-
Проще уже некуда. Сотрудничество — @frodohero
Это картина английского живописца XIX века Джона Кольера.
Художник пишет прекрасную обнаженную девушку - героиню трогательной и интересной легенды.
Вопрос - кто перед вами?
Сегодня открываем проект еженедельных рекомендаций выставок, которые точно нельзя пропустить.
Начинаем с Москвы ❤️
Что?
Выставка «Мир как беспредметность»
Где?
Еврейский музей и центр толерантности.
Когда?
До 19 февраля 2023 г.
О выставке.
Главные реперные точки выставки «Мир как беспредметность» - цитаты из дневника Льва Юдина (ученика Малевича). Он много лет вел дневники, где не только последовательно излагал идеи наставника, но и описывал атмосферу эпохи. Поэтому на выставке интересно не только исследовать супрематизм и творчество Малевича с его учениками от рождения направления до перехода в постсупрематизм, но и изучать неформальные взаимоотношения художников, имена которых знает почти каждый.
На выставке вы узнаете…
• как связаны Малевич и Шагал (спойлер: они были не в лучших отношениях)
• почему супрематисты не подписывали свои работы на выставках
• по какой причине власти Витебска выгнали учеников Малевича из города
• зачем художники писали свои работы в белых халатах
• как фарфор помог беспредметному искусству
Что ещё интересного?
Частью выставки стал экспериментальный проект «Я-Малевич», где каждый посетитель может увидеть выставку глазами одного из десяти представителей авангарда. Не забудьте взять с собой наушники - сам проект доступен по qr-коду для любого телефона.
Голоса художников озвучивают профессиональные актеры - и создаётся ощущение тотального погружения в эпоху авангарда. Рекомендуем путешествие с Казимиром Малевичем и Николаем Суетиным.
Какую работу стоит точно увидеть?
Самые большие очереди у картины Анны Лепорской «Три фигуры». И, да, ее уже отреставрировали после истории в Ельцин-центре.
Не про искусство.
После выставки абсолютно точно стоит зайти в музейное кафе «Ришон». Мы пробовали израильские закуски, кошерную пиццу с тунцом, шакшуку и потрясающие ханукальные пончики с варенной сгущенкой - и были в восторге!
P.S. Телеграм-канал музея: /channel/jewishmuseum
На связи автор канала «Просто об искусстве».
Мы давно хотим создавать для вас подборки и обзоры выставок, которые точно нельзя пропустить.
Необходим ваш совет! 💛
Вопрос субботнего вечера: какое полное имя у художника Пабло Пикассо?
Читать полностью…
«Крик» - Эдвард Мунк (1893).
Исскуствоведы до сих пор спорят над вариантами основной идеи работы Эдварда Мунка.
Есть три главные версии.
Версия № 1.
Мунк, объясняя замысел картины, пояснял, что изобразил «крик природы».
«Я шёл по дороге с друзьями. Садилось солнце. Небо стало кроваво-красным. Меня охватила тоска. Я стоял смертельно усталый на фоне тёмной синевы. Фьорд и город повисли в огненных языках пламени. Я отстал от друзей. Дрожа от страха, я услышал крик природы».
Версия № 2.
Возможно, картина стала плодом психического расстройства художника. Эдвард Мунк страдал маниакально-депрессивным психозом. Всю жизнь его мучали страхи и кошмары, депрессии и чувство одиночества.
Версия № 3.
Пророчество. Есть версия, что художник в своей работе предрек XX-й век с его мировыми войнами, холокостом, экологическими катастрофами и ядерным оружием.
Любите рисовать, но что-то идет не так?
Бесконечные уроки на ютубе смотреть уже нет сил?
Для наших подписчиков открыт доступ к бесплатному мини-курсу по рисованию — там для вас собрали множество подробных уроков: черты, тени, одежда, объёмы, реалистично и сочно.
➕ бонус для зрителей из телеграм — урок по поиску заказчиков
Получится у каждого! Открывайте уроки и рисуйте так, как никогда 🤤
«Черный квадрат» Казимира Малевича и 5 главных мифов о нем.
Читать полностью…
Ответ 👀
За аллегорией пяти чувств у Жака Линара скрывается такой жанр живописи, как ванитас (vanitas).
〰️ Ва́нитас - жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти.
В натюрморте Жака Линара нет изображения черепа, но все в его работе обращено к скоротечности жизни.
В центр картины художник помещает чашу китайского фарфора, она переполнена, кажется, будто персики вот-вот покатятся вниз. Все нестабильно. Цветы обречены на увядание, перезрелые фрукты скоро начнут гнить, азартные игры приведут к разорению (на что нам указывает опустевший кошелек). Человеческая жизнь представляется, как хрупкий китайский фарфор.
И есть только одна опора в этом бренном мире - вера. О ней говорит помещенная на передний план нотная тетрадь, раскрытая на гимне «Laudate Dominum» («Хвалите Господа»).
Подборка работ с контрастными образами материнства в живописи.
Читать полностью…
«Сотворение Адама» | 1508–1512
Микеланджело Буонарроти получил заказ на роспись Сикстинской капеллы от папы Юлия II.
«Сотворение Адама» - четвертая из девяти центральных композиций.
Изображение Бога
Микеланджело написал Бога в античном духе: он реален в своем телесном и божественном воплощении. Создатель стремится навстречу Адаму и протягивает к нему руку. Это движение к своему творению изображает энергию жизни, которую Бог намерен передать человеку.
Изображение Адама
Адам зеркально повторяет позу Творца - бессловесное указание на то, что человек создан по его образу и подобию. Но в то же время поза Адама повторяет и очертания скалы: он пока лишь часть пейзажа вокруг. Осталось только вдохнуть искру жизненной силы.
Изображение рук
Микеланджело пишет едва соприкасающиеся руки Бога и Адама в самый центр фрески. Мы практически видим, как энергия передается человеку.
Изображение Евы
Женская фигура справа от Бога - Ева, она еще только ждет часа своего создания, но уже задумана Богом.
На левой створке диптиха изображены двое сдержанных мужчин - сам Шевалье (заказчик) и Стефан, первый христианский мученик (в его руке Евангелие и камень - символ мученичества, он был забит камнями).
Помните про Младенца на коленях девы Марии и его палец? Он указывает точно на левую панель (точнее, на Этьена Шевалье - заказчика диптиха), как бы говоря, что его молитва о божественном милосердии будет услышана.
Стартовал Open Call всероссийского Арт-проекта #Моспродюсер и Uvenсo «Зерно искусства»!
Художники и дизайнеры смогут переосмыслить внешний вид вендинговых аппаратов и создать точки визуального притяжения в городе.
Участникам предлагают поразмышлять на темы:
#ВдохновляйБытьЗдоровым — отобразить в произведениях, как кофе вдохновляет на бодрость духа, активный образ жизни и здоровые привычки;
#ВдохновляйБытьЯрким — представить работу, где кофе пробуждает ото сна и мотивирует студентов вузов на развитие, поиски индивидуальности и стиля;
#ВдохновляйБытьКреативным — раскрыть через изображение тему кофе, как элемента, сопровождающего в мир искусства, запускающего креативное восприятие современного произведения.
Работы победителей украсят 11 вендинговых автоматов. Их разместят в крупных образовательных и медицинских учреждениях, а также в пространстве «Новый Манеж».
Не упустите шанс показать своё творчество городу!
Подать заявку можно до 20 ноября:
http://open-call-mosproducer.ru/zernoiskusstva#rec501105945
Портрет сестер Уолдгрейв - работа кисти Джошуа Рейнольдс.
Кто такой Джошуа Рейнольдс?
Во второй половине XVIII века один из самых влиятельных живописцев и первый портретист в стране. Он состоял в Королевской академии художеств и писал портреты аристократов.
А кто такие Уолдгрейвы?
Семейство потомственных графов и графинь, приближенных к королевской семье.
Ситуация: главный портретист страны пишет дочерей влиятельного графа по заказу их вдовствующей матери. Абсолютно логичная история.
Вопрос: что не так?
Дело в том, что на момент написания портрета все три девушки были незамужними. Их мать - вдова графа Уолдгрейва - желала выдать дочерей замуж и решила ускорить поиск женихов.
Она заказала групповой портрет своих детей самому модному живописцу Лондона - Рейнольдсу, работы которого гарантировано попадали в Королевскую академию, где их видели весь свет и самые завидные женихи.
Вот такая необычная рекламная кампания XVIII века.
Портреты Анны Ахматовой написали все три художника, имена которых вы видели в опросе.
Портер Натана Альтмана (1914)
Этот портрет - одно из лучших произведений художника и самое известное воплощение образа Ахматовой.
На картине поэтесса изображена именно такой, какой ее помнят многие современники - высокая, стройная, с угловатыми формами и печальным взглядом.
Портрет Кузьмы Петрова-Водкина (1922)
Портрет был написан в один из самый тяжелый для поэтессы период. Именно тогда был расстрелян первый муж Ахматовой - Гумилев. Сын Лев, известный историк, был арестован и отправлен в ГУЛАГ. Анна Ахматова постоянно проводила кампанию за его освобождение, подвергая собственную жизнь значительной опасности.
«Муж в могиле, сын в тюрьме, / Пожалуйста, помолитесь за меня», - пишет Ахматова в «Реквием».
Портрет Моисея Лянглебена (1964)
На портрете 1964 г. изображена измученная болезнями и невзгодами, но не сломленная женщина, пережившая смерть мужа, заключением сына, литературную травлю и забвение.
Загадка дня.
Что скрывается за работой Пабло Пикассо «Голубая комната»?
В 1950-е годы исследователи обратили внимание на странное направление мазков на полотне, предположив, что Пикассо стремился что-то зарисовать. Не так давно эта догадка подтвердилась: рентгеновский снимок определил, что до голубой комнаты на холсте был изображен бородатый мужчина в бабочке.
Вероятно, это был господин Воллар, меценат и покровитель художников, о котором часто шутили, что ни одну прекрасную женщину не изображали так часто, как Амбруаза Воллара.
Почему художник закрасил портрет Воллара?
Скорее всего, у Пикассо элементарно не было денег на новый холст - и он использовал уже готовый с написанной работой.
История № 1.
О любви родителей.
Пабло был первенцем и единственным мальчиком. Мария Пикассо и Хосе Руис души не чаяли в сыне.
Это подтверждает письмо Марии к уже взрослому сыну: «Я слышала, теперь ты пишешь стихи. Что ж, от тебя можно ожидать всего. Если мне скажут, что ты провел церковную службу, - я и в это поверю…».
А для отца Пикассо было счастьем видеть в сыне интерес к живописи. Он стал первым учителем Пабло. Однако, когда мальчику исполнилось 13, дон Хосе признал, что сын «перерос» его.
P.S. Фамилию «Пикассо» художник получил именно от матери.
История № 2.
О русской жене и других музах.
Пабло Пикассо был женат на русской балерине Ольге Хохловой, с которой они познакомились благодаря балетам Дягилева. Жене художник посвятил многочисленные портреты.
Но узы брака не помешали художнику влюбиться в юную Мари-Терез Вальтер, а затем в художницу Дору Маар.
Есть легенда, что однажды Мари-Терез и Дора устроили настоящую драку за Пабло. Художник называл этот момент одним из своих лучших воспоминаний.
История № 3.
О том, как Пикассо украл «Мону Лизу».
Конечно, Пабло Пикассо не был вором произведений искусства. Но был арестован за кражу…«Моны Лизы».
На протяжении долгих лет шедевр Леонардо да Винчи не был настолько известен, как сейчас. Работа прославилась благодаря краже из Лувра в 1911 году.
В безуспешных поисках «Джоконды» полиция Парижа хваталась за любые зацепки. В том числе, за пару фраз, в сердцах сказанных Гийомом Аполлинером и Пабло Пикассо о том, что Лувр стоило бы предать огню. Аполлинер был арестован первым, за ним повязали и Пикассо. После долгих допросов, обоих отпустили.
Кто же тогда украл шедевр?
Итальянец Винченцо Перудже работал в Лувре и в один день просто снял картину со стены и незаметно вынес из музея. Вор хотел восстановить историческую справедливость и передать «Мону Лизу» музеям Италии.
История № 4.
О Пикассо-коммунисте.
Когда Пикассо было 62 года, он стал коммунистом и вступил в Коммунистическую партию Франции. Это случилось сразу после освобождения Парижа от нацистов. Пабло Пикассо даже написал портрет Сталина (в подборке работ выше).
История № 5.
Об эмиграции.
Пабло Пикассо родился в Испании в Малаге. Однако его редко причисляют исключительно к испанским художникам. Большую часть жизни Пикассо провёл во Франции. Именно там он и создал свои самые известные работы.
Ответ: полное имя испанского художника…
Па́бло Дие́го Хосе́ Франси́ско де Па́ула Хуа́н Непомусе́но Мари́я де лос Реме́диос Сиприа́но де ла Санти́сима Тринида́д Ма́ртир Патри́сио Руи́с-и-Пика́ссо.
Картина, с которой знакомы практически все. Картина с миллионными репродукциями. Картина, по которой школьники десятилетиями пишут сочинения.
Что в ней такого?
Объясняет Давид Самойлов в своем стихотворении:
Стояли они у картины:
Саврасов. "Грачи прилетели".
Там было простое, родное.
Никак уходить не хотели.
Случайно разговорились,
Поскольку случилась причина.
- Саврасов. "Грачи прилетели" -
Хорошая это картина...
Картина Анри Матисса «Лодка» однажды 1,5 месяца провисела на выставке вверх ногами.
Как так вышло?
Картина была выставлена в Нью-Йоркском Музее современного искусства. Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне.
Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться, нужно обратить внимание на детали - отметили на втором изображении.
Миф № 1.
«Черный квадрат» - черный.
Это миф.
При рассмотрении работы вживую, это видно невооруженным взглядом.
Краски для «Черного квадрата» Малевич создавал сам - он смешал сразу три темных пигмента (среди которых не было черного) и добавил мел, чтобы сделать изображение без характерного для масляной краски глянца.
В ходе исследований Третьяковской галереи выяснилась, что под «квадратом» скрыто две работы Малевича: кубофутуристическая и протосупрематическая композиции, при создании которых использовались синий, желтый, розовый и зеленый цвета. Они-то и просвечивают через кракелюры. Писал ли Малевич «квадрат» на готовых работах, потому что под рукой не оказалось нового холста, или сделал это намерено, не известно.
Миф № 2.
«Черный квадрат» - квадрат.
Это миф.
Изначально в каталоге картина значилась как «Черный супрематический четырехугольник». Ни одна из сторон «квадрата» не параллельна друг другу.
Миф № 3.
«Черный квадрат» написан в 1913 году.
Это миф.
Первый «Черный квадрат» был написан в 1915 году для выставки «0.10». Но сам художник датировал его 1913 годом. Зачем? Для Малевича было важно, чтобы ни у кого не возникло сомнений, кто был первооткрывателем супрематизма и главным революционером в искусстве.
Миф № 4.
«Черный квадрат» единственный в своем роде.
Это миф.
Всего «квадратов» Казимир Малевич написал четыре.
Второй был написан в 1923 году для биеннале в Венеции. Третий Малевич создал в 1929 году прямо в зале Третьяковской галереи. А четвертый - в 1932 году.
Однако, как пишут многие эксперты, повторения были начисто лишены магнетизма того самого первого «Черного квадрата».
Миф № 5.
«Черный квадрат» может нарисовать каждый.
Это миф.
Во-первых, «Черный квадрат» не просто закрашен краской, в изображении на холсте видна «рука мастера» - в ходе исследований эксперты обнаружили вертикальные, горизонтальные, диагональные, закругленные - самые разнообразные мазки, характерные только для кисти Малевича.
Во-вторых, у «Черного квадрата» сильная философская основа. Впервые работу Малевич представил на выставке «0.10». Он поместил ее в красный угол - туда, где обычно в русских избах находилась икона. Малевич провозглашает «квадрат» иконой нового искусства. Все то, что было до «Черного квадрата», буквально сведено к нулю. Малевич встал на позицию полного разрыва с предметностью, подкреплённую декларированием квадрата как «первого шага чистого творчества в целом». При этом квадрат стал базовым модулем, на основе которого будет рождаться новое искусство.
Чёрный квадрат Казимира Малевича - произведение искусства, окутанное разными теориями и загадками.
Предлагаем в следующих постах попробовать разобраться, что есть «чёрный квадрат» раз и навсегда.
Изображения пяти чувств в живописи встречаются в разные эпохи, начиная со времен Средневековья.
Один из самых необычных способов изображения пяти чувств предложил французский художник XVII века Жак Линар.
На его натюрморте пять чувств представлены исключительно предметами. Давайте посмотрим, какие предметы символизировали чувства:
✔️ зеркало и пейзаж в раме - зрение
✔️ цветы в золотом кувшине - обоняние
✔️ фрукты - вкус
✔️ нотная тетрадь - слух
✔️ бархатный кошель, монеты и карты - осязание
На первый взгляд аллегория кажется несложной. Однако все не так просто.
P.S. Есть теория, что художник буквально изобразил Бога как источник разума - в виде мозга. Мы не можем исключать такую теорию.
Во-первых, Микеланджело прекрасно разбирался в анатомии. Он «постоянно занимался анатомией, вскрывая трупы, дабы усмотреть начала и связи костяка, мышц, нервов и жил…».
Во-вторых, в изображении Творца и его окружения действительно угадывается строение человеческого мозга.
В-третьих, в эпоху Ренессанса уже существовали представления о мозге как о вместилище разума.
После недельного перерыва хотим начать с шедевра Сикстинской капеллы.
Завтра мы подробно разберем эту работу, а пока традиционный вопрос: кто автор «Сотворения Адама»?
Меленский диптих (1450-е) - интригующий шедевр позднего средневековья из Соборной церкви Нотр-Дам в Мелён.
Работа Жана Фуке выглядит удивительно современно - интенсивные оттенки и смелый сексуализированный образ Мадонны. Однако создана она была в середине XV века по заказу Этьена Шевалье, казначея французского короля Карла VII. Моделью для изображения Марии была Аньес Сорель - любовница и советница Карла VII.
На правой створке диптиха изображена Мария в аристократическом платье XV века, роскошном плаще и короне с камнями и крупным жемчугом. Зауженная талия и полуобнаженная грудь вносит в сцену почти эротический оттенок.
Фон заполнен херувимами. Три синих ангела представляют чистоту и воздух, шесть красных - любовь и огонь.
Младенец сидит на коленях у Мадонны. Обратите внимание на его палец. 👀
Работа, которую многие видели. Но не все знают автора.
Читать полностью…
Традиционный портрет для английской живописи XVIII века.
Однако с интересными загадками.
Слово «вернисаж» произошло от французского vernissage - «лакировка».
В XIX веке вернисажем называли день накануне открытия выставки, в который художники завершали работу над картинами и покрывали работы лаком.
Позже словом «вернисаж» стали называть канун открытия парижского Салона - официальной художественной выставки Академии изящных искусств во Франции. Там участвовали только специальные гости: художественные критики, искусствоведы, арт-консультанты, пресса.
Со временем «вернисажем» стало открытие любой выставки в галерее или музее.