-
Искренний канал о популярной музыке.
И всё же, какая потрясающая песня «Classical» на новом альбоме Vampire Weekend. Один из лучших синглов группы.
Мелодия, бридж, припев – всё цепляет с первого же раза, хочется к ней возвращаться и переслушивать.
Но мне кажется, что самое ценное – это посыл, который транслирует «Classical».
О чём эта песня?
Это песня о войнах, революциях, движении жизни и исторических процессах, бодро и весело рассказанная в двух четверостишьях, бридже и припеве из трёх строк. Каким образом Эзре Кёнигу удаётся нескучно и не нравоучительно раскрыть такую сложную тему столь малыми средствами – непостижимо.
In times of war, the educated class knew what to do
In times of peace, their pupils couldn't meet your baby blues
Four hundred million animals competing for the zoo
It's such a bleak sunrise
Первый куплет посвящён угнетению одного класса другим. Привилегированные люди решают судьбу всех остальных, в то время как обычный люд пытается выжить и бьётся за место под солнцем – миллионы животных соревнуются за право находиться в зоопарке. Такая вот тусклая заря очередной эпохи.
Untrue, unkind and unnatural
How the cruel, with time, becomes classical
В подводке к припеву Эзра Кёниг раскрывает идею композиции. Каким бы нечестным, несправедливым и жестоким нам не казалось происходящее, со временем всё оно станет музейным экспонатом – классикой.
В припеве он представляет все войны, революции и исторические события как битву за право стать классикой:
I know that walls fall, shacks shake
Bridges burn and bodies break
It's clear something's gonna change
And when it does, which classical remains?
Что-то обязательно изменится, но главный вопрос в том, чья классика в итоге останется.
Во второй куплет посвящён тому, как исторические события отпечатываются в каждом человеке. Кёниг очерчивает картину разрушенного храма, от которого остаётся одна лишь колонна – «зашитая в твоём ДНК лестница, ведущая в никуда»:
The temple's gone, but still a single column stands today
That sinking feeling fades, but never really goes away
A staircase up to nothingness inside your DNA
Well, that's a bleak sunrise
И всё заходит на новый круг, всё вертится – перемены навсегда, а это значит, что, по сути, не меняется ничего.
Мы привыкли к тому, что популярная музыка идеалистична: вот уже полвека образцом философской поп-песни в массовом сознании служит «Imagine» Джона Леннона. О, скольких же людей она испортила, сколько приняли её за чистую монету и считают, что жить надо по её заветам. Но идеализм – это тупик. Он хорош в песне, но воспитывает наивный, незрелый взгляд на мир. В итоге, имеем миллионы взрослых людей, тупо следующих за такими же незрелыми знаменитостями, которые за всё хорошее и против всего плохого, – просто потому что когда-то в детстве их зацепили спетые ими милые мелодии. В то же время, поп-треков, написанных в канве реализма можно пересчитать по пальцам. Все помнят про «Imagine», но не понимают, либо забывают о том, что величайшее философское высказывание в рок-музыке XX века – это, на самом деле альбом «Forever Changes» группы Love.
Эзре Кёнигу уже сорок лет, и в «Classical» он сообразно своему возрасту поэтично рисует реалистичную картину мира. И поэтому она выходит куда более сложной и интересной.
Хочется верить, что его классика победит.
Но самое главное, на альбоме Squarepusher «Ultravisitor» есть композиция «Tetra-Sync». Про неё почему-то нечасто вспоминают, но по-моему, это не только лучший трек Squarepusher, но и вообще одна из величайших электронных композиций.
Длится она почти 10 минут и начинается с импровизации на ударных и атмосферной электроники. Ударка довольно быстро набирает грув и скорость, к ней подключается слэп-бас, всё это в какой-то момент разгоняется и незаметно подменяется с живого на запрограммированное – причём, в какой именно момент это происходит поначалу понять непросто. Это фокус, аудио-иллюзия. К тревожным переборам гитары подключаются космические синтезаторы – трек буквально утаскивает, уводит слушателя за собой. Но после скоростного соло на басу и дробей на ударной установки «Tetra-Sync» наконец-то уволакивает слушателя на самое дно, в самую тьму. Всё для того, чтобы в финале он оттолкнулся, всё же выплыл на поверхность и вдохнул воздух.
«Tetra-Sync» – это альбом «Ultravisitor» в миниатюре, 80 минут, ужатых до десяти. Один из самых изобретательных треков в электронной музыке – концентрация фантазии и мастерства.
«Ultravisitor» поздравляю с 20-летием и уповаю на переиздание.
Впрочем, на новом альбоме Кейси Масгрейвс есть одна песня, которая могла бы вписаться в «Golden Hour» – это композиция «Moving Out». Нет, это не кавер на Билли Джоэла, а безумно трогательная композиция про то, как «мы вместе растили розы в нашем саду, пытались сделать наше жилище лучше, чем оно было, когда мы его сняли, но вот наступила осень, и нам пришлось съехать». Кажется, что в ней певице снова удаётся уловить ту самую светлую меланхолию, за которую я когда-то её полюбил.
Легально в России её не послушать, поэтому позволю себе немного пиратства.
Музыкальные байопики – это вообще, как известно, гиблый жанр. При этом, Голливуд их клепает с каким-то безумным остервенением. В данный момент снимается сразу три громких картины:
– Мартин Скорцезе делает фильм про Джерри Гарсию с Джоной Хиллом;
– Режиссёр последнего «Индианы Джонса» Джеймс Мэнголд снимает кино про Боба Дилана с Тимоти Шаламе;
– Создатель фильма про кантри «Сумасшедшее сердце» Скотт Купер делает картину про запись Брюсом Спрингстином альбома «Nebraska». На главную роль подобрали довольно похожего чувака Джереми Аллена Уайта.
Лично мне известен всего один хороший фильм про музыканта – это «Love & Mercy» про Брайана Уилсона с Полом Дано и Джоном Кьюсаком (!) в главных ролях. Немного писал о нем в «Московские новости» пару лет назад.
Впервые на что-то сгодились сторис в телеграме: увидел у знакомого, что на русском выпустили книжку про Muslimgauze. Немедленно разведал, что к чему, и заказал себе.
Напечатало её издательство INFAN T, обитающее «Вконтакте». На его счету публикации про Einstürzende Neubauten, Television Personalities, а также знаменитая 550-страничная биография Брайана Ино, которая существует исключительно в бумажном виде и, насколько я слышал, почему-то находится под строжайшим запретом к воспроизведению в цифровом виде. Все издания исключительно подпольные – у книжки про Muslimgauze, к примеру, нет ни выходных данных, ни указаний о тираже. Иначе в данном случае, наверное, и быть не могло.
Книжка, несмотря на то что совершенно точно стоит свои 1000 рублей (с учётом почтового пересыла), страшно разочаровывает.
Претензий к INFAN T никаких: ребята сделали, что смогли, нормально всё напечатали с минимумом ошибок, и даже вложили две открытки – одну с портретом самого Muslimgauze – манкунианца Брина Джонса, вторую с обложкой его альбома «Return of Black October» (1996). Вопросы к другому.
Издание разделено на две части. Первая – переводы немногочисленных интервью, которые успел дать за свою жизнь Брин Джонс. Вторая – гид по его обширной дискографии с 1983 по 2014 годы – всего около 120 релизов, каждый из которых сопровождён небольшой аннотацией.
Интервью Джонс давать не любил и не умел. На одни и те же вопросы от журналистов он отвечал односложно, бесконечно вдалбливая одну и ту же мысль: Палестина должна быть свободной, Израиль должен быть уничтожен. Если вы читали одно интервью Muslimgauze, то вы читали их все, и будучи собранными вместе, они производят довольно удручающее впечатление. Если что, я тоже, мягко говоря, не приветствую то, чем занимается Израиль в Секторе Газа, но музыкант не пытается копнуть даже на сантиметр в глубину: его совершенно не интересуют причины происходящего на Ближнем Востоке, а также то, какую роль во всем этом кошмаре сыграла его родная Великобритания. Понятно, что такое упрощение – это часть художественного высказывания, но лично для меня оно слегка обесценивает музыку Muslimgauze. Музыка Брина Джонса ценна не лозунгами, а тем, что в ней есть мистика и загадка, она объёмна и глубока, она преодолевает время и пространство. Она до сих пор звучит как музыка из будущего – включите трек «Masawi Wife and Child» из альбома «Citadel» и просто попробуйте осознать, что это 1994 год. Как такое возможно? Саунд Muslimgauze опередил время, а эти одномерные антисемитские интервью ничего не к нему не добавляют. Ладно бы они были зажигательные, ладно бы он в них рвал и метал, но там одна сплошная тупая уныль. Тот случай, когда лучше бы не читал.
Что касается гида по дискографии, то он написан анонимным пользователем форума и опубликован с сохранением авторских орфографии и пунктуации. Описания пластинок даны без особого вдохновения, с оборотами, вроде «безусловный зачет» и «сие делает ему честь». Собственно, подвиг автора заключается исключительно в том, что он послушал все 120 пластинок, расставил их в хронологическом порядке и снабдил каждую каким-никаким описанием. Тоже не сказать, что особо ценная работа – на YouTube есть пусть и не столь полные, но гораздо более любопытные гиды по творчеству Muslimgauze.
Новый Джастин Тимберлейк и вполовину не такой ужасный, как пишут.
Хот тейк: «Everything I Thought It Was» – настоящая творческая удача и одна из лучших вещей, что он делал.
Я и сам готовился к плохому: сингл «Selfish» звучал как закос под Джастина Бибера. Но, к счастью, он не определяет характер тех 70+ минут музыки, которую приготовил Тимберлейк.
Он упорно двигает свою тему: на альбоме звучит прогрессив-R&B, с уклоном в диско. Слышатся оммажи Стиви Уандеру, отсылки к Bee Gees. Но это его собственный, психоделический бренд поп-музыки, с растягивающимися и переходящими друг в друга мелодиями. Тимберлейк знает свои сильные стороны и завоевывает внимание при помощи фирменных многочастных композиций. И чем они размашистей, тем лучше.
Имеются прямо-таки шедевры. Песня «Technicolor» – это нечто, за выходные послушал ее раз десять. Провел с ней больше часа. Голосовой подакшн на этой пластинке заставляет вспомнить лучших – Ди Энджело, ни много ни мало. Джастин Тимберлейк – не самый великий соул-вокалист, но то, как прописаны его партии просто завораживает. Сколько исполненных им вокальных дублей в различных тональностях зашито в каждом из этих треков? Я зачастую даже подсчитать не могу.
Тимберлейка ценят за хиты и за умение «скользить» по битам. Его исполнение всегда ритмичное и пружинящее, но при этом предельно чистое, гладкое. И на «Everything I Thought It Was» этот талант певца используется на полную – больше всего торкают эти бесконечные карамельные слои из вокальных гармоний.
Хиты тоже, мне показалось, на месте. Композиция под названием «Infinity Sex» особенно удалась. Вообще за исключением нескольких проходных вещей, все звучит фирменно, на уровне. Слащавый до боли в челюстях трек с NSYNC, и тот к завершению слушается c удовольствием.
Понравился альбом Канье Уэста и Ty Dolla $ign.
Замечаю, что люди пытаются выставить «VULTURES 1» как какой-то катастрофический провал и нечто неслушабельное. Встречаю даже заявления о том, что эта пластинка даже хуже «Jesus is King». Но мне кажется, на деле это лучшая запись Канье со времен альбома «Life of Pablo». Самая цельная и законченная его музыкальная работа с 2016 года.
Заметили, что после выхода он её особо не «патчил» и не докручивал? На мой взгляд, довольно показательно.
Конечно, это далеко не шедевр, но последние годы Уэст кормил поклонников такой отборной лажей, что «VULTURES 1» на этом фоне звучит как полноценное возвращение в форму.
Что интересно, тут нет треков, за которыми мне хочется возвращаться. За месяц с лишним с выхода альбома пока не возникло ситуации, при которой я нацепил бы наушники, достал телефон и включил отсюда какую-либо вещь. Но раз в неделю ставлю «VULTURES 1» с первой песни, слушаю целиком и не обламываюсь.
При этом, что тут есть плохие треки – такие как «HOODRAT», «PAPERWORK» и «CARNIVAL». Последняя это прям редкостная дрянь – ничто в этом треке не складывается в гармоничную картину и на протяжении всей песни испытываешь чувство неловкости. Кричалка в исполнении миланских ультрас просто идиотская и нескладная, куплет Playboi Carti – это что-то настолько абстрактное, что его как бы и нет. Отчаянные попытки зафорсить эту чепуху выглядят жалко.
Но, при этом, «VULTURES 1» очень динамичная и совсем нескучная запись.
Треки не хочется переслушивать по-отдельности, но почти каждый из них состоит из ярких и запоминающихся элементов, цепляющих мелодических находок. Тут Канье что-то прокричит, там метко засемплирует или вовремя уступит место под прожекторами Ty Dolla $ign. Здесь дропнет какую-нибудь вызывающую абсурдную строчку, вроде: «This ain’t Columbine, but we came in with the trenches». И всё у него как бы само складывается в музыку, в альбом, который любопытно слушать от и до.
Не покидает ощущение, что «VULTURES 1» – первая за долгое время пластинка Канье, в которой он проявляет свои сильные стороны. Мы слышим Канье-мелодиста, слышим Канье-мастера хуков и автора песен, а не просто торговца лицом. Это полностью его альбом, выполненный в его собственном, узнаваемом стиле, который считывается абсолютно в каждом звуке. И стиль этот крутой и любимый на протяжении вот уже двадцати лет.
Зацените бит в «BACK TO ME» – бонба же. Я не утверждаю, что мистер Уэст – единственный человек на Земле, кто способен делать такую музыку, но если бы ее записал любой другой продюсер или артист, про него бы сказали, что он делает в духе Канье.
Мне, к слову, конкретно в «BACK TO ME» нравятся отсылки к другой любимой музыке. Открывающая куплеты Уэста и «гостя» песни Фредди Гиббса строчка «This is shit to make rappers mad» – это парафраз «So this the music that made white people mad» из трека Мака Миллера «In the Bag». Выкрик «Run!», звучащий в хуке, подчерпан из великого трека «Runnin’» рэп-группы The Pharcyde.
Всегда завораживало то, как из чужой музыки Канье Уэсту удается производить свою собственную, которую ни с кем не спутать.
https://youtu.be/DVW4byVqWRk?si=oE2f8Ol0WpB22K1D
Читать полностью…
Февраль 2004 года
Уитни Хьюстон раскрыла душу в Кремле
Стоимость билетов стала самой большой проблемой для столичного зрителя: немногочисленные дешевые места были скуплены через Интернет задолго до московского концерта. Оставшиеся с носом зрители (которым не смогли помочь даже ушлые перекупщики) пеняли Уитни ее миллионным гонораром. Именно за такие деньги Уитни, которая не давала сольных концертов целых пять лет, согласилась на специальное (то есть не включенное во всемирный гастрольный тур) мини-турне по российским столицам
Уитни не зря называют самой успешной черной певицей со времен Майкла Джексона, и шум, поднятый российской прессой вокруг ее приезда (сравнимый разве что с резонансом от приезда Пола Маккартни), тоже был не напрасен: пять лет Хьюстон не давала концертов из-за собственных проблем с мужем и наркотиками, и поэтому ее провал был очень вероятен. Но его не случилось
Сообщаем, что редакция канала отметилась публикацией об отношениях Пола и Линды Маккартни в пятом выпуске ежегодной грустной газеты «Любовь». Свежий номер доступен в баре «Ельцин», цена: 200 р.
Читать полностью…
Завтра вечером ставлю пластинки на презентации ежегодной газеты «Любовь». Приходите!
Читать полностью…
Друзья, анонсирую новую лекцию. На сей раз — не про джаз, а про широкий, большой феномен поп-культуры и рок-музыки — группу Grateful Dead. Надеюсь, она будет интересна как и тем, кто уже посетил или посмотрел мои три предыдущие лекции, так и тем, кто будет слушать меня впервые.
Вообще, немного раскрою планы: пока я осмысляю два цикла лекций. Один будет посвящен джазу, другой — популярной американской музыке 20-го и 21-го века. Что в них будет, чему они будут посвящены, как и когда пройдут — об этом позже. Сейчас мне хочется дать хорошую лекцию не про джаз — чтобы и вам интересно было, и я оценил свои силы.
Сегодня, кстати, вручают "Грэмми".
Не устаю повторять, что из года в год настоящий интерес на этой премии представляют лищь три номинации: лучший дизайн пластинки и бокс-сета, а также лучшая звкорежиссура.
Из пяти номинирующихся за лучший саунд альбомов я слушал всего один – Кэролайн Полачек, "Desire, I Want to Turn Into You".
Из списка всех хорошо задизайненых альбомов и бокс-сетов я знаю только одну позицию – бокс c дискографией Neutral Milk Hotel. И то мне казалось, что он выходил еще больше десяти лет назад, в 2011 году.
Про остальное даже не слышал ни разу – смотрю на список и вообще без понятия, кто это, что это. Саундтрек к мультсериалу Gravity Falls только худо-бедно предствляю. Но и мультфилму уже 10+ лет.
Выпадаем мы из западного культурного контекста, ребята, выпадаем(
В защиту Юрия Эдуардовича Лозы
Чем дольше живу, тем чаще приходится сталкиваться с пренебрежительным отношением к Юрию Лозе.
Лоза раскритиковал The Rolling Stones. Лоза говорит, что Led Zeppelin невозможно слушать. Лоза не считает Боба Дилана хорошим поэтом. Лоза упрекает Моцарта в самоповторах. Лоза, наконец, топит за плоскую Землю. Все это становится поводом для бесконечных шуток и унижений: ну как можно воспринимать чувака, который написал одну-единственную песню и теперь, богом забытый, делая идиотские заявления, поучает всех жизни?
Можно сколько угодно смеяться над Юрием Лозой и в публикациях уничижительно подписывать его как автора и исполнителя песни «Плот», но я так скажу: если у Лозы вы знаете только «Плот», то вы конкретно пролетаете.
Потому что, кроме шуток, Лоза – великий и мы должны серьезно пересмотреть и переосмылить его наследие.
Начав свой творческий путь бок о бок с Бари Каримовичем Алибасовым в коллективе «Интеграл», за несколько лет он написал сотню с лишним песен и недовольный тем, что ему не дают их исполнять, покинул группу. И тут поперло: его дебютный альбом «Путешествие в рок-н-ролл» (1983), записанный при содействии участников ансамбля «Примус» – это чистое золото доморощенного советского лоу-фая. Разъедающий барабанные перепонки (и мозг) синтезатор, отрешенный холод отсчитывающей такты драм-машины, но вместе с этим жгучие, рвущие струны рок-н-ролльные «лики» и надрывающийся, необычайно пылкий и эмоциональный вокал Юрия Лозы – ну чисто лед и пламя – примерно как группа Suicide. Но самое главное в этом альбоме – это не крутой звук, а замечательное чувство юмора автора и исполнителя. «Девочка в баре», «Мой приятель – голубой», «Дядя швейцар», «У меня мал папа», «Утро с похмелья», «Баба Люба», заставляют меня улыбаться, местами хохотать и гарантированно поднимают настроение.
В детстве пиратская аудиокассета Лозы «Архив (1983-1984)» находилась в постоянной ротации в родительской «Мазде», и мне кажется, что именно с этого альбома я стал ценить в музыке юмор. Я считаю, что написать хорошую грустную песню гораздо проще, чем написать хорошую смешную, а Юрий Лоза взял и записал один из самых смешных альбомов в истории СССР, начиненный хитами, под которые можно и потанцевать, и посмеяться. Вообще беспроигрышное сочетание: наэлектризованное, буйное синтетическое буги-вуги плюс меткие и остроумные наблюдения из пред-перестроечного быта.
Помимо «Путешествия» очень рекомендую обратить внимание на альбом Юрия Лозы «Тоска», записанный в 1985 году. Лично я воспринимаю его как концептуальную запись о творческом кризисе и выходе из него. Лирический герой Лозы в ней вроде и не растерял залихватской иронии, которая была свойственна ему на «Путешествии в рок-н-ролл», но то и дело непонятно откуда накатывает неизбывная тоска: «Все валится из рук и все не так, как надо / А сердце ничему не радо». И об этом вся пластинка: Лоза сравнивает себя с другими («Как у других»), поет, как читала группа «Триагрутрика», о том что «девчонки превращаются в сcученых жен» («Стерва»), описывает «Резиновые дни», надрывно задается вечными вопросами в треке «Зачем?». Тут же содержится и одна из самых красивых и трогательных его песен «Я умею мечтать»: «Многое не повторится / Многое будет не так / Вот мне и стало за тридцать / Самое время мечтать». Даже от юморной бытовой перестроечной зарисовки в духе озаглавленной просто «Пиво», веет какой-то обреченностью. Но, будто проговорив и пропев вслух все, что гложет его изнутри, в финальной «Улетай, тоска!» Лоза прогоняет гнетущее чувство, ломает его об колено. Кроме шуток, замечательная терапевтическая пластинка, очень искренняя и человечная.
И это только два альбома Юрия Лозы, а ведь еще вместе с Валерием Сюткиным он участвовал в отличной группе «Зодчие», записал продавшийся гигантским тиражом софисти-поп-альбом «Вся жизнь – дорога» (1990) и потом еще вполне убедительно нашел себя на поприще авторской песни («Плот», «Заповедные места» – ну вы поняли).
Короче, Лоза крутой и легенда.
В марте в лас-вегасской «Сфере» доигрывают U2, затем выступают Phish, ну и затем заезжают «Мертвецы».
Интересно, что следом за выверенным по линеечке шоу от Боно и компании самую передовую концертную площадку на Земле оккупируют сплошь джем-бэнды, которые играют длинно, спонтанно и кардинально меняют сетлисты от выступления к выступлению.
Чувакам, которые будут рулить видеоэкраном на этих концертах, будет непросто.
Пятый лонгплей Vampire Weekend вышел в пятницу и был встречен с какими-то невероятными восторгами. На форумах все в один голос твердят о том, что это самая лучшая пластинка группы и гадают, удостоится ли «Only God Was Above Us» «десятки» в обзоре Энтони Фантано.
Меня в связи с этим в очередной раз терзают сомнения: а не оглох ли я, не сошёл с ума?
Потому что от этого альбома я, если честно, получил ещё меньше удовольствия, чем от предыдущего «Father of the Bride», который считается их худшей записью.
В первую очередь меня, конечно же, расстраивает продакшн Ариэля Ракшайда. Боже, как я ненавижу то, что он делает – он же реально портит хорошие пластинки. Постоянно читаю о том, какой ужасный продюсер Джек Антонофф, но мне кажется, что настоящий злодей – это Ракшайд. Он буквально ненавидит дефолтные звуки музыкальных инструментов и естественные голоса, «натуральное», «нормальное» их звучание. Любой звук, прежде чем попасть на пластинку, спродюсированную Ариэлем Ракшайдом, подвергается атаке плагинами, тотальному выжиганию ими дотла.
Ничто не звучит на «Only God Was Above Us» просто и чисто. Если это вокал Эзры Кёнига, то он шипит, искусственно состарен, закидан «эхами», и доносится будто из глубин колодца. Если это пианино, то оно пропущено через батарею из «тремоло» и «хорусов», дребезжит и «плавает». Если это гитара, то она скрежещет и играет как бензопила.
И всё это, главное, вообще ничего не привносит в музыку. Не прибавляет ни «атмосферности», ни «кинематографичности» – всё это звуки ради звуков, через которые приходится продираться в поисках песен. Вот на кой чёрт нужен этот женский хор в песне «Mary Boone»? Он как-то делает композицию лучше? Мне так не кажется: с ним она просто звучит избыточно и напоминает каверы, которые записывает Антон Беляев со своим оркестром. У того, как и у Ракшайда: если в студии висит «ружьё», то оно обязательно должно стрелять, и причём на каждом дюйме плёнки.
У Ариэля Ракшайда совершенно нет чувства меры. С каких пор навесить максимальное количество плагинов на дорожку в звуковом редакторе стало хорошим тоном, мне не понятно. Всегда это называлось «перепродюсированием».
А ведь где-то подо всей этой горой из звуков обитают неплохие песни. Правда, есть вероятность, что вы их уже слышали на предыдущих пластинках Vampire Weekend. К примеру, открывающая альбом «Ice Cream Piano» практически полностью повторяет «Mansard Roof» из дебютного лонгплея группы 2008 года – то же построение, те же темпы. У Эзры Кёнига очень узнаваемый мелодический почерк и сильно ограниченный вокальный диапазон, из-за чего иногда кажется, что он поёт одни и те же композиции, просто в слегка разном (избыточном) обрамлении. На месте все характерные приметы саунда Vampire Weekend – торжественные фортепианные арпеджио, сёрфовые гитарные проходы. Попадаются прям отличные вещи – «Classical» и «Connect» с её фортепианными каскадами. Еще стоит отметить трек под названием «Pravda» с хитро переплетающимися отсылками к Москве и Нью-Йорку – эта песня не столь сильно пострадала от ужасов продакшна. Но по большей части, меня тут мало что трогает и цепляет – безвкусный продакшн почти полностью вымывает из группы всё обаяние, за которое я когда-то её полюбил.
Лучшим альбомом Vampire Weekend всё так же остается второй «Contra».
Под треклистом на обороте новой пластинки Squarepusher имеется надпись «Respect to all Sqarepusher massive». Если вы не относите себя к этому самому «массив», то новый альбом «Dostrotime» можете смело пропускать – для вас на нём ничего не найдётся. Отсюда же, по видимому, решение Тома Дженкинсона не загружать лонгплей на стриминговые платформы, а продавать по $10 в виде цифровой загрузки, а также на виниле и компакт-дисках. Кому надо, те купят, а «залётных» тут не ждут.
Я вот в фан-клубе Дженкинсона не состою, поэтому на протяжении всего «Dostrotime» физически мучился, постоянно поглядывал на часы в надежде, что эта пытка скоростным нойзом скоро подойдёт к концу и задавался вопросом: а зачем я вообще это слушаю? Впрочем, ничего нового: такие эмоции у меня вызывает практически каждая новая пластинка Squarepusher.
Но в связи с новым релизом, я вспомнил о том, что в марте исполнилось 20 лет лучшей его работе – альбому «Ultravisitor». Мне кажется, что это страшно недооценённая запись и самое главное творение Дженкинсона, в которое он вложился без остатка, в котором сказал всё, что мог, и после которого карьеру можно было, по идее, завершать.
Это колкий, ершистый, дискомфортный и по-настоящему параноидальный альбом. И до, и после, записи Squarepusher такими не были. Они были скоростными, виртуозными, механическими прикольными и скучными, но в «Ultravisitor» есть что-то очень человечное и живое. Под его обложкой – к слову, единственной в карьере музыканта, на которой изображён он сам, – стучит пульс.
Альбом, как это обычно бывает у Squarepusher, состоит из стремительного дрилл-н-бейса и электрического нойза вперемешку с мелодичными зарисовками, сыгранными на акустической гитаре с нейлоновыми струнами. Громко-тихо, жёстко-мило, хаотично-упорядоченно. Все эти звуковые вспышки разбросаны на протяжении 80 минут, что длится диск. Здесь есть «Lambic 9 Poetry» – невероятной красоты номер с незабываемым басово-клавишным риффом и очень экспрессивными живыми барабанами; едва ли не самая известная композиция Тома Дженкинсона. По сути, это пост-рок, и по мне, так это просто лучший трек в этом неблагодарном жанре – он полностью закрывает все мои потребности в музыке этого направления. Также на «Ultravisitor» Дженкинсон экспериментирует с хип-хопом. В треке «50 Cycles» под громыхающий бит звучит сильно искажённый, скомканный речитатив – в каком-то смысле, это предтеча всего индастриал-рэпа: Death Grips, JPEGMAFIA и Injury Reserve. Чёрт возьми, да этот трек появился ещё за шесть лет до памятной пластинки «ΛΛ Λ Y Λ» артистки M.I.A., которой приписывают изобретение всего этого саунда. «50 Cycles», как и весь альбом «Ultravisitor», и сейчас звучит свежей и живей всей этой перехваленной сцены, в которой многие видят передовиков и новаторов.
Squarepusher всегда игрался с сочетанием живого и компьютерного. Настоящие барабаны он программировал, чтобы они звучали, будто на них стучит машина, а слэп-бас у него был смонтирован так, словно его высекает роторно-поршневой двигатель. Но на «Ultravisitor» эти идеи находят абсолютное воплощение. Частично этот лонгплей записан живьём, многие его элементы взяты из концертных выступлений Дженкинсона. В чём-то этот альбом продолжает «Rust Never Sleeps» Нила Янга и пластинки Фрэнка Заппы, комбинировавшие «лайвы» со студийными сессиями. В «C-Town Smash» Том Дженкинсон вкидывает в концертный зал обрывки басовых фраз, каждую из которых тот встречает одобрительным гулом. «Steinbolt» начинается с нойза, на который реагирует живая аудитория, но когда этот адский 8-минутный трек завершается, а шум рассеивается, живой аудитории и её аплодисментов уже нет – на пластинке повисает гробовая тишина. Всё это также производит впечатление и откладывается в сознании. Вот, казалось, были люди, а вот их нет – что их спугнуло, музыка?
В связи с новой пластиной Кейси Масгрейвс все обращают внимание на две вещи.
Первая: странная обложка, на которой певица предстаёт с абсолютно неотдупляющим выражением лица, приоткрытым ртом и пластилиновыми губами.
Вторая: заглавный трек «Deeper Well», в котором Масгрейвс признаётся, что раньше каждое своё утро начинала с того, что опускала водник.
При этом, разочарованы и недовольны все. И те, кто в своё время полюбил Кейси за остроумный кантри-поп, и те, кто стал её поклонником после прорывного альбома «Golden Hour», с которым она выиграла четыре «Грэмми». И те, кто надеялся, что она ринется играть на поле современной мейнстримовой поп-музыки.
Её попытка податься в чистый поп на предыдущем лонгплее «Star-Crossed» (2021) полностью провалилась. Странные звуковые решения – глухой, местами абразивный продакшн, роботизированный вокал, куча неоднозначных строчек в текстах и вообще неясная эстетика всего проекта (кто-то посмотрел сопроводительный фильм-мюзикл с транс-женщинами?). Всё это было настолько невнятно и мимо кассы, что пришлось отползать и зализывать раны.
На новом альбоме «Deeper Well» она играет максимально безопасно. Это фолк-пластинка про личностный рост – беззубая, ровная, скучная и безэмоциональная. Продюсеры Ян Фичук и Дэниел Ташиан, с которыми она работает вот уже третий лонгплей подряд, отказались от поп-экспериментов прошлого альбома и теперь гонят утомительную полуакустическую негу в пастельных тонах. Кейси Масгрейвс, кажется, боится вызывать вообще какие-либо эмоции, поэтому на «Deeper Well» просвечивает, словно призрак. Кажется, что самая яркая её строчка за всю пластинку – та самая, про то, как неправильно начинать утро.
Почему я вообще решил поговорить про Кейси Масгрейвс? Потому что мне грустно наблюдать за тем, как её шатает из стороны в сторону после той церемонии «Грэмми», где она выиграла во всех номинациях, которые у неё были.
«Golden Hour» – одна из главных поп-пластинок последних десяти лет, наряду с «Honey» певицы Робин. Не устаю повторять, что для меня наиболее ценными в популярной музыке является сочетание ликования и грусти, счастья и меланхолии. «Golden Hour» – это целый альбом такого, пластинка про то, как непросто быть счастливым и наслаждаться хорошими событиями, происходящими в жизни. Жизнь прекрасна, в ней столько всего замечательного, но даже в самые лучшие моменты ждёшь подвоха. «And I'm the kind of person who starts getting kinda nervous / When I'm having the time of my life», – поёт Кейси Масгрейвс в центральном номере альбома, который так и называется – «Happy and Sad». Cлушаю и узнаю в этих строчках себя. Вот она – подлинная сила поп-музыки, ради этого и стоит её слушать, и настоящее счастье – находить такие жемчужины. На «Golden Hour» есть песни, которые натурально заставляют меня плакать – композиция «Butterflies», к примеру. Три минуты абсолютного поп-совершенства, в которых Масгрейвс поёт о том, как была закрытой, но затем встретила свою любовь и вышла из кокона обновлённой. Всё это чисто и искренне, по-настоящему – веришь каждому слову, чувствуешь всем сердцем. Или минутное признание в любви под названием «Mother», явно вдохновлённое её опытами с ЛСД – когда на пике испытываешь столько любви и благодарности к близким людям, что хочется задушить в объятьях весь мир.
«Golden Hour» – это поп-чудо, пластинка с уникальным настроением и духом. Люди, которые над ней работали, попыталсь запечатлеть уникальное эмоциональное состояние (вынесенное в заголовок золотое сечение) и им это полностью удалось. Я возвращаюсь к этой записи постоянно, это один из самых глубоких поп-альбомов, которые мне известны и я всё время нахожу в нём что-то новое. Жаль, что, похоже, больше это не повторится. Видимо такое бывает только раз.
Натнкнулся в интернете на фрагмент готовящейся к выходу в апреле картины про Эми Уайнхаус «Back to Black». Испытал просто дичайший приступ стыда: это что-то за гранью добра и зла. Актёрская игра, пение, монтаж (а похоже это оригинальный монтаж) – всё выглядит как какая-то пародия, реально уровень скетчей в шоу Saturday Night Live.
И мне даже никогда не нравилась Эми Уайнхаус, если что. Одна только песня, да и та кавер на группу The Zutons.
Но то, что готовит нам режиссёр Сэм Тейлор-Джонсон, известная по фильму «Пятьдесят оттенков серого», – это ни в какие ворота. «Богемская рапсодия» ещё покажется нам всем «Крёстным отцом».
Сразу несколько человек прислали статью издания The Verge про печальный закат ресурса Pitchfork.
Я прочел, статья хорошая, но не сообщает ровным счетом ничего нового. Все это мы слышали множество раз и прекрасно знаем: журналистов, которые знакомили людей с музыкой заменили алгоритмы и плейлисты, а индустрии СМИ и музыки беспощадны.
Единственное, что мне совершенно не понятно в этом материале — это периодически возникающие в ней сетования Трента Резнора на то, что "раньше было лучше" и "мы такими не были". Их довольно много и слышать их от человека, который вместе с Доктором Дре и Джимми Айовином стоял у истоков стримингового сервиса Beats, довольно странно. В Beats Резнор официально занимал должность "креативного директора" (CCO), ни на что не жаловался и даже на какое-то время сохранил свой статус после того, как сервис выкупил Apple и создал на его базе Apple Music.
Натурально, пчелы против меда. Это как если бы Стив Джобс, придумавший айтюнс и айпод, сокрушался по поводу того, что никто больше не покупает старые добрые CD по двадцать баксов.
Довольно любопытный прогон нашего старого знакомого Майка Эспозито про цены на пластинки.
На ибее продали ранний пресс "Blue Train" Джона Колтрейна за $12 000. Эспозито позвонил продавцу (им оказался его знакомый) с тем, чтобы поздравить с продажей и далее рассуждает о том, что $12К — это вообще-то незаслуженно мало и пластинки должны стоить куда дороже.
— Почему первые издания комиксов, которые также выходили массовыми тиражами, могут стоить по миллиону, а пластинка за $12 тыс. кажется из ряда вон? Это точно такой же исторический артефакт, ничем не хуже, — задается вопросом он.
Эспозито уверен: пластинки по ляму не за горами. При этом, он считает, что это будет на руку всем: людей, готовых выкладывать безумные деньги за первопрессы будет больше, пластинки, представляющие историческую ценность будут дорожать, но и простым "обывалам" всегда будет чем поживиться.
В частности, в этом ролике владелец крупного магазина в Аризоне берет в руки гигантскую стопу изданий "Blue Train" разных лет и заявляет, что самая хорошо звучащая версия из всех них (включая ранние прессы) — это моно-ремастер, вышедший в серии Blue Note Tone Poet Series в 2022 году.
— Он полностью аналоговый, нарезан с оригинальной мастер-ленты Кевином Греем на оборудовании, которое Руди Ван Гелдеру и не снилось, напечатан на RTI и упакован в толстый делюксовый картон. Что еще надо? — рассуждает Эспозито.
Tone Poet-версия, кстати, еще лежит в магазинах и почти везде продается по 30 евро. В России, соответственно, в два раза дороже.
Очень рекомендую не пропускать пластинку нашего старого знакомого Сэма Гендела и бразильского гитариста Фабиано до Насименто.
Называется "The Room", вышла на лейбле Real World.
На протяжении 35 минут звучат всего два инструмента – акустика и саксофон (который местами вообще больше похож на флейту). Красота неописуемая. Ничего лишнего – каждая нота на своём месте, каждая гармония сыграна с теплом, нежностью и чувством.
Ехал под этот альбом в февральскую метель на поезде и просто растворился в этой записи. Одно из самых сильных впечатлений начала года.
Конкретно прихерел от последнего MGMT. Держит вторую неделю.
По первому прослушиванию показалось, что эта пластинка какая-то чересчур медленная и слишком театральная, но уже со второго раза стало очевидно, что это их самый лучший и главный альбом, притом, что у них и до этого были классные вещи. Но «Loss of Life» – это совершенно другой уровень. Это один из лучших арт-роковых альбомов за годы.
В голову лезут различные сравнения: от группы The Verve в песне «Mother Nature» до Брайана Уилсона в финальной «Loss of Life». Но одна ассоциация прикрепилась намертво: это «Eldorado» группы Electric Light Orchestra. Они с MGMT довольно разные по темпу и настроению, но кое в чём схожи. Альбомы «Loss of Life» и «Eldorado» состоят из, на первый взгляд, каких-то непомерных, избыточных, но при этом супер-цепляющих песен. Есть что-то в этих альбомах бродвейское: в них сочетаются драматизм и потрясающие мелодии. На фоне MGMT специально даже достал с полки пластинку Electric Light Orchestra и с удивлением отметил, что ей в этом году исполняется ровно 50 лет. Символично.
Хорошо слышно, что прошедшие с выхода их прошлого лонгплея «Little Dark Age» шесть лет MGMT не просто наслаждались своим неожиданным вирусным успехом в «Тиктоке», а работали над лучшей музыкой в карьере. Песни в «Loss of Life» прописаны и прочерчены, они очень явные и внятные, а каждое художественное решение в их аранжировках взвешено и обосновано, и добавляет красок общей картине. Это не просто классный сонграйтинг, это песни, которые, чувствуется, были выбраны среди другиХ, лучшие песни, которые были написаны дуэтом Эндрю Ванвингартена и Бена Голдвассера. Возможно, поэтому они все такие медленные – потому что все сильные и продуманные. Это же и касается текстов. У MGMT всегда было хорошо с фантазией, это редкая современная группа, которая может писать песни с выдумкой, как например, «She Works Out Too Much» – про неё у, кстати, меня есть пост. Но тут совсем обалденные тексты песен – смешные и грустные, светлые, полные чувства и искренности. Эта пластинка вообще, на удивление, лишена какой-либо иронии и язвительности, как правило присущих MGMT. «I Wish I Was Joking», – поют они в предпоследнем треке. Это честный, открытый разговор.
Это размышление о жизни и о том, как она идёт по кругу. Такие песни, как «People In the Streets» метят в вечность, это просто с отрывом лучшие композиции в карьере группы. Давно вы слышали вещь, подобную «Nothing Changes»? Я просто теряю дар речи от неё. Когда Ванвиргартен своим мальчишеским голосом начинает петь ближе к концу «ла-ла-ла», меня просто уносит и прошибает на слезу. Боже, как это так прекрасно всё в этой вещи сходится? Как они придумали и записали столь трогательные мелодии?
Короче, такие альбомы, как этот, выходят не каждую пятницу.
Новая пластинка Yeat просто бомбовая. Почти совсем не трэп и не рейдж, скорее футуристичный индастриал-рэп. Совершенно новый, оригинальный звук для этого артиста, в котором его голос и флоу предстают в новом свете.
В "2093" Yeat по-настоящему раскрывается как исполнитель: на каждый из этих убойных лязгающих индастриал-битов он залетает изобретательно и артистично. Всякий раз любопытно, как он разрешит ту или иную задачу в виде бита, каким будет путешествие его голоса по ухабам из ухающих низов, эпических синтезаторов и дисторшна. А задач тут аж 22, не считая двух бонус-треков.
Альбом длится 70 минут и в ней нет моментов, которые хотется скипнуть. Кто-то пишет о том, что это новый "Yeezus", но мне альбом "2093" гораздо больше напоминает "Indicud" – самый недооцененный и с огромным отрывом лучший лонгплей Kid Cudi. Если вы любите "Indicud" так же, как я, то новая пластинка от Yeat – настоящий дар.
Но "2093", быть может, даже круче. Не раз и не два она сможет удивляет. Не уверен, что слышал что-то похожее на композицию "Bought the Earth". Не уверен, что услышу в этом году что-то более сокрушительное, чем следующие за ней "Nothing Change" и "ILUV".
"Team CEO" вообще трек года, по ходу.
ХОТ ТЕЙК. Yeat – самый новаторский хип-хоп-артист последних нескольких лет. Он и Playboi Carti.
Извиняюсь, что пощу без ссылок. В России легально альбом не послушать, но, думаю, вы знаете, где его найти. Пока что пластинка года.
Салют! Пятый номер газеты «ЛЮБОВЬ» в печати.
В среду 14 февраля, в 20:00 свежайший выпуск будет доступен только в #ельцинбар
В программе вечера:
🎙️открытый микрофон для ваших грустных love story
🪗Sad vinyl set от aleev_aleksey
🤧Новая однодневная выставка в @novichok_gallery и аукцион
Онлайн-лекция «Grateful Dead: самая американская группа»
Grateful Dead — одна из самых известных, влиятельных и популярных рок-групп в истории США. Почти никогда не добивавшись серьзеного коммерческого успеха, они, тем не менее, завоевали популярность миллионов поклонников. Фанаты Grateful Dead следовали за ними из города в город, наполняли собой арены и стадионы — и в конце концов превратили их в самую кассовую концертную группу своего времени.
При этом Grateful Dead играли музыку непростую, которую порой трудно полюбить: на концертах их нехитрые песни преобразовывались в длинные импровизации, подчас абстрактного или свободного толка. Как вышло, что у такой музыки нашлось так много поклонников? Как получилось, что концертные записи Grateful Dead десятилетиями были предметами коллекционирования среди сотен, среди тысяч людей в каждом городе США? Почему именно такой формат концертных выступлений сам по себе породил отдельную субкультуру и многомиллионную индустрию джэм-бендов?
На все эти вопросы я отвечу на лекции. Мы пройдемся по всей истории Grateful Dead, заново услышим на их музыку, погрузимся в атмосферу американской контркультуры прошлого века, центральной частью которой эта группа всегда являлась. А заодно — новым взглядом посмотрим на новейшую историю США, глубинные смыслы которой хорошо понять в том числе и через судьбу Grateful Dead.
Воскресенье, 11 февраля, 13:00 по московскому времени
Встречаемся в Zoom. При любой погоде.
Продолжительность — 1,5-2 часа + ответы на вопросы.
Цена за вход на лекцию — 500 рублей.
Пишите в бота обратной связи или, если вы уже приобретали у меня лекции, лично.
Проведите это воскресенье с толком, послушайте лекцию Олега Соболева про лучшую группу всех времен Grateful Dead.
Обожаю GD, обожаю Соболева, и уверен на 100% про то, что никто не расскажет про этот культурный феномен лучше него. А копать там есть куда: музыка волшебная, лайвы лучшие в истории, развитие событий невероятно увлекательное — как в хорошем приключенческом романе. С каждым годом все больше убеждаюсь в том, что влияние, которое Grateful Dead оказали и продолжают оказывать на мировую поп-культуру, сопоставимо с влиянием, скажем, The Beatles.
Если вы ничего не знаете про GD, то эта лекция станет прекрасной отправной точкой и вскроет для вас целый пласт разного интересного. Если уже знете, то лекция поможет систематизировать в голове факты и выстроить хронику событий.
Так или иначе, пропускать нельзя.
Также очень рекомендую три предыдущие лекции Олега — про Кита Джаррета, Орнетта Коулмена и Пэта Мэтини. Пишите ему в бота обратной связи и узнавайте, как их скачать и послушать.
Написал для дружественного издания "Балтийский Бродвей" небольшой гид по калининградской музыке.
Электронная версия материала будет к концу месяца, а пока прикладываю сканы, пушо печатная пресса — наше все.
Спасибо всем, кто поучаствовал в создании этого материала!
Слушайте "Радио Калининград", ходите на концерты в "Форму" и "Ельцин". Кушайте творог, курите турник, как завещал классик.
Сегодня исполняется семьдесят лет Юрию Лозе.
По этому случаю хочу продублировать свой давний пост в защиту юбиляра.
Юрию Эдуардовичу желаю крепкого здоровья, вдохновения и сил продолжать переть против мейнстрима. С днем рождения, легенда!
Хот тейк: у Oasis на самом деле нет слабых альбомов
Принято считать, что после первых двух пластинок качество музыки братьев Галлахеров пошло на спад. Якобы они повторяли одни и те же трюки, зачастую безбожно растягивая песни. Но по мне, каждый альбом Oasis по-своему отличается и в каждом хватает отличных песен на все времена.
Но самая недооцененная пластинка Oasis – это, конечно, «Standing on the Shoulder of Giants» 2000 года.
Альбом, который изменил мою жизнь, указал для неё путь. Помню, что в третьем классе увидел по немецкому MTV клип на песню «Go Let It Out», офигел и купил в киоске лицензионную кассету с буклетом. Слушал её днями напролет, не веря своим ушам. Первый осмысленно купленный мной альбом в жизни. Потом их было ещё много.
Открывающий инструментал «Fuckin’ in the Bushes» навсегда остался самым качовым треком в дискографии Oasis. Под него группа выходила на сцену на протяжении всей своей карьеры. Продюсер Марк «Спайк» Стент и Ноэль Галлахер накрутили на альбоме вневременной звук – свежее прочтение шестидесятнической психоделии с пущенной задом-наперед плёнкой, меллотроном, ксилофоном, ситаром и хором. Но тоько жирное, объёмное, с мощной ритм-секцией.
Если любите первые две пластинки Tame Impala, то «Standing on the Shoulder of Giants» обязан быть в вашей ротации и занимать почетное место в коллекции.
Слыхали тезис про то, что Oasis не экспериментировали? Это не так: послушайте стену нойза в финале «Gas Panic!». Песни на все времена? Большая часть альбома состоит из них!
Это самый изобретательный и изящно спродюсированный альбом Галлахеров. Наверное, самый психоделичный. Это их американский альбом – см. обложку, на которой изображена красочная панорама Нью-Йорка. Это ответ ретрограда Ноэля Галлахера на вызовы нового тысячелетия: на эксперименты конкурентов из Blur, Radiohead, Primal Scream, Spiritualized и других.
До сих пор уверен, что это до это одна из трёх лучших пластинок Oasis. Уступает разве что «What’s the Story? Morning Glory» и «The Masterplan».
Отсчитываю с этого альбома свое увлечение музыкой. В следующем году будет 25 лет.
