей среды. Пышная южная природа искрится водопадом ярких красок. Щедрое изобилие располагает тамошних композиторов к звукописи широкими, сочными мазками, к полотнам, передающим торжествующую полифонию света и радости. Не то на севере. Под скупым здешним солнцем, под аккомпанемент свирепых холодных ветров, в какой-нибудь глухой деревушке событием может стать и пение птицы, и звон колоколов местной церквушки, то ли собирающий жителей на воскресную службу, то ли провожающий кого-то в последний путь.
«Птицы и колокола» — так назвал свою дебютную работу для ECM датский композитор Бент Соренсен. Его сочинение звучит на этом CD в исполнении симфонического оркестра из Осло и камерного квартета. Главную же солирующую партию Соренсен отдал инструменту, распространенному в джазе и редко выходящему на авансцену в академической музыке — тромбону (Кристиан Линдберг). Мощный низкий голос этого инструмента, его диалоги с оркестром в целом, со струнной группой придали сочинению Соренсена еще и некий сказочно-мистический оттенок. Мне в этой связи вспомнился Григ: резкие, то угрожающе-настойчивые, то печально-торжественные (не зря одна из частей называется «Погребальное шествие») пассажи тромбона вызывают в памяти троллей — хозяев подземного царства из сочинений великого скандинава. Надо здесь отдать должное и техническому мастерству Линдберга, исполнившего свою партию с почти джазовой изобретательностью.
Но в основе своей Соренсен, по крайней мере в этом сочинении, скорее лирик, чем рассказчик драматических историй. Он рисует спокойные, несколько однообразные пейзажи, любуется пением птиц, внимательно вслушивается в звон колоколов, тающий в прозрачном северном воздухе. Такая музыка очень близка концепциям мюнхенской фирмы, благодаря которым понятие «ECM-овское звучание» стало почти что именем нарицательным. Если новые работы датского композитора будут выдержаны в том же русле, что и Birds And Bells, его сотрудничество с ECM наверняка будет продолжено.
Леонид АУСКЕРН © 2012 Jazz-квадрат
Bent Sørensen (*1958)
The Lady and the Lark (1997)
for viola and six instruments (flute, clarinet, 2 violins, cello and percussion)
Birds and Bells (1995)
for 13 instruments (solo trombone)
The Deserted Churchyards (1990)
for violin, cello, flute, clarinet, percussion and piano
Funeral Procession (1989)
for violin, viola and 6 instruments
The Bells of Vineta (1990)
for solo trombone
The Lady of Shalott (1993)
for string quartet
Christian Lindberg trombone
Oslo Sinfonietta and Cikada
Christian Eggen conductor
Recorded October 1997, NRK Studio, Oslo #Contemporary_Classical #Experimental #Contemporary_Jazz.
Pekka Pohjola Group - Kätkävaaran Lohikäärme, 1980
Progressive, jazz-rock
Finland
Пекка Похьйола может быть "причислен к лику святых" только за один этот альбом - от рок-музыки мира и финской в частности. Потому что он гениален.
После повсеместного успеха пластинки "Visitation" (1979) обласканный критиками Пекка мог позволить себе все, чего душа пожелает. Собственно, так он и сделал. Отложив в долгий ящик крупные оркестровые формы, фортепианные изыски и явный классический подтекст, маэстро Похьола решил тряхнуть стариной и поиграть традиционный инструментальный фьюжн в составе квартета. С этой целью финский басист № 1 учредил Pekka Pohjola Group, куда позвал друзей-профессионалов - братьев Тыни (Сеппо - гитара, Пекка - клавишные) и ударника Иппе Кятку. Материал нового альбома сочинялся и записывался с поразительной быстротой. В итоге работа в свое удовольствие обернулась для Пекки еще одним шедевром, на сей раз сугубо джаз-роковым.
"Kätkävaaran Lohikäärme" ("Дракон с горы Каткаваара") - это четыре развернутые инструментальные пьесы, демонстрирующие уникальный отточенный авторский стиль мастермайнда. Масштабное титульное произведение поначалу кажется исполненным глубокой задумчивости: медитативные гитарные переборы, однообразный перкуссионный ритм, глубокие басовые проходы, легкая синтезаторная подсветка... Однако на третьей минуте боевая скандинавская четверка "показывает когти", выпуская наружу затаенную агрессию. И хотя общий композиционный рисунок в дальнейшем существенных перемен не претерпевает, эмоциональные свойства его обретают совершенно иную ипостась за счет яростных пассажей электрогитары Сеппо Тыни, чей инструмент звучит в манере Терье Рюпдаля, оглашая пространство рыком доисторического монстра. Ироничный опус "Tehdasmusiikkia" - довольно характерная для Похьолы вещь. Можно сказать, что в ней прослеживается определенное влияние как регионального фольклора, так и наследия его прежних коллективов (Wigwam, Made in Sweden), но саунд-структуры данной зарисовки уже принадлежат восьмидесятым годам (нечто родственное по стилистике позднее будет встречаться у эстонских фьюжн-команд: Kaseke, Synopsis и иже с ними). Не в меру бодрый этюд "Sampoliini" являет слушателю коллективную виртуозную игру. Пекка с ребятами буквально купается в драйвовом свинге, наслаждаясь абсолютным техническим совершенством коллег, действующих здесь на редкость изощренно и с немалой долей артистизма. Словом, образцово-показательная джаз-мозаика, впитавшая в себя элементы регтайма и хард-бопа. Десятиминутный финал "Inke Ja Mä" - полная противоположность предыдущему треку. От заразительной солнечной веселости нет и следа; на всем - печать угрюмой ностальгии, рефлексивного переживания, тяжких горестных дум, правда, не беспросветных. Отдельное спасибо настоящему кудеснику Сеппо, сумевшему ясным и образным гитарным языком донести до нас .
Bass, Composed By – Pekka Pohjola
Drums – Ippe Kätkä
Guitar – Seppo Tyni
Keyboards – Pekka Tyni
Recorded By – Tom Vuori
Artwork By [Cover] – Raz. #progressive_rock #Jazzrock
AGITATION FREE - Second (1973)
Команда играла инструментальный спейс-рок высочайшего качества, создавая замечательную космическую атмосферу на своих долгих композициях. Музыка команды напоминала PINK FLOYD 1968-1972 годов. Завернутые гитарные импровизации на фоне Хаммонд органа и пианино уносят далеко в заоблачные миры, ничуть не надоедая, несмотря на свою продолжительность. AGITATION FREE мне напомнили GILA, но играющую не такую роковую и сокрушительную, а скорее расслабленную и медитирующую музыку. Кроме очевидных отсылок к Дэвиду Гилмору, гитарист команды демонстрирует в своем стиле любовь к джазу и успешно инкорпорирует его элементы в вещи группы. Также AGITATION FREE для вкуса добавляли немного звуковых эффектов в восточном стиле. В общем, группа чудесная, яркий представитель талантливой немецкой сцены. Musicians
- Stefan Diez / guitar
- Lutz Ulbrich / electric & 12-string guitars, bouzouki
- Michael Hoenig / synth, keyboards
- Michael Günther / bass
- Burghard Rausch / drums & percussion, Mellotron, vocals
With:
- Gustl Lutjens / guitar (8)
- Frank Diez / vocals (6)
- Jackie Diez / vocals (6). #Krautrock #Psychedelic_Rock #electronic
Lajko Felix es Zenekara - Koncert 1998 – Hungary.
Суровый неулыбчивый авант-фолк в исполнении скрипача-виртуоза
Лайко Феликса со товарищи. Впрочем, товарищей могло бы и не
быть вовсе. Роль их здесь почти никакая. Все пространство занимает
тревожная, почти депрессивная, скрипка Феликса.
Чумовой концерт! #World_Fusion #Fusion
Steven Wilson - guitars, lead vocals, autoharp, mellotron, piano, percussion, virtual instruments (tracks 1–6)
Adam Holzman - Wurlitzer, hammond organ, minimoog, rhodes, piano (tracks 1–6)
Dave Kilminster - guitar (tracks 1 and 6)
Guthrie Govan - guitar (track 3)
Nick Beggs - bass, Chapman Stick, backing vocals (tracks 1–6)
Craig Blundell - drums (tracks 1, 5, and 6)
Marco Minnemann - drums (track 3)
Chad Wackerman - drums (track 4)
Theo Travis - reeds (tracks 4 and 6)
Ninet Tayeb - vocals (track 6).
#progressive_rock #Psychedelic_Rock
Josh Teed - Recurring Dreams-2012. - Этот талантливый музыкант стирает грань между электронной и живой музыкой, используя свой сильный музыкальный талант уникальными способами для создания своего фирменного звучания. Кошмарная соната» открывает альбом красивой скрипкой, эфирными валторнами и инструментами медленно превращаясь в тяжелый бас, отражающий инструменты, задающие атмосферу этого путешествия по альбому. «Ancient Illusions» продолжает эту эпическую инструментовку, сохраняя при этом более тяжелый тон, дразнящий большие вубы и басы, переходя в самый тяжелый дроп всего альбома с агрессивным басом и мощными синтезаторами.
«Recurring Dreams» — заглавный трек альбома, и его начало демонстрирует более спокойную и неземную инструментальную сторону, которую хочет продемонстрировать Джош, в то же время превращаясь в глючный тяжелый дроп, который безупречно включает в себя оригинальную скрипку.
«Memories Of A Past Life» открывается мечтательной атмосферой, исследуя разнообразный звук, на который он способен, очень со вкусом добавляя более тяжелые басовые элементы, но явно демонстрируя изменение энергии, чтобы дразнить остальную часть альбома. «Hypnagogia» продолжает эту мечтательную атмосферу с добавлением фортепиано от Джейсона Лича медленно поддразнивая более тяжелый бас до последней капле, но никогда не погружаясь в него, по-настоящему завораживая и почти показывая слушателю, что он мог бы с ним сделать. «Баку» основывается на этом, но быстро вступает в полную силу с очень неожиданным падением драм-н-бейса, идеально возвращая энергию к пику, заканчивая эпическим полу-падение времени с использованием одних и тех же элементов. «Elysian Forest» действительно показывает разнообразие Джоша Тида и объединяет всю энергию для нереальной смеси даунтемпо и тяжелого дабстепа с массивным финальным дропом. «Zones Of Reality» завершает альбом красивыми инструментами и проходит грань между его холодной и более тяжелой сторонами этого релиза идеальная финальная демонстрация его звука. #electronic. #Experimental
BENT-KNEE — Say So-2016. - «Скажи так» — местами хаотичный, местами безмятежный, местами безумный, но всегда продуманный фильм — настолько же захватывающий, насколько уникальный и непредсказуемый.
Бостонская авангардная рок-группа Bent Knee далека от статичности. Иногда Say So — это сдержанный хаос, в котором мирные и спокойные, а также легкие и жизнерадостные интерлюдии сменяются без предупреждения неистовыми тяжелыми фрагментами. В других моментах группа использует приглушенные вступления, чтобы постепенно нарастать до драматических, эмоциональных крещендо. Диапазон звучания группы просто поражает: одна песня — это десятиминутная эпическая композиция в стиле прогрессив-рок, другая — четырехминутное неистовство, а третья — более линейная, доступная песня с припевом в стиле поп. В целом Bent Knee отлично справляются с объединением разрозненных идей в единое целое, но, несмотря на то, что песни группы неизменно хороши, Say So местами слишком выбивается из общего ряда.
Альбом открывается композицией Black Tar Water — коротким драматичным произведением, которое служит хорошим вступлением к впечатляющей вокальной акробатике, демонстрируемой на протяжении всего альбома солистом Кортни Суэйном. За ней следует еще одна яркая композиция — Leak Water, в которой одна повторяющаяся гитарная нота перерастает в ритмическую секцию с детально проработанным саундскейпингом от каждого участника группы. Одна из главных сильных сторон Bent Knee — способность дать возможность каждому участнику секстета проявить себя, не нарушая при этом слаженной игры всей группы. Группа и продюсер уделили огромное внимание деталям на протяжении всего альбома, и это делает такие замечательные треки, как «Leak Water», еще лучше: с каждым прослушиванием вы открываете для себя все больше.
После «Counselor», более темпераментной песни с умиротворяющим вступлением на скрипке, сочетанием коммерческой музыки 50-х и металла, а также припевом с метрической модуляцией, группа переходит к «EVE» — самой длинной песне и явному центральному элементу альбома. Как и «Counselor», она резко переходит от спокойных фрагментов к тяжелым и меняет темп. Музыка «EVE» перекликается с лирикой: астральный саундскейпинг и резкие смены темпа сочетаются с текстами, размышляющими об «одержимости творчеством», о безумном ученом, который в своем подвале создает нового ребенка, чтобы улучшить своих настоящих детей. И это то, что группа мастерски делает на протяжении всего альбома.
По мере того как альбом переходит к разделу «The Things You Love», любовь группы к нестандартным решениям начинает давать сбои. Трек начинается громко и драматично, затем переходит в тихую вокальную часть, которая постепенно нарастает. Это интересная структура песни, но она не достигает такого же накала, как в начале, и поэтому не приносит удовлетворения. Опять же, отдельные фрагменты великолепны, но нестандартная структура Bent Knee иногда сбивает с толку.К счастью, к концу альбома группа находит свое звучание. Предпоследняя песня, Hands Up, — более прямолинейная композиция с довольно стандартным поп-припевом. В мире прогрессивного рока слово «поп» может звучать не очень хорошо, но более доступная музыка и запоминающийся припев — долгожданное изменение по сравнению с более вычурной (но, опять же, не обязательно плохой) «Коммерческой» песней. Странное затянутое окончание Hands Up — идеальный переход к отличной заключительной песне Good Girl. Осознанная, атмосферная игра на гитаре Бена Левина идеально сочетается с мрачным звучанием трека и его замедленным темпом. Несмотря на несколько смен темпа, песня сохраняет целостность и завершается эмоциональной кульминацией, не требующей такой же энергичности, как в таких треках, как Black Tar Water и Nakami.
В общем, Say So — отличный альбом, но местами он слишком нестандартный. В более запоминающихся песнях, таких как «Leak Water» и «Good Girl», в полной мере проявляется уникальный стиль Bent Knee и их великолепное внимание к деталям.
Larry Young - Contrasts-1967. - Contrasts — седьмой студийный альбом американского джазового органиста Ларри Янга. Альбом записан Руди Ван Гелдером 18 сентября 1967 года.
Вышедший после полностью авангардного Of Love And Peace, альбом Contrasts воспринимается возвращением к более «традиционным» джазовым жанрам (хард-боп, соул-джаз) и в то же время выглядит стилистически разнообразно, эклектично. Завершающая альбом пьеса «Means Happiness» представляет собой фри-джазовую импровизацию, а в «Majestic Soul» (построенной на характерном ритме boogaloo ощущается модальный подход.
Для альбома Янг собрал состав из джазменов своего родного Ньюарка — Тирон Вашингтон (Tyrone Washington) и Герберт Морган (Herbert Morgan) на тенор-саксофонах, Хэнк Уайт (Hank White) на флюгельгорне, гитарист Эдди Райт (Eddie Wright), ударник Эдди Глэдден (Eddie Gladden) и Стэйси Эдвардс (Stacey Edwards) на конгах.
«Major Affair» записана дуэтом орган — ударные. Жена Ларри Янга Алтея Янг (Althea Young) спела балладу «Wild Is The Wind» (известную по исполнению Нины Симон) под аккомпанемент только органа и ударных.
Состав:
Larry Young - organ
Hank White - flugelhorn (tracks 1, 2, 5–6)
Herbert Morgan, Tyrone Washington - tenor saxophone (tracks 1, 2, 5–6)
Eddie Wright - guitar (tracks 1 & 4)
Eddie Gladden - drums
Stacey Edwards - congas (tracks 1, 2, 4–5)
Althea Young - vocals (track 4)
Released May 1968
Recorded September 18, 1967
Van Gelder Studio, Englewood Cliffs #Contemporary_Jazz #post_bop
The Outer Worlds Jazz Ensemble — The Kármán Line (2026)
jazz | spiritual jazz
Дебютный альбом британского джазового проекта, вышедший на АТА Records. Название отсылает к «линии Кармана» — высоте, которая условно принимается за границу между атмосферой Земли и космосом.
Идея проекта зародилась у основателя лейбла ATA Records, басиста Нила Иннеса и Чипа Уикхема во время совместных гастролей в Токио. Обсуждая в местных музыкальных кафе творчество своих кумиров — Юсефа Латифа, Дэвида Аксельрода и Элис Колтрейн, — музыканты решили запустить новый сессионный проект.
The Kármán Line — тёплый и согревающий. Во многом из-за его аналогового ленточного звука, альбом попросту лишён цифровой стерильности. Отдельного респекта заслуживают и аранжировки Стива Пэрри, который вместо стандартного джазового сетапа вшил в ткань повествования фагот, тубу и валторну. Как оказалось, тяжелый академический духовой фундамент смог легко ужиться с пассажами арфы и клавишных. #Contemporary_Jazz
Thierry Fervant – Blue Planet — 1984. - Тьерри Фервант (род. Тьерри моли в Женеве)-франкоязычный композитор-редактор - продюсер из Швейцарии.
Тьерри Fervant начал строить свою карьеру композитор, редактор и продюсер диски в 1964 году, после завершения учебы на фортепиано, улучшенный сольфеджио, гармонии и contrepoint в Женеве. Он также работает пресс-атташе диск-Хауса Disques Barclay в течение 10 лет.
С 1968 года Тьерри Fervant написал более 300 музыкальных произведений для рекламных роликов, кино и институциональных фильмах (в основном в Швейцарии). Он написал более 400 песен, которые находятся на дисках различных артистов в Швейцарии и за рубежом, а также более ста музыкальных зарисовок для сериалов и полнометражных фильмов международного уровня. Он создал и возглавил (с 1979 по 2012) пост-продакшн общество в Женеве для телевидения и кино: Le studio Maunoir и Maunoir Images.
В 1975 году Тьерри Fervant становится членом руководящего Совета Сосьете Свисс залить Ле ДЕЗ прав кинорежиссеров д'œuvres музыкальных вечеров (SUISA), где с 1991 по 2007 года он является вице-президентом, членом правления FCMA (Фонд Шансон эт Musiques Actuelles), с 2004 по 2011 год. Наконец, он избран президентом Фонда SUISA для музыки на 2005 год. Arranged By, Composed By, Conductor [Chorus, Strings], Mixed By, Recorded By, Synthesizer – Thierry Fervant
Drums, Percussion – Gil Hunger
Lead Vocals – Kevin (50) (треков: 2, 11)
Mixed By, Recorded By – Chris "Snoopy" Penycate. #electronic #progressive_rock #Newage
Jonathan Wilson "Gentle Spirit" - 2011
--Американский музыкант, композитор Джонатан Уилсон родился в Северной Каролине, вырос там же, и подался в ЛА, и сейчас живет в Лаурель-Каньон, знаковом месте для всей психоделической музыки 60-х. Об уровне Уилсона как музыканта говорит тот факт, что он является музыкальным директором и гитаристом Роджера Уотерса.
А об уровне Уилсона, как композитора, аранжировщика сразу же понятно с прослушивания его дебютного сольного альбома, представленного в этом посте. Признаюсь, что для меня лично это одно из открытий этого года, уже сбился со счета количества прослушиваний этой пластинки. Если обобщенно охарактеризовать музыка Джонатана, то это крутое путешествие в конец 60-х как по саунду, так и по атмосфере. Минорно-загадочные композиции, к тому же записанные явно на аналоговой аппаратуре, звучат в лучших традициях психоделического рока, рожденного в Каньоне Лаурель. Каких-то явных заимствований здесь нет, просто можно сказать, что музыкант отдает низкий поклон своим кумирам, где-то мелькнет тень Нила Янга, а где-то появится тень Битлз, а в другом месте Pink Floyd еще "долунной" эпохи...
Гитарные квакеры в изобилии, пространные инструментальные проигрыши, словно вводящие в состояние транса без помощи всяческих веществ и дополнительных стимуляторов, и "...конечно Ионика...", клавиши такие же винтажные, которые помогают нагнетать нужное настроение.
Александр Ковтун (©Prog Island, СПб, ноябрь 2024. #Psychedelic_Rock
Hiroshi Suzuki — Cat-1976.
Студийный альбом японского джазового музыканта Хироси Судзуки "Cat" остался практически незамеченным, когда вышел в далеком 1975 году, он был на тот момент чересчур современным, слишком точным в деталях и временами довольно высоким по темпу, но при этом обладал благоговением, которое всегда удерживало его в рамках jazz-fusion.
Альбом был записан в октябре 1975 года в студии Nippon Columbia, когда Хироси Судзуки посещал родную Японию, проживая уже в Лас-Вегас, куда перебрался в 1971 году, чтобы поиграть с Бадди Ричем и усовершенствовать свое мастерство.
Вернувшись на свою прежнюю территорию, Хироси известный как Неко (Кот), немедленно воссоединился со своими друзьями для эпического двухдневного сеанса грув-магии. Их химическая формула все еще оставалась нетронутой, а индивидуальное мастерство стало еще выше. Результатом стал альбом “Cat” - шедевр, глубокое и проникновенное произведение, в котором потрясающие соло на тромбоне Хироси Судзуки заигрывают с божественным саксофоном Такеру Мураоки и чувственной ритм-секцией Хиромасы Судзуки (клавишные), Кунимицу Инабы (бас) и Акиры Исикавы (ударные).
Прославленный в кругах коллекционеров джаза и среди любителей музыки по всему миру, “Cat” стал одним из самых востребованных японских джазовых альбомов всех времен и очаровал как старое, так и молодое поколения.
Bass – Kunimitsu Inaba 稲葉国光
Drums – Akira Ishikawa 石川晶
Keyboards, Electric Piano – Hiromasa Suzuki 鈴木宏昌
Saxophone – Takeru Muraoka 村岡健
Trombone – Hiroshi Suzuki 鈴木弘 Producer – Tsutomu Tanikawa. #Fusion. #Funk #Contemporary_Jazz
Chute Libre -Ali Baba-1978. - Chute Libre - французская джаз-роковая группа, за короткое время своего существования выпустившая всего два альбома, музыка которых представляет собой органичный сплав прогрессивного рока, джаза и фанка, и является своего рода предшественником стиля Acid-Jazz. Оба альбома были высоко оценены музыкальными критиками и тепло приняты ценителями музыки во всём мире.
Состав:
Olivier Hutman — piano, electric piano, clavinet, Hammond organ, spinet, vibraphone, synthesizers, strings arrangements
Patrice Cinélu — electric & acoustic guitars, cabasa (06), vocals (08)
Gilles Douieb — bass
Éric Letourneux — tenor saxophone (05)
Denis Barbier — flute, Piccolo flute, alto saxophone, tenor saxophone, soprano saxophone, harp (05), contrabass (05), strings arrangements
Mino Cinelu — percussion
Raymond Betsi — percussion (01, 05)
Philippe Simon — trombone, bass trombone
Olivier De La Taille — trumpet, bugle
Umberto Pagnini — drums
Laurent Thierry-Mieg — producer, music director #Jazzrock #progressive_rock #Funk
Azabache. -Días De Luna- 1979
В 1978–1979 годах, после участия в другом проекте под названием AZAHAR, Gustavo Ros (клавишные) и уругвайский басист Jorge Barral присоединяются к Daniel Henestrosa (гитара/вокал) и Ricardo Valle (ударные), чтобы сформировать группу. новая группа под названием AZABACHE, и все это в темные годы, когда Classic Progressive Symphonic группы пострадали от землетрясения под названием Punk и коммерческого успеха Disco Music.
Им удалось выпустить два альбома “Dias De Luna” (“Лунные дни”) в 1979 году и “No, Gracias” (“Нет спасибо”) в 1980 году, с умеренным успехом. Традиционный фанат прогресса привык к таким группам, как TRIANA или AZAHAR (более ориентированным на этнический андалузский стиль), но слишком сложным для основной аудитории.
Если вы поклонник испанских симфонических групп с их изысканным этническим влиянием, вам следует дать AZABACHE шанс, он того стоит.
Members:
Gustavo Ros – Electric & Piano, Synthesizers, Mellotron, 12-String Acoustic Guitar, Vocals (1, 4)
Jorge “Flaco” Barral – Bass, Acoustic Guitar, Percussion, Autoharp, Vocals (3, 4, 7)
Daniel Henestrosa – Acoustic & Electric Guitars, Vocals (2, 5)
Ricardo Valle – Drums, Vibes, Tubular Bells, Backing Vocals
+:
César Rechac – Guitar
Juan Carlos – Flute (7)
Arranger by AZABACHE.
Produced by Gonzalo Garciapelayo.
Deisgn: G. Ros, J. Janquera, J. Barral. #progressive_rock
The Emerald Dawn - The Land, the Sea, the Air "Volume II" (2026). - Это вторая часть амбициозного проекта. Первая часть — The Land, the Sea, the Air — вышла в 2025 году. В целом проект посвящён теме климатического кризиса: если в первой части акцент был на «Море» и «Воздухе», то во второй группа развивает линию, связанную с «Землёй». Музыканты добавили в свой звук элементы джаза, цифровой перкуссии и альтернативные техники композиции. В пластинке всего три трека, но они довольно масштабные — общая длительность около 45 минут. #progressive_rock #electronic. FLAC
Читать полностью…
Akusmi - Terra Incognita
Год: 2026
Жанр: Духовный джаз, Третье течение, Мировая музыка
Идейным вдохновителем Akusmi является молодой француз Паскаль Бидо, ныне проживающий в Лондоне и исследующий границы и точки пересечения мира музыки. Сэмуэль Кольт назвал револьвер всеобщим уравнителем, однако, Паскаль выбрал куда более гуманное оружие для единения народов - музыка, стараясь на деле доказать, что, несмотря на всю разрозненность в звучании и сложности исполнения, всё может легко уживаться в рамках единого полотна, и даже ранее не игравшие вместе музыканты способны творить настоящую магию.
«Наверное, это то чувство, которое я больше всего люблю в жизни, — с восторгом говорит Паскаль. — Оно погружает тебя в состояние удивления и наивности, которое возвращает тебя к тому, как все воспринималось в детстве».
Говоря об альбоме он упоминает такой термин как dépaysement — сложно переводимое на русский язык слово, которое означает состояние изменчивости дающее постоянное чувство новизны.
«Это ощущение, которое возникает, когда ты приезжаешь в незнакомое место, где все бессмысленно и всему нужно учиться с нуля».
Паскаль самый настоящий мультиинструменталист, он любит и умеет играть на множестве инструментов не только общепринятых, но и аутентичных народных с разных уголков света. Для большей органичности были также приглашены известные музыканты из Европы, Южной Америки и Африки. Данный альбом представляет собой студийную пост-обработку импровизационных сессий выстроенных на ритмических "скрещиваниях", в результате которых, как нам однажды поведал Мендель, может родиться нечто новое, но с определенными признаками родителей: когда-то это духовный джаз, когда-то превращается в сказания гриота, а иногда проявляет себя как новая классика.
Сарати Корвар: табла, перкуссия (4,5,6)
Дуду Куате: перкуссия, флейты пигмеев,
нгони, пение птиц, канджира, тама, вокал (1,4,5,7)
Марыся Осу: арфа (1,4,5)
Даниэль Брандт: электроника (2)
Луис Доменек Плана: флейты, «Птичьи песни» (1,5,6)
Маттиас Мимун: фортепиано и синтезаторы (1 и 3)
Вокальная аранжировка (6) Дуду Куате
Паскаль Бидо: альт, сопрано и тенор-саксофон
флейта, гитара, бас-гитара, кларнет, синтезатор, маримба
адунгу, дутар, дунун, балафон, санза, цитра, орган
большой барабан, барабаны, флейты пигмеев, ударные, вокал
#Contemporary_Jazz #World_Fusion #Experimental
Guilala #Thorkell_Sigurbjörnsson - La Jolla Good Friday (1975). . -Эта электронная музыка исландского композитора Торкеля Сигурбьёрнссона (1938-2013) была написана в 1975 году в Центре музыкальных экспериментов при Калифорнийском университете в Сан-Диего и выпущена на виниле в 1981 году.Махровых электронных авангардистов-абстракционистов из Исландии у нас вроде пока еще не было Зато теперь будут!Композитор, дирижер и пианист со своим третьим альбомом. За свою жизнь реализовал с десяток или более альбомов электронного авангарда, начиная с 68-года. Жесть короче :)))
Здесь всего 2 трека очень нервной, высверливающей уши синтезаторной музыки (17 + 21 минут). Что там берлинская школа!!! Вот этот альбом снесет башню любому уже минут через 5 прослушивания. Ну очень ядреные звуки, прям крышесносные. Записан в Центре Экспериментальной Музыки Калифорнийского Университета в Сан-Диего (март 1975 года). #electronic #Experimental
Volker Kriegel – “Lift!” (1973)
Четвертая сольная работа достаточно известного джазового гитариста из Германии.
Если кто-то ожидает скоростных гитарных соло от бесподобно владеющего инструментом маэстро, которые заполняют все музыкальное пространство, то им стоит поискать их в другом месте. Кригель в полной мере освобождает пространство для импровизаций приглашенных друзей – скрипачи, саксофонисты, клавишники. Лучший тому пример, заглавная композиция на пластинке, в которой на основе мягкой душевной мелодии разворачиваются изящные и весьма эмоциональные импровизации почти всех участников записи. Сам гитарист-лидер часто берет в руки акустическую гитару, делая саунд более теплым, дружеским и домашним.
Ближайшие музыкальные ориентиры – это самые джазовые вещи BRAINSTROM и MUNJU. Все тот же искрометный немецкий фьюжн, вбирающий в себя самые разные жанровые сочетания – от чистого джаза до фолка, от психоделии до прогрессивного рока.
Музыка на альбоме полностью инструментальная, но совершенно не утомляющая и не снотворная. Воздушная атмосфера таких вещей как Forty colours и The lame donkey - лишь прелюдия к динамичным и красочным картинам с обилием музыкальных тем, смен ходов и ритмов, да и просто потрясающей импровизации (Electric blue, Blue titmouse).
Работа представляется двоюродным братом еще одному шедевру немецкого джаз-рока – AERA “Hand und fub”. Musicians
-Volker Kriegel / electric guitar, acoustic guitar
-Stan Sulzman / soprano saxophone, flute
-Zbigniew Seifert / electric violin
-John Taylor / electric piano
-Eberhardt Weber / bass, cello, electric bass, bass guitar
-Cees See / percussion
-John Marshall / drums
#Jazzrock #Fusion
Boud Deun "Fiction And Several Days" - 1995. - Шикарный авант-проговый квартет. К сожалению, было выпущено лишь 4 альбома по 98-й год включительно. Это их первая пластинка. Музыканты высочайшего класса: гитарист, басист, барабанщик и скрипач. Крамольную вещь скажу - порой скрипично-гитарный тандем мне сильно напоминал лучшие моменты High Tide. Музыка чрезвычайно разнообразная - фьюжн, классические элементы, фри-рок, авант и даже панк. Все в строгой (правильной) пропорции, без перегибов - умно, музыкально и красиво. Настоящая музыка. Есть все альбомы, которые по-своему хороши. Highly recommended! Musicians
- Shawn Pershinger / guitar
- Matt Eiland / basses
- Rocky Cancelose / drums
- Greg Hiser / violins
#progressive_rock #Jazzrock #Experimental. FLAC
~ Ⲁⲛⲁʀⲥⲏⲓⲋⲧ ~:
Steven Wilson - 4 1/2, 2016 г.
_
Я давно перестал верить трагическому надрыву сольных работ Уилсона. В этом отношении прошлогодний "Hand. Cannot. Erase." стал, субъективно, точкой полного отрыва Стивеновской лирики, где он пытается сохранить мрачные, обличающие, и, уж простите за штамп, остросоциальные мотивы, от его же музыки, полной теплых и ярких оттенков, и, за редчайшими исключениями, беспробудно позитивной. Причем в искренность музыки в данном случае явно веришь много больше... Что ж, хвала всем высшим сущностям, "4 1/2" избавлен от необходимости следовать какой-то единой идее, и уж тем паче - идее, противоречащей мелодической основе. Здесь вообще над словами безоговорочно преобладает инструментал, полноценных же именно что песен - и вовсе лишь две; собственно, они закрывают и открывают диск.
По всем второстепенным показателям "четыре с половиной" должен был стать проходной работой. Это заложено даже в самом названии: уже не "четыре", но еще не "пять", не то прощание с предыдущим альбомом, не то развернутый тизер будущего. 37 минут хронометража - многовато для EP, но слишком мало для классических уилсоновских сольных глыб. Занимает их материал, так и не пригодившийся при создании "The Raven That Refused to Sing (And Other Stories)" и "Hand. Cannot. Erase.", что отмечают третью и четвертую позиции в дискографии именного проекта Стивена. Причем "Vermillioncore" и "My Book of Regrets" в ранней и поздней своих версиях отвергались дважды, были вычеркнуты из трек-листа как в 2013-м, так и двумя годами позднее. Что же до "Don't Hate Me", то это здешний возрастной рекордсмен, баллада почти двадцатилетней выдержки, опробованная в деле еще до нисхождения со сцены Porcupine Tree... Другое дело, что даже с учетом всего вышесказанного ни одну здешнюю композицию не назвать лишней, проходной, ненужной или необязательной. Абсолютно в каждой есть свои уникальные цепкие мотивы, причем поражает то, с какой легкостью меняются музыкальные фокусы и акценты: на переднем плане, получив свою долю славы, побывал - и побывал уместно и заслуженно - с десяток разнообразных инструментов, от баса до саксофона. Расстановка "гостей" записи почти идеальна и напоминает гроссмейстерский розыгрыш шахматной партии: ни одна фигура не остается без своей важной роли. Иным даже позволено затмевать самого шахматиста - тут речь прежде всего о Дейве Килминстере и Гатри Говане, призванных подарить минуты радости тем, кто соскучился по действительно виртуозным гитарным партиям на сольных работах SW, ну и об израильтянке Нинет Тайеб, чей голос и придает новизну ощущений переосмысленной "Don't Hate Me".
Хотя врать не буду - "4 1/2" даже со всеми своими плюсами может набрать лишь на снисходительную оценку "ничего особенного" у иных приверед. Ну да, что ни возьми - будь то витиеватый Eloy-евский атмосферный рокешник "My Book of Regrets", классическая пинкфлойдовщина "Happiness III" или даже металлическая жесть "Vermillioncore" - все не ново, уже слышано, возможно даже, встречалось в более совершенной форме. Ну и в целом материал не то чтобы прямо конкретно взрывает мозг крутостью подачи... Кое-где так и не удалось избавиться от признаков черновой, идейно незавершенной работы, кое-где банально не докрутили интригу - да и не лень ли её "крутить" Уилсону, по настроению записей все больше похожему на толстого кота, лениво жмурящегося на солнце? Другое дело, что здесь тот самый случай, когда группа композиций "на четверочку" так идеально дополняет друг друга, что итоговый результат вполне заслуживает на балл больше. Классический паззл, где разноформенные кусочки, подгоняясь друг к другу, создают привлекательную картину. И, кстати говоря, то, что это получилось сделать в случае со столь разными по времени и цели происхождения вещицами, как раз и служит вернейшим доказательством того, что Жирный Кот Стивен по прежнему одной лишь левой лапой уделывает большинство коллег по прогрессивной сцене.
Автор: Jotun.
В менее запоминающихся песнях, таких как «The Things You Love», отказ от более стандартных музыкальных форм подрывает их способность создавать запоминающуюся, эмоционально насыщенную музыку. В конце концов, хитов у группы гораздо больше, чем неудачных песен. Say So — еще один увлекательный альбом группы, которая не вписывается ни в какие рамки. Кортни Свейн (Courtney Swain) — вокал, клавишныеБен Левин (Ben Levin) — гитара, бэк-вокалКрис Баум (Chris Baum) — скрипка, бэк-вокалДжессика Кион (Jessica Kion) — бас-гитара, бэк-вокалГэвин Уоллес-Эйлсворт (Gavin Wallace-Ailsworth) — ударныеВинс Уэлч (Vince Welch) — синтезаторы, звуковой дизайн. #Psychedelic_Rock #progressive_rock #Experimental
Читать полностью…
Jóhann Jóhannsson — Englabörn & Variations (2018)
ambient | neoclassical
Йоханн Йоханнссон был необычным, выдающимся композитором. Качественная работа с тишиной и паузами, использование эмбиентовых приемов, сочетание нойза с акустическими и электронными инструментами и созерцательная меланхолия — всё это сформировало узнаваемый стиль исландского композитора и возвело его в ранг гениев.
Этот альбом — особенный. Посмертный. Состоит из двух частей: ремастера дебютного Englabörn 2002 года, а так же коллекции неизданных реворков. Для создания этих вариаций композитор лично пригласил своих друзей и коллег переосмыслить оригинал. Так в работу вовлеклись Рюити Сакамото, Викингур Олафссон и Хильдур Гуднадоуттир. Получилось крайне мощно. Ryuichi Sakamoto — представил меланхоличную версию трека «Jói & Karen».Víkingur Ólafsson — исландский пианист-виртуоз, исполнивший минималистичную фортепианную интерпретацию «Englabörn».A Winged Victory for the Sullen —ambient-дуэт, переосмысливший композицию «Ég heyrði allt án þess að hlusta».Hildur Guðnadóttir — виолончелистка, композитор и давняя соратница Йоханссона.Theatre of Voices — вокальный ансамбль под руководством Пола Хиллиера. #Ambient #neoclassical
Francois Couturier, Tarkovsky Quartet — Nuit Blanche (2017)
contemporary jazz | neoclassical
Виртуозный оммаж-рефлексия в сторону великого кинорежиссера.
Франсуа Кутюрье и его квартет, конечно, постарались. Nuit Blanche с головой уносит слушателя в мир глубокой и меланхоличной атмосферы, вдохновленный творчеством советского режиссера Андрея Тарковского.
Кутюрье смог насытить сочинения атмосферой сновидений, необходимой медлительностью и тишиной. В общем, всем тем, чем и славился гениальный Тарковский, только в музыкальном эквиваленте. Благодаря этому композиции обрели тонкое и гипнотическое звучание. Состав
François Couturier piano
Anja Lechner violoncello
Jean-Marc Larché soprano saxophone
Jean-Louis Matinier accordion. #Contemporary_Jazz #Contemporary_Classical #ECM
Salle Gaveau - Strange Device. 2008 - Salle Gaveau возникла из японской авангардно-прог-группы Bondage Fruit, основанной гитаристом Нацуки Кидо. На их архетипическое звучание танго сильно повлиял мастер Астор Пьяццолла, причем все исполнители разбирались в аргентинском танго. Группа впервые появилась как группа в 2003 году в составе Нацуки Кидо (гитара), Наоки Кита (скрипка), Ёсиаки Сато (аккордеон) и Кейсуке Ториго (контрабас). В октябре 2005 года к группе присоединился Масаки Хаяси (фортепиано), завершив состав. Salle Gaveau выпустили только один альбом Alloy (2007), который можно охарактеризовать как «Камерное танго», дополненный такими элементами, как классика, джаз, рок, прогрессивный рок. Используя электрическую музыкальную ловкость, эти пять исполнителей высшего класса создают энергичную камерную музыку высочайшего уровня. Группа имеет левое звучание, если сравнивать его с традиционным японским авант-прогом; тонкий французский класс портит их звучание благодаря аккордеону. Между быстрыми темпами они уговаривают свою аудиторию более удобоваримыми деликатесами, создавая идеально сбалансированный альбом. Не обращая внимания на то, что они играли рядом с такими музыкантами, как Magma и Present, группа добилась международного успеха благодаря своему поразительному выступлению на фестивале Rock In Opposition 2007 года. Salle Gaveau должен охватить широкую аудиторию прогрессивного рока, а не ограничиваться абсурдом и странностями. Настоятельно рекомендуется. Черный бархат (Адам). Musicians
- Natsuki Kido / acoustic & electric guitars
- Yoshiaki Sato / accordion
- Masaki Hayashi / piano
- Naoki Kita / violin
- Keisuke Torigoe / bass. #progressive_rock #World_Fusion #Contemporary_Jazz #Experimental. FLAC
#Mahavishnu_Orchestra / The Lost Trident Sessions
1999
"Потерянные записи сессий в студии Trident" - студийный альбом джаз - фьюжн группы Mahavishnu Orchestra, выпущенный 21 сентября 1999 лейблом Sony Music Entertainment.
Первоначально альбом был записан в июне 1973 года в студии Trident, но был выпущен только 26 лет спустя. В подробном обзоре в буклете альбома рассказано, что в ноябре 1998 продюсер Columbia Records Боб Белден случайно наткнулся на четвертьдюймовый картридж магнитной ленты в Лос - Анджелськом хранилище архивных материалов Columbia во время сбора материала для переиздания студийного альбома Mahavishnu Orchestra / Birds of Fire (1973) . Ленты находились в прекрасном состоянии и оказались вполне пригодны, для того, что бы третий студийный альбом группы наконец увидел свет.
В своём интервью 1977 года Джон Маклафлин рассказал журналу Music Gig :
"Я считаю, что оркестр никогда не был записан на пике своего развития. Существует студийный альбом, который никогда не был выпущен и он действительно очень хорош. Он должен был стать нашим третьим студийным альбомом после Inner Mounting Flame и Birds of Fire. Но во время записи накопились отрицательные эмоции внутри коллектива, до такой степени, что музыканты больше не могли плодотворно сотрудничать...
Таким образом мы решили записать живой альбом (Between Nothingness and Eternity), который оказался тоже очень хорош, но он не находился на том же высоком уровне, как студийная версия, поэтому, надеюсь, что в один прекрасный день я увижу выпуск этой отличной работы".
#John_McLaughlin – guitar, production
Jan Hammer – electric piano, synthesizer, production
Billy Cobham – drums, production
Jerry Goodman – electric violin, viola, violow (custom viola with cello strings), production
Rick Laird – bass, production. #Fusion. #Jazzrock
Mikhail Chekalin - Avoiding The Desire For Cutting And Piercing Objects (1998). Избежание страсти к острым и колющим предметам. - Михаил Чекалин - признанный российский электронщик, заслуживший широкую известность не только у себя на родине, но и за рубежом. Наряду с Эдуардом Артемьевым он, пожалуй, единственный представитель русской электронной школы, о котором восторженно отзывались западные издания, и чью музыку сравнивали с произведениями представителей всемирно известной Берлинской школы.
Произведения Михаила Чекалина относят к стилю "филармоник нью эйдж". Я бы не был столь категоричен в оценке его музыки и скорее назвал бы ее "интуитивно-симфоническим сюрреализмом". В дискографии Михаила Чекалина, представленной на обложке данного альбома, я насчитал два с половиной десятка работ. "Избежание страсти..." является достойным продолжением творчества этого активно работающего музыканта.
Все композиции и исполнение, запись и микширование - Михаил Чекалин. Инструментальные партии, ведущий вокал № 16 и дополнительные голоса - Михаил Чекалин. Женский вокал - Марина Чаплыгина. № 13 женская вокальная партия с участием Натальи Власовой. Особое спасибо за техническое содействие при записи женских вокальных треков Валерию Белунцову. Рисунки и фото на обложке и в буклете - Михаил Чекалин.
#electronic #Ambient #neoclassical #Experimental FLAC
Борис Арапов - Симфоническая и вокальная музыка: Четыре времени года; Скрипичный концерт; Симфония №5. -
[1]-[5] Четыре времени года
Вокальный цикл на японские трехстишия - хокку (1978)
Татьяна Мелентьева сопрано
Борис Марешкин тенор
Инструментальный ансамбль
Геннадий Рождественский
[6]-[8] Концерт для скрипки с оркестром (1963-64)
Михаил Вайман скрипка
Академический симфонический оркестр Ленинградской госудаственной филармонии
Арвид Янсонс
[9]-[10] Симфония №5 (1981)
Академический симфонический оркестр Ленинградской госудаственной филармонии
Александр Дмитриев
Исполнители:
Татьяна Мелентьева сопрано
Борис Марешкин тенор
Геннадий Рождественский
Михаил Вайман скрипка
Академический симфонический оркестр Ленинградской госудаственной филармонии
Арвид Янсонс
Александр Дмитриев. - Борис Александрович Арапов (1905-1992) — выдающийся российский композитор, педагог, воспитатель нескольких поколений композиторов. Среди его учеников — Геннадий Банщиков, Леонид Десятников, Александр Кнайфель, Сергей Слонимский. Преподаватель Ленинградской (Петербургской) консерватории с 1930 года (с 1940 года профессор), Арапов с 1974 года до конца жизни возглавлял в ней кафедру композиции.
Арапов — автор трёх опер, балета, семи симфоний, множества симфонических и камерно-инструментальных сочинений, вокальной и фортепианной музыки.
Борис Арапов родился 12 сентября 1905 года. В 1930 году окончил Ленинградскую консерваторию по классу сочинения профессора В. Щербачёва. Список сочинений Арапова объёмен. Однако замыслы вызревали и реализовывались не спеша. Владея всем многообразием приёмов, введённых в музыку послевоенным европейским авангардом, Арапов всякий раз отбирал средства для создания новой музыкальной материи, руководствуясь безупречным чувством меры и целесообразности.
Арапов-композитор, несший на себе груз ответственности главы школы, всегда сохранял вкус к обновлению. Уже за гранью своего шестидесятилетия Арапов создал нонконформистский, изысканный по языку камерный музыкально-сценический диптих: оперу-новеллу "Дождь" по рассказу С. Моэма (1967) и двухактный балет "Портрет Дориана Грея" по О. Уайльду (1971). Своего рода театрализация симфонического действия в трёх концертах этого времени — скрипичном (1964), Концерте для большого симфонического оркестра (1969) и Концерте для скрипки, фортепиано и ударных с камерным оркестром памяти И. Ф. Стравинского (1973) — также стала важной чертой стиля композитора.
Особое место в творчестве Арапова заняли поздние сочинения. Они созданы автором, перешагнувшим порог 80-летия. Это создания выдающегося мастера, находящегося во всеоружии мастерства, продолжающего планомерно и сосредоточенно сочинять, — но это музыка человека, прожившего большую, насыщенную событиями и переживаниями жизнь. Человека мудрого, способного взглянуть на век и на людей взглядом одновременно отстранённым и сочувствующим. Взглядом осмысляющим, отсеивающим всё внешнее, временное — и сохраняющим теплоту, внимание, понимание. Ровесник Дмитрия Шостаковича, Арапов на рубеже 1980—1990-х годов удивительным образом хранит верность тому пафосу новизны, который одушевлял в 20—30-е годы блестящую плеяду композиторов авангарда, — и в то же время обнаруживает глубину, укоренённость в тысячелетней музыкальной и многотысячелетней литературной европейской традиции #Contemporary_Classical. FLAC
#Jan_Garbarek, Bobo Stenson Quartet-Witchi-Tai-To -1974
- Witchi-Tai-To - альбом квартета Яна Гарбарека–Бобо Стенсона, записанный за два дня в ноябре 1973 года и выпущенный на ECM в следующем году. В состав квартета входят ритм-секция Палле Даниэльссон и Йон Кристенсен.
Что касается джаза, Луи Армстронг однажды метко заметил: «Чувак, если ты спрашиваешь, что это такое, ты никогда не узнаешь». Для тех, кто всё ещё не понимает, почему так происходит, альбом Witchi-Tai-To может дать один из возможных ответов. Этот альбом, часто называемый шедевром Яна Гарбарека, не из тех, над которыми стоит издеваться. Скорее, он должен заставить вас задуматься.
Композиция Карлы Блей «AIR» (All India Radio) воссоздает этот классический звуковой ландшафт с помощью торжественного басового ритма, переходящего в саксофонные полеты фантазии. Вскоре Гарбарек спускается со своего облака с пентатоническим оттенком, прежде чем снова оседлать восходящие потоки своего созидательного духа. Это плавно переходит в воодушевляющую фортепианную экспозицию Стенсона, исполненную с непреклонностью ребенка, который думает, что умеет летать. Птичий сопрано-саксофон возвращается, словно воспевая чудеса воздуха и одновременно предупреждая о его скрытых опасностях, стремительно устремляясь к точке исчезновения.
«Kukka» басиста Палле Даниэльссона — относительно мрачный, но не менее эффективный разговор. Он дает достаточно места фортепиано и басу, чтобы заявить о себе, и заканчивается еще одной восходящей линией духовых инструментов. Политически заряженная композиция Карлоса Пуэблы «Hasta Siempre» бурлит, как радикальная фолк-музыка, ищущая выхода. Ударные и фортепиано создают буйное, возвышенное, импровизационное блаженство. Гарбарек – чудо, он выжимает из себя самое проникновенное звучание, на которое способен, в то время как игривые пассажи Стенсона практически спотыкаются о собственный темп.
И наконец, «Desireless». Эта композиция Дона Черри в 20-минутной обработке превосходит все ожидания. Это печальный финал, песня о расставании, о несбывшемся желании. Однако Гарбарек отказывается сдаваться без зажигательной лебединой песни, и к концу это все, что у нас остается.
Многое было сказано в похвалу поддержке Даниэльссона и Кристенсена в этом коллективе, и трудно не почувствовать ту невероятную энергию, которую дуэт излучает практически в каждый момент. Безусловно, это команда музыкантов, чьи независимые взгляды безупречно сочетаются, и чей конечный результат является неотъемлемой частью любой джазовой коллекции.
Witchi-Tai-To — это борьба со временем, из которой время выходит победителем. К счастью, мы всегда можем начать прослушивание записи заново.
Состав:
Jan Garbarek - soprano and tenor saxophones
Bobo Stenson - piano
Palle Danielsson - bass
Jon Christensen - drums
#Contemporary_Jazz #post_bop #Freejazz. #ECM
Dobrawa Czocher — State Of Matter (2026). - Известная польская виолончелистка и композитор Добрава Чохер анонсирует свой второй альбом State of Matter, выпущенный 27 марта 2026 года на лейбле 130701. Глубоко созерцательная, но обширная в звуковом отношении работа, альбом знаменует собой значительную эволюцию художественного языка Чохера, охватывающую трансформацию, уязвимость и тихое мужество, необходимое для движения вперед. Написанная после ее переезда из Варшавы на балтийское побережье Польши, «Состояние материи» глубоко сформировано окружающей средой. Окруженный лесами и обширным, изменчивым присутствием моря, Чохер передает масштаб и изменчивость природы в свою работу, которая отражает изменения как внутреннюю, так и физическую силу. Альбом разворачивается как медитация на движение и неподвижность, хрупкость и решимость, отражая постоянно меняющиеся состояния, предложенные его названием. В этой новой главе Чохер расширяет как свой инструментарий, так и свой композиционный подход. Ударные техники игры на виолончели переплетаются с синтезаторами Moog, неаналоговой электроникой и впервые в ее творчестве появляется ее собственный многослойный голос. Эти элементы существуют в деликатном симбиозе с ее классическими основами, раскрывая новые текстуры и эмоциональную глубину, выходя за привычные творческие границы. Записанный в исторической студии S4 Польского радио в Варшаве с инженером Матеушем Данеком, State of Matter балансирует тщательное мастерство и свободу выражения. Вдохновленный такими композиторами, как Иоганн Себастьян Бах и Золтан Кодай, а также современными деятелями, включая Макса Рихтера и Стива Райха, альбом дышит ритмичной тонкостью и тихой напряженной музыкой, которая слушает столько же, сколько говорит. Порядок прослушивания Первый сингл с альбома, Blue, выходит сегодня вместе с ярким и захватывающим музыкальным видео , которое визуально расширяет центральные темы альбома: воду, движение и трансформацию. Ритмичный и плавный по форме, трек представляет многослойный хор, полностью созданный из собственного голоса Чохер, добавляя новую интимность и теплоту в ее звуковую палитру. «Моей отправной точкой послужила вода», — объясняет Чохер. Поэтическая метафора для исследования состояний концентрации и поиска ответов. Анонс State of Matter последовал за выпуском в июле 2025 года EP Чохера «Соната для виолончели соло: рассказ Иоанны», мощного трехчастного произведения, посвященного 80-летию Варшавского восстания. Провозглашенная одной из самых уважаемых современных виолончелисток Европы (Loud Quiet), Добрава Чохер получила международное признание за свою универсальность как солистка, камерный музыкант и исполнительница оркестра. Известная расширением выразительного диапазона игры на виолончели, она плавно перемещается между классической традицией и современными экспериментами, сочетая техническую точность с ярким воображением. Чохер начала свой музыкальный путь в возрасте семи лет, позже училась в Варшавском музыкальном университете имени Шопена и в немецкой Высшей школе музыки в Детмольде. Она была ведущей солисткой Симфонического оркестра Мечислава Карловича и поддерживала давнее сотрудничество с пианисткой Ханией Рани. Вместе дуэт выпустил «Biała Flaga» (2015) и «Inner Symphonies» (2021) на лейбле Deutsche Grammophon, зарекомендовав себя как ведущие голоса современной классической музыки. В альбоме State of Matter Добрава Чохер предстает в своей самой обширной и уверенной форме, но при этом принимает изменения, углубляет свое звучание и приглашает слушателей в пространство размышлений, движения и тихой трансформации. #Contemporary_Classical #neoclassical
Читать полностью…