67
Детальный обзор практики современных художников со всего мира @evgeniamakarova https://linktr.ee/evgeniamakarova
В этой же галерее была представлена работа The Rising Sun в технике акватинта (разновидность офорта) американского художника иранского происхождения Ali Banisadr. Тут я могу только восхищаться красотой. Она прекрасна. Вообще, я поняла, что из всего увиденного на ярмарке, больше всего меня привлекала именно графика.
Любопытный факт: в биографии Банисадра упоминается о его синестезии (способность визуально воспринимать звуки). Я бы не отказалась от такой способности, но кто знает правда это или миф художника))
Али Банисадр родился в 1976 году в Тегеране, Иран. Он переехал в Калифорнию с семьей, когда был ребенком, и позже поступил в Школу Визуальных Искусств в Нью-Йорке, где учился до 2005 года, а затем в Академии Искусств в Нью-Йорке, которую окончил в 2007 году. Его первая персональная выставка состоялась в галерее Leslie Tonkonow Artworks + Projects в Нью-Йорке в 2008 году.
Творчество Банисадра характеризуется сюрреалистическими, галлюцинаторными и часто хаотичными пейзажами. Эта тематика вдохновлена детскими воспоминаниями, воображаемыми сценами, историей живописи и звуком. У Банисадра синестезия (способность визуально воспринимать звуки). Когда он был мальчиком во время ирано-иракской войны, Банисадр рисовал, чтобы создать визуальное представление звуков взрывов и авиаударов. Эти внутренние звуки направляют его художественное творчество на холсте и на медной пластине, создавая сложные композиции из беспорядочных форм и фигур.
#Frieze
Продолжаем прогулку по Фризу 🐌
Прекрасная мрачноватая двухметровая работа (1) If this is not large..., масляной пастелью художника Rinus Van de Velde в Galerie Max Hetzler.
Связывая возможное и невозможное, Ринус Ван де Вельде (р. 1983) рассказывает историю вымышленных событий, выдуманных автобиографий и фантастических встреч. Охватывая разные медиумы, от рисунка и живописи до инсталляций и кино, Ван де Вельде известен своим остроумными комментариями и вывереным использованием угля на крупных холстах.
Стиль повествования Ринуса Ван де Вельде балансирует между правдой и воображением, что находит отражение в сложном взаимодействии света и тени в его работах. Убежденный в том, что искусство не рождается из одной истины, Ван де Вельде через свои произведения стремится открыть разнообразие реальностей. Населяя эти миры, художник часто изображает себя в роли главного героя.
С конца 2010-х годов Ван де Вельде дополняет свою характерную монохромную палитру выцветшими и приглушенными оттенками, которые становятся все более насыщенными с течением времени. В последние годы художник сосредотачивается на цвете в своём творчестве, начиная с небольших карандашных рисунков, которые превратились в более крупные композиции с яркими масляными штрихами. Влюбленный в спонтанность рисования, Ван де Вельде принимает характерные шаловливые и хаотичные качества этой техники, перенося этот дух на большой формат, который, своей величественностью, напоминает традиционное масляное искусство. В отличие от живописи, вечно обремененной обязательством делать определенные утверждения, Ван де Вельде видит в рисовании возможность "создать свой мир".
"Моя работа всегда основана на вымысле, находящемся рядом с реальностью. Это о правде и лжи. Где здесь настоящее? Это интересно, мне нравится это смешивать."
#Frieze
В галерее Xavier Hufkens (Брюссель), показывали рисунки Paul McCarthy. Вообще я шла мимо, но глаз зацепился за эту дичь и я стала рассматирвать. Какое-то очевидное насилие тут происходит, кмк. Ну зная его работы это неудивиельно. Добавила одну из его работ для привлечения внимания, на стенде конечно её не было 💩
American artist Paul McCarthy (b.1945) is known for his wide-ranging and often provocative and disturbing œuvre, which encompasses performance, photography, film, multimedia installations, sculpture, drawing and painting. Messy, antagonistic, sexually explicit and politically charged, McCarthy’s output takes aim at consumerism, popular culture and our innermost fears and neuroses, such as sex, bodily fluids and human orifices. While he regularly appropriates icons of popular culture and childhood, including Santa Claus, Barbie, Snow White and Heidi in his work, McCarthy inevitably recasts his characters as violent, malicious and depraved. In a career spanning some five decades, McCarthy has come to be recognised as one of the greatest chroniclers, and transgressors, of contemporary social norms and taboos. Mercilessly ridiculing authority and the so-called rules of polite society, his anarchic œuvre mixes both high and low culture, and provokes an analysis of our most fundamental and sacrosanct beliefs.
#Frieze
Очень понравились работы на стенде индийской галереи Vadehra Art Gallery, New Delhi.
#Frieze
Ragnar Kjartansson's 'Three Sisters (remake of Jay Ranelli's Lost Photo c. 1990),’ 2021, i8 Gallery.
Kjartansson was inspired to create the artwork after hearing a story from family friend Jay Ranelli, who visited the first McDonald's in Moscow, where he saw three servers with name tags that read Irina, Masha, and Olga, the same names as the characters in Anton Chekhov's famous play, ‘Three Sisters.’
With the original image lost, or perhaps the original story, one of exaggerated lore, Kjartansson recreated the scenario in his studio. Within a hand-painted set, he photographed three women who represent Chekhov's epochal siblings in a replica of the Russian McDonald's branch, using a film camera to capture the same effect and texture of the original image.
#Frieze
Друзья, хочу вам порекомендовать канал про цифровое искусство /channel/proArtAiNft
Его ведет художница Галина Бакинова. В своем канале она обозревает цифровое современное искусство, AI и NFT, всё самое трендовое.
Галина отлично разбирается в цифровом и NFT направлениях искусства. Недавно художница работала в блокчейн стартапе в Черногории и знает всю кухню NFT изнутри.
Подписывайтесь на интересный канал ❤️
Manon Wertenbroek (1991, Швейцария)
В своей практике Манон Вертенбрук исследует двойственность кожи как того, что отделяет нас и в то же время связывает с внешним миром. Независимо от того, работает ли она непосредственно с кожей или создает скульптуры, которые напоминают её в более поэтической или метафорической форме, она исследует кожу как первую зону контакта между человеком и окружающим миром — кожу, которая одновременно защищает и соединяет, как занавеска, которая скрывает, но пропускает свет. Художница размышляет о следах, оставленных нашим опытом и взаимодействием. Работы Манон, как правило, бесплотны: они напоминают тела, не принимая их форму и объем, так как она стремится раскрыть не столько физическое существо, сколько духовную скрытую сущность.
Интересно то, что Вертенбрук начинала как фотограф, выставлялась в Базеле, сотрудничала с такими брендами как La Prairie и только год, как полностью перешла в медиум скульптуры. Если отмотать ленту её соцсети, то можно заметить кардинальные изменения в творчестве. Интересный путь.
*бретцель мой любимый 🖤
#текстиль #стейтмент #скульптура
Ссылка на художницу
https://instagram.com/manonwertenbroek?igshid=MzRlODBiNWFlZA==
Вдогонку Горшкова. Вот этот фарш всего, кмк это очень живописно.
Читать полностью…
Особенно привлекла внимание работа под названием Corporealités в галерее Perrotin New York. Она состоит из серии светодиодных скульптур, запрограммированных на многоканальную видеоработу.
В этой инсталляции Джаст исследует идеи свободы воли, перформативности и интерпассивности, часто используя формальный язык балета, дискутируя о теле в его идеализированных и в то же время разрозненных формах.
Для её создания Джаст сотрудничал с танцорами Американского театра балета. Интимный взгляд камеры фокусируется на крупных планах и частях тел — моргании глаза, напряженных мышцах таза, волосах, встающих дыбом на предплечье танцора. Их гибкие и мускулистые тела, даже в пассивном состоянии, указывают на силу. Тем не менее, они раздроблены и разрознены и отображены на серии из пяти фрагментированных светодиодных панелей. В состоянии покоя к их мускулатуре прикреплены небольшие стимуляторы, которые вызывают легкие и прерывистые мышечные сокращения. Каждый пластырь, который часто используется танцорами для физиотерапии и силовых тренировок, соединен с проводами, спускающиеся вниз по телу танцора и по полу. Пока их мышцы продолжают сокращаться, по всей галерее звучит ‘Fauré’s Op. 50’ композиция в романтическом стиле. Трудно понять, диктуют ли движения танцоров партитуру или наоборот. Подобно частям автономной машины, они одновременно самостоятельны и пассивны. Пространство внутри выставки повторяет пространство внутри спектакля, создавая невероятный усиливающий эффект на протяжении всей выставки. Архитектурное оформление инсталляции побуждает участников следовать неожиданным и нелогичным путям по помещению. Вместе с архитектурой выставочного пространства меняется и его иерархия. Тела танцоров переплетаются и за ними периодически наблюдают через объектив микроскопической камеры. Зум объектива делает гендер и личность неоднозначными, а сломанные экраны отражают изломанные тела, создавая осязаемую связь между физическим и цифровым пространством.
#интервью #видеоинсталляция
Интервью Джеспера
https://youtu.be/eNGfJzpoyYA
А вот тут можно побродить по галерее https://my.matterport.com/show/?m=y8Kopjy4ahm&qs=1&hl=1&play=1&sr=-3.05,.78&ss=14
Давно ничего не публиковала. В последнее время забросила поиски, но вот интересный художник попался в инстаграме. Представлял Данию на Венецианской биеннале в 2013 г.
Читать полностью…
Берлинде де Брёйкере (1964). Бельгийская визуальная художница. Достаточно известная, но я была не знакома с её творчеством. Очень глубокие работы, по атмосфере напомнили мне Датский павильон. После прочтения рекомендую посмотреть небольшой сюжет о ней, видео из её мастерской. Любопытно было увидеть как она на макете составляет выставку.
Интервью художницы
https://youtu.be/BgA9sgn8pQ4
#интервью
Ведущая фигура на современной фламандской сцене, воспитанная в строгой католической семье, Берлинде де Брёйкере создала ряд работ, в которых христианские образы ассоциируются с мученичеством и искуплением. Дочь мясника, в своем исследовании двойственности жизни и смерти она ставит физические страдания и израненную плоть в центр своего творчества. В 1990-е годы она отказалась от своих минималистских скульптур из камня, дерева, стали и бетона в пользу более личных фигуративных сцен, используя более органичные и податливые материалы. Она начала создавать инсталляции: клетки, напоминающие изоляторы, покрытые одеялами, чтобы скрыть то, что находится внутри. Для Б. де Брёйкере, вдохновленной образами голода в Сомали, войны в Косово и геноцида в Руанде, одеяла символизируют тепло и защиту, но также уязвимость и страх: они предполагают окончательное убежище для людей, которые страдают или находятся в бегстве. В конце 1990-х годов она начала серию скульптур — одеял, под которыми была спрятана фигура женщины и видны только её обнаженные ноги. Это стало началом включения человеческой фигуры в её работы. Она лепит обнаженные тела из смеси диафанского воска и пигментов, материала, напоминающего человеческую кожу, но оставляющего видимыми тонкие голубоватые вены.
От этих тел исходит тревожная странность, мягкая чувственность, которая столь же очаровательна, сколь и пугающа, и заставляет вспомнить реалистические испанские религиозные скульптуры XVII века. Эти существа подвергались пыткам, ампутациям, перешиванию: в последнем изгибе, часто конвульсивном, они пытаются выйти за пределы страданий, видимых в их плоти, и художник предлагает им возможность гомерического преображения, как в работе "Марта" (2008), где руки фигуры принимают форму ветвей дерева. Хотя она уделяет особое внимание физическим конечностям — рукам, ногам — эти существа, пол которых иногда неясен, безголовы или их лица скрыты длинными волосами, как у Марии Магдалины. Б. де Брёйкере также создаёт тела чучел лошадей: инсталляция "На поле Фландрии" (2000) изображает тела нескольких лошадей, убитых на поле боя. Для Венецианской биеннале 2003 года она создала скульптуру "Черная лошадь", в которой безглазая лошадь агонизирует на столе из дерева и стали.
#стейтмент #инсталляция
На стенде Cristea Roberts Gallery было несколько интересных произведений, заинтересовавших меня в том числе и своей техникой.
Работы из серии Casablanca Richard Serra. Вы наверняка видели его масштабные скульптуры (1), но оказывается с плоским он тоже работает. Эти две Касабланки были просто безупречны в своей лаконичности, я как любитель минимализма и чёрного цвета, оценила. На сайте Artsy Casablanca # 2, которая была представлена на Фризе, значится с ценой в $50,000.
В поиске информации о маэстро наткнулась на вот это его высказывание, очень мило🖤
Obsession is what it comes down to. It is difficult to think without obsession, and it is impossible to create something without a foundation that is rigorous, incontrovertible, and, in fact, to some degree repetitive. Repetition is the ritual of obsession. Repetition is a way to jumpstart the indecision of beginning. To persevere and to begin over and over again is to continue the obsession with work. Work comes out of work. In order to work you must already be working.
#Frieze
В этой же галрее открыла для себя художника Leon Kossoff. Вживую очень впечатляет, такая маленькая работа (1), но оторваться невозможно💛
British artist Leon Kossoff (1926-2019) is one of the most acclaimed figurative painters of the twentieth century. A born and bred Londoner, Kossoff found inspiration in his close environment; from within his studio walls to the city’s streets. Often building layer on layer of paint over long periods of time, Kossoff created expressive, tactile surfaces. Through a use of heavy impasto, his canvases took on a three-dimensional, almost sculptural quality. From early in his career, Kossoff’s focus on the city's streets led him to capture the post-war bomb-damaged neighbourhoods or historic landmarks like Christ Church Spitalfields and Arnold Circus, which held a deep connection to his family's history as part of the Jewish diaspora that settled in the area during the early 20th century. In the intimacy of his studio, he would create psychologically penetrating portraits and figure studies, often of family members and friends. Kossoff was considered a member of the ‘School of London’ group of artists, which included such artists as Frank Auerbach, Francis Bacon and Lucian Freud. Although their approaches differed, the group adopted a radical commitment to figurative painting at a time when conceptualism and minimalism were the dominant forces in the art world. Kossoff was also a skilled and dedicated printmaker throughout his lifetime.
#Frieze
Особенно видео скульптура художника Ranbir Kaleka, Synaptic Visions of Dead Time.
Ranbir Kaleka's proto-cinematic practice explores the movements and durations of time, communities, histories and identities alongside investigations of macro-factors like historical events, climate change and social realities. He often navigates psychosocial thresholds by intuitively diving into the depths of a trans-media image - pushing its representations outside of a conventional frame and into conditions of experience, and blurring the borders between the conscious and the subconscious in complexly layered compositions. Synaptic Visions of Dead Time features a skeletal structure with arches cast in the spirit of gothic noir, for a durational series of five video projections. Where Kaleka's larger practice recognizes the trajectory of the moving image across political histories, this particular work acquires greater personal significance as a visual artist dealing with the tensions of fraught images within what Michel Foucault called the "author function", or the artist's ability to perform a kind of presence in their own work.
#Frieze
Timothy Taylor Gallery представляла американского художника Eddie Martinez. Пространство стенда было оформленно не менее чем 2537 маленькими оригинальными рисунками Мартинеса. Они не продавалась, а служили фоном для более крупных работ в рамах, представленных по цене от $10000 до $40000, большая часть которых была продана в первый же день.
Из интересного: на аукционе 2019 года одна из его работ была продана за 1,8 миллиона евро. Но галерист Тимоти Тейлор говорит, что художникам не стоит учитывать цены на вторичном рынке🤔
#Frieze
В этой же галерее был Olafur Eliasson, которого я благополучно проворонила "ну камень и камень" подумала я 👉
А вот что говорит о работе Olafur:
A conical block of startlingly white ice seems to emerge from the ground as if it were the peak of an iceberg hidden beneath our feet. This pristine ice, however, is not melting. The metre-and-a-half tall sculpture was carved from Carrara marble – a material that shares with ice a capacity to scatter light rays that penetrate its outermost layer, resulting in the translucence that has made it so desirable for artists over the millennia.
The carving was based on a 3D scan of a block of ice found on Diamond Beach, Iceland. The beach gets its name from the glistening pieces of ice that wash up there and rest on the shore until they melt away.
#Frieze
Продолжение.
Проект S(k)ins
Выставка S(k)ins Манон Вертенбрук посвящена взаимосвязи любви и боли.
Стены комнаты обтянуты матовым хлопком, покрытым солевыми пятнами, как будто следами пота. Из этой сероватой мембраны появляются загадочные объекты, вызывающие воспоминания и наводящие на размышления. Кошмары и фантазии, всплывающие из глубин бессознательного. Напротив двери, в нише стены разместились два объекта, подвешенные там, как будто забытая в шкафу одежда или готовая к дублению шкура. Три открытых ящика пронизывают стены комнаты, они напоминают мебель, но в то же время являются отверстиями, через которые выходят наши самые подавленные желания и травмы. Несмотря на свою интимность, это пространство отнюдь не уютно. Подушки, обещающие комфорт, пришли в негодность, пропитанные латексом и слипшиеся со старыми тряпками. Цвет комнаты это не цвет здоровой, румяной плоти, а, скорее, оттенок гниющей кожи, с потом и сочащейся жидкостью. Она больна страхами и тайнами. Однако, в этой болезни скрывается красота и забота, проявляющиеся в скрупулёзном исполнении Вертенбрук своих работ. В этой комнате, которая также является телом, любовь и ненависть оказываются лицом к лицу. Здесь есть боль, но есть и забота. Несмотря на то что тело больное, оно все равно представлено здесь как дом, в котором можно жить. Мы никогда так не осознаем свое тело, как в момент боли. Именно в эти моменты отчуждения своего тела мы начинаем признавать его, входить в "контакт" с собственным "я", так возникает возможность принятия и исцеления.
#текстиль #инсталляция #скульптура #процесс
Продолжая тему живописных инсталляций, предлагаю посмотреть на практику художницы Alicia Piller. Её гигантские абстрактные объекты, выглядят как спрессованные и переработанные инсталляции Горшкова, такие же живописные, но с большей драматургией.
Ладно, оставим уже Горшкова в покое)
Художница из Лос-Анджелеса Алисия Пиллер (р. 1982, Чикаго, Иллинойс)
Стейтмент.
Работая на макро/микроуровне, я вдыхаю жизнь в материалы, извлеченные из их «естественной» среды. Мне нравится собирать предметы со всего мира, перерабатывать отходы предыдущих проектов, использовать фотографии и создавать свои собственные уникальные объекты из комбинаций различных материалов: латексных шаров, смолы, цифровой печати на переработанной бумаге, винила, кожи, рождественских гирлянд, игрушечных пистолетов, человеческих зубов, гильз, пластика, металла и тд. Все маленькие детали я ритуально оборачиваю винилом, кожей или другим материалом, создавая своего рода мембрану, которая затем позволяет мне соединить части вместе, объединить в одну структурную форму «единый организм». Эти «организмы» часто представляют собой мысли о прошлом, проявленные в физическом мире, моменте времени. Обволакивающие скульптуры и инсталляции расширяются, превращаясь в уникальные системы, которые кажутся знакомыми и чужими одновременно. Построение каждой работы становится биологическим развертыванием времени, которое начинает исследовать энергию вокруг ран, оставленных историческими травмами.
«Я надеюсь, что своей работой я смогу передать ощущение времени, ощущение энергии, я хочу, чтобы люди чувствовали, будто сама скульптура растет и движется, даже если она стоит на месте. Используя исторические заголовки, современные образы и т. д., я хочу, чтобы зритель почувствовал историю, помня при этом, что он находится в настоящем. Это серьезная задача, но я хочу, чтобы люди в конечном итоге почувствовали связь между прошлым, настоящим и будущим».
#стейтмент #инсталляция #интервью
Видео, где можно рассмотреть подробно работы Пиллер и параллельно послушать её интервью https://youtu.be/yah6N-nEJPQ?si=Oj2-52k6NmO7NPmA
Подписаться на художницу
https://instagram.com/thereal.aliciapiller?igshid=MzRlODBiNWFlZA==
Кому интересен коммерческий аспект https://www.artsy.net/artist/alicia-piller
Боже, она обалденная! Я давно не видела работ, которые бы вызвали у меня чувство восторга.
Интересная мысль: вот как эффектно выглядит керамика, если её перевести в плоскость. Масштабно. Интересно, а с живописью будет то же самое? Почему-то на ум приходит Горшков со своими инсталляциями и объектами. Это выглядит достаточно живописно.
Художница Paloma Proudfoot (1992) живёт и работает в Лондоне.
Палома работает в различных медиа, включая скульптуру, инсталляцию, сольные и групповые перформансы. Художница сочетает натуральные органические материалы, в том числе волосы, продукты питания и воск, с керамикой для создания своих скульптур и инсталляций. В ее работах часто присутствуют анатомические отсылки и потусторонние формы существ, а также изображаются абстрактные формы, которые кажутся игривыми, но в то же время отражают актуальные темы ее собственного поколения.
#скульптура #инсталляция
Подписаться на художницу https://instagram.com/palomaproudfoot?igshid=MzRlODBiNWFlZA==
Джеспер Джаст использует язык кино, чтобы противостоять стереотипным голливудским представлениям о мужественности и женственности, а также предвзятому представлению меньшинств и людей с ограниченными возможностями в массовой культуре. Его короткометражные фильмы и мультипроекционные видеоинсталляции ставят под сомнение механизмы кинематографической идентификации и обманывают ожидания зрителей о завершенности повествования, разворачивая сюрреалистические, эмоционально неоднозначные, открытые и часто молчаливые ситуации или встречи. Использование пышных, тщательно проработанных партитур к фильмам играет решающую роль в создании обманчивого ощущения развития повествования. Музыка, а не речь часто служит единственным средством общения между главными героями его непостижимых сюжетов. Интересуясь тем, как общественные и частные пространства определяют и формируют человеческое взаимодействие, архитектура у Джаста играет роль проводника для героев в их загадочных путешествиях.
#видеоарт #стейтмент
И вдогонку немного цитат из её интервью
Очень понравилась метафора с одеялом.
«Одеяла, — отмечает Берлинде де Брёйкере, — это самая близкая вещь к вашему телу, даже ближе, чем одежда. После нескольких сезонов вы выбрасываете одежду, но одеяло на вашей кровати остается там навсегда [...] Кровать - это место, где вы занимаетесь любовью, где вы рожаете, где спят ваши дети, где вы умираете». Поэтому важно, что одеяла - это предметы, которые впитали в себя такие события. Все одеяла Де Бруйкере, были получены из благотворительных организаций и магазинов подержанной одежды. «Благодаря этому, — говорит она, — вы чувствуете тело, даже не видя его».
Это ощущение отсутствия присутствия тела отражается на всем процессе, лежащем в основе "Сказок двора". Став, в некотором смысле, телами, покрывала Де Брёйкере также начинают стареть и страдать как тела. Ткань, из которой сделаны готовые покрывала, подвергалась систематическому старению в течение одного-двух лет. Повешенные на рамах во дворе ее студии в Генте, иногда частично погребенные, они были обесцвечены, сгнили и изъедены солнцем, дождем и животными. Если в De Slaapzaal одеяла были первозданными, а ее изобретения - прямыми и контролируемыми, то одеяла в "Сказках двора" изменены "природой и временем".
После очистки состаренные ткани были прикреплены к стене и наложены друг на друга в процессе, который она сравнивает с созданием картины: выбирая, какое одеяло будет накладываться на другое, подобно тому, как художник может накладывать краски. В процессе, объясняет Де Брёйкере, они стали портретами и снова обратились к старым мастерам и древним мученикам. В тот момент, когда я решила прибить одеяла к стене, у меня сразу же возникло ощущение гвоздей на кресте, что вы прибили тело к стене, хотя это было всего лишь гнилое одеяло". Наконец, "одеяло стало настолько уязвимым и хрупким, что оно демонстрировало ту же слабость, что и израненное тело" - и, следовательно, аналогичные формы красоты.
Хотя тела, даже в их отсутствие, остаются главным источником смысла в ее работах, она говорит, что ей пришлось выйти за их пределы. Когда я спрашиваю ее, отошла ли она от своих более буквальных исследований телесных страданий, она тщательно думает, прежде чем ответить: "Возможно. На данный момент я думаю, что да. Тело в данный момент недостаточно велико. [...] Оно не может передать те чувства или идеи, о которых я хочу рассказать". Она отмечает, что за последнее десятилетие ситуация сильно изменилась, и тело больше не является "идеальным инструментом для разговора о боли".
#интервью
Полная статья тут https://www.apollo-magazine.com/bleak-beauty-berlinde-de-bruyckere-interview/amp/